Exodus 8:2 - When it rains, it pours

Las 10 Películas que más espero del 2012

2012-01-28T00:01:00.000-08:00

Y así comienza otro año, lleno de eventos cinematográficos los cuales serán increíbles de visionar en el momento en que se vuelvan disponibles. Como siempre, se hará una crítica exhaustiva de estas películas una vez que sean vistas por mi persona. A continuación, les dejo el top 10 para que ustedes también me digan qué es lo que ustedes más esperan del año 2012, audiovisualmente hablando.

1. Django Unchained (Quentin Tarantino)

Con un casting increíble y un guión que ha sido visto con vistos muy positivos en los sitios especializados, Quentin Tarantino vuelve a la carga con un western que no es western, ambientado en la época del tren subterráneo, donde el sur aún esclavizaba a los negros y todo era muy malo. Podemos esperar venganza, pastiche y perfección, a la cual Tarantino nos tiene acostumbrados, y eso es mejor que todo lo que hemos visto desde que empezó el 2010. Aún no empieza a grabar, pero le creo a QT cuando me dice que la va a tener lista para finales del 2012. Contará con las actuaciones de Leonardo DiCaprio, Samuel L. Jackson, Christoph Waltz... qué más.

2. The Dark Knight Rises (Christopher Nolan)

El evento cinematográfico más esperado para muchos, el final de la trilogía Batman de Christopher Nolan, donde el enmascarado se enfrentará con Bane y la destrucción total de Ciudad Gótica, así llevando a Batman a lo más extremo de sus capacidades. Todos esperan esta película, ya se fanáticos de los cómics, la acción y al final, cualquier fanático del cine que se precie de tal, a menos que seas un maldito hipster o un estúpido snob, como algunos que conozco y que me critican por amar tanto (jajaja) el cine comercial. A continuación les dejo el trailer que seguramente ya han visto, el último.

3. Stoker (Chan-wook Park)

Una película de terror norteamericana dirigida por el coreano Chan-wook Park debe ser suficiente para atraer a cualquiera, pero también contamos con la actuación de Nicole Kidman y Mia Wasikowska, en la historia sobre una niña que, tras la muerte de su padre, recibe la visita de un tío misterioso. Este guión viene con historia y crítica buena, así que podemos esperar algo tremendamente espectacular de nuestro amigo asiático, el mejor director moderno trabajando actualmente.

4. [REC]³ Génesis (Paco Plaza)

La continuación a la estupenda saga española de zombies, [REC], ahora toma un viaje distinto para llevar más adelante su genial historia acerca de una infección que se lleva a cabo en el centro de España. Ahora hemos abandonado el estilo de cámara en mano y han abandonado el edificio de departamentos, para llevarnos a una boda donde todo sale mal. ¿Qué misterios y qué tramas nos contarán? Dirigida por la mitad del equipo usual, la 4 será dirigida por Jaume Balagueró. Les dejo el impresionante trailer.

5. Okami kodomo no ame to yuki (Mamoru Hosoda)

Una cinta animé de la voz más nueva y más prometedora de hoy en día, Mamoru Hosoda deja de lado sus inclinaciones operáticas y tremendas que incluyen viajes en el tiempo y salvar el mundo, para tomar una historia más sencilla y tranquila sobre una familia de una madre y dos hijos, ambos son medio zorros, así que quizás qué nos tenga preparado este maestro director de la imagen animada. A continuación les dejo el teaser que salió hace algunas semanas.

Okami Kodomo no Ame to Yuki Vidéo kyouray sélectionnée dans Animation

6. The Man with the Iron Fists (RZA)

Eli Roth produce y coescribe esta película-homenaje al kung-fu de los años 70 en una cinta filmada en China, en locación, y con un cast que incluye al mismo director, el rapero RZA, Pam Grier, clásica estrella del blacksploitation, y Russell Crowe, aparte de varios actores y técnicos del asia más profunda. Será una película muy entretenida para ver, y esperar que la mano originadora de todo el proyecto (obviamente Quentin Tarantino debe haber dado alguna idea) se haga presente en su genialidad.

7. The Avengers (Joss Wheddon)

La culminación (y comienzo) de todo lo que esperaban las películas Marvel de los últimos 4 años, donde los personajes se unirán para enfrentarse en una batalla descomunal contra algo que amenaza destruir la tierra completamente. Capitán América, Thor, Iron Man, Hulk... puras estrellas, y el trailer es espectacular, se los dejo abajo.

8. 1884: Yesterday's Future (Tim Ollive)

Una animación steam punk, creo que es lo único que tengo que decir para atraer a cualquiera que se sienta atraído por esos temas para marcar esta película como una sorpresa y como lo mejor que veremos en cuanto a este género en el año 2012. Atentos a las imágenes presentes en el trailer que dejo a continuación, así como la secuencia, increíble imagen y animación.

9. Yut doi jung si (Wong Kar Wai)

Ya ha estado en esta misma lista por TRES años consecutivos, así que no me quiero repetir y simplemente decir que espero que esta vez si podamos ver esta nueva obra maestra del director hongkonés. Les dejo el trailer a continuación.

10. The Hobbit: An Unexpected Journey (Peter Jackson)

Como volver a casa. Así se siente ver el trailer y conocer todo lo que rodea a la nueva película basada en la obra de J.R.R. Tolkien. Con un gran casting de actores, la misma escenografía en Nueva Zelanda, la increíble experiencia de contar con la dirección de Peter Jackson en una historia que ya es un clásico infantil, pero que demuestra la madurez de una historia de carácteres épicos. Impresionante y emocionante con tan solo ver el trailer, el cual les dejo para que se emocionen conmigo.

Entonces, ¿qué películas esperan ustedes ver en sus cines?

Top 10 Películas del 2011

2012-01-26T00:01:00.000-08:00

Bueno, aquí estamos, otro año más y otro top 10 por hacer. Ustedes, esta vez, pueden leer mis elecciones para lo mejor del 2011 desde el número 20 al 11 (en inglés) en el sitio Wonders in the Dark, y el link directo es este. Así que disfruten de eso y después vuelvan acá para saber mis decisiones definitivas de lo mejor de este año (allá también encontrarán algunas reflexiones sobre lo que fue el 2011 para el cine según yo). O si vienes de Wonders in the Dark y vienes por más, pues aquí nos encontramos, las siguientes películas son mi top 10 oficial del 2o11.

10. All Watched Over by Machines of Loving Grace (Adam Curtis)

Un documental que fue una miniserie de tres episodios de la BBC y que es completamente increíble en la forma de su narración, algo que nunca antes había visto, en la forma en la cual conecta de un tema a otro, saltando como si fuera un maestro de todas las artes. Adam Curtis nos llena de preguntas y respuestas a medio cocinar, pero eso es lo increíble: lo difícil que es ver esta serie y entender el punto final de la misma hacia el final, es decir, con qué quedarse uno al llegar a la totalidad de la visión, y la posibilidad de que seamos nada más que máquinas funcionando para poder reproducir nuestra especie, y eso que Ayn Rand se enojaría si dijéramos eso.

9. Contagion (Steven Soderbergh)

El cast más impresionante del año da lugar a una de las películas de género e infecciones más inteligentes de los últimos tiempos, y eso sin la presencia de zombies para arruinar la fiesta. Teniendo lugar desde el inicio hasta el fin de una epidemia de un virus mortal, la película nos da imágenes desgarradoras de un futuro posible, así como de la paranoia y la era de la desinformación en la cual nos encontramos, donde una pieza de información entregada por un periodista poco escrupuloso puede llevar más cerca del fin a una civilización y desplazarse más rápidamente que un virus. Con impresionantes efectos especiales, ambientación, fotografía, montaje y actuaciones, Contagion es una de esas pequeñas películas de las cuales uno no espera mucho, pero terminan sorprendiendo gratamente por lo increíbles que son y las repercusiones que tienen.

8. Life in a Day (Varios Directores)

Olvida tu crucero alrededor del mundo y tus documentales del Discovery Channel, esta es tu mejor opción cuando quieres saber del mundo: escuchar de la boca misma de quienes viven en él. Mezclando testimonios audiovisuales de distintas partes del mundo, subidas a youtube y luego editadas en un trabajo espectacular que queda como testimonio del poder intelectual y antropológico de la vida del ser humano en un solo día. El testimonio final es sin duda uno de los más importantes, y ver desde el nacimiento hasta la muerte en un solo film, y reales, es algo que se debe admirar. El estilo de edición es estupendo, conectando imágenes y haciéndolas comunicar por contraste, al estilo de los editores rusos, y eso es suficiente para tener esta película muy arriba.

7. Scream 4 (Wes Craven)

La sangre nueva y el tiempo ha ayudado a Wes Craven y Kevin Williamson e incluso a la misma franquicia con esta nueva versión del clásico film de finales de los 90, pudiendo así realizar la que sea la mejor secuela y la mejor de las cuatro películas Scream. La forma en que se mueve y juega con sus elementos de meta-lenguaje es algo para admirar, así como la desaparición completa de cualquier recato a la hora de mostrar violencia y quién puede morir en esta saga que finalmente pudo llegar a lo que quería: ser un testamento pos-moderno sobre lo que es el metalenguaje dentro del cine, llegando a los extremos más audaces (hace falta ver los primeros minutos para darse cuenta) e incorporando los elementos más novedosos de las nuevas tecnologías audiovisuales y otros momentos impresionantes para los personajes de esta serie, así como el estado del cine de terror en nuestros tiempos.

6. Koi no tsumi (Sion Sono)

Lo nuevo de Sono es una mezcla de sus inclinaciones para el horror bizarro y el cine arte de las más exquisita clase, y aunque no tan equilibrado como en "Noriko's Dinner Table" (2004) o "Love Exposure" (2008) o su película anterior "Cold Fish" (2010), Guilty of Romance nos entrega un retrato impresionante que mezcla el sexo con la muerte de manera perfecta, mostrando escenas de sexo no explícito como una forma de liberación y esclavización al mismo tiempo, contándonos la historia de una recatada mujer que se casa con un escritor que nunca la toca, y que poco a poco empieza a ingresar en la esfera del sexo, hasta llegar al fondo de lo que puede llegar una mujer. Es un testamento a cómo el sexo puede llegar a destruir a una persona si es que, como se dice siempre en el filme, no se hace con amor.

5. A Torinói ló (Béla Tarr, Ágnes Hranitzky)

El fin del mundo se acerca para una pequeña casa perdida en el medio de la nada, y eso se demuestra a través de la pobre y escasa vida que llevan un padre con su hija a fines del siglo XIX e inicios del XX, un cambio de folio que nos traerá la modernidad, y ellos aún viven en la antigüedad. Usando una anécdota de Nietzsche, cuya muerte inicia la película y la modernidad como tal, nos encontramos con The Turin Horse, la mejor película que nos habla sobre el fin de todo. Es también el fin de la carrera de Tarr, quien se retira del arte por cansancio, y a la vez del cine en sí, dejándonos en la oscuridad absoluta, lo cual se puede vislumbrar en las 30 tomas que tiene esta película de dos horas y media, donde podemos ver el momento en el cual el rollo de cinta está terminando, sembrado por oscuras líneas que van marcando su fin. Si no te deja intranquilo, es porque no aprecias el cine.

4. Melancholia (Lars von Trier)

La mejor forma de entender la depresión es viendo esta película, donde el planeta muere para satisfacer los deseos de Kirsten Dunst, la mejor actuación femenina del año, que quiere morir porque el planeta es un lugar maligno, y la Tierra merece ser destruída, pues de todos modos no hay un Dios, y nosotros somos un accidente, no hay vida fuera de nuestro planeta. Quizás uno de los mejores monólogos/diálogos del cine de género se encuentran acá, cuando junto con Charlotte Gainsbourgh empiezan a tratar de establecer qué van a hacer ahora que saben que el planeta Melancholia va a chocar contra la Tierra. Las imágenes iniciales y finales son preciosas, aunque sean visualmente chocantes y muy poderosas. Una joya que debería ser tomada más en cuenta.

3. Paranmanjang (Chan-kyong Park, Chan-wook Park)

Cuando vi por primera vez este cortometraje grabado con un iPhone, me encontré completamente sorprendido por los visuales de la película, y la calidad de filmación de este aparato móvil, así como de la actuación de ciertos personajes, y como mencioné en mi crítica que pueden leer si tocan click en el nombre original de Night Fishing, la vi sin subtítulos. Pues bien, ahora la he visto, y lo que sospechaba estaba, más o menos correcto, pues subestimé otra presencia importante en la película, mientras que sobreestimé la presencia principal. De todas maneras, es una película potente en sus imágenes y un tremendo descubrimiento el de el hermano de Chan-wook Park como co-director de la película. Con tintes de lo más puro del tradicionalismo coreano antiguo, esta película vale la pena verla una y otra y otra vez.

2. Jodaeiye Nader az Simin (Asghar Farhadi)

Increíblemente fotografiada, impresionantemente actuada, esta película es una maravilla por donde se la mira, y A Separation con mucha justicia se ha llevado el premio de muchos críticos y asociaciones de premios como la mejor película del año, porque seguramente para ellos en sus industrias, esa afirmación es correcta. La historia de gente normal llevada a hacer cosas que no quieren debido a la presión de las circunstancias lleva a vericuetos sorprendentes, con juicios y misterios sin resolver que nos dejan dudando a cada segundo que pasa. Esta es sin duda la mejor película del 2011.

1. Efectos Especiales (Bernardo Quesney)

Pero nunca dije que fuera mi favorita del 2011, porque esta sí lo es. Creo que estamos entrando en una nueva era para el cine chileno, estamos ganando más premios que nunca y las películas están más interesantes, y lo que lo demuestra es el hecho de tener una película chilena en el primer puesto de mi lista de lo mejor del 2011. Una comedia sobre hacer una película que no es buena, así puede resumirse la genialidad de Quesney, una improvisación tras otra, una filmación fallida tras otra, un intento de camera ininterrumpida, una edición y unos chistes que te ponen en la piel de una filmación que no está yendo tan bien como se esperaba, y todo por culpa del imbécil de Bernardo Quesney (el personaje), que no puede dejar de cometer las mismas estupideces en las que caen todos los cineastas chilenos. Y en ese sentido esta película sirve como documento recriminatorio y un llamado a detenerse y no cometer los errores de este joven Quesney, a crear un cine nuevo, fresco, liberado de todos los clichés. Ese plano secuencia final es uno de los mejores en mi memoria reciente y creo que debe ser vista cuando tenga la oportunidad... yo la pude ver porque la vi online cuando el director la liberó por una noche y me pilló sin sueño. No me arrepiento.

Ahora, no tengo otra película que recomendar, así como "también recomendadas", lo único que me molesta es no haber podido ver "The Girl with the Dragon Tattoo" (2011) de Fincher antes, porque hubiera entrado en el top 20.

Y, como siempre, un premio a la ineptitud, la peor película del 2011 fue "Transformers: Dark of the Moon" (2011). Un desastre, así de simple, la peor película que uno puede imaginar, sin imaginación y sólo un montón de efectos especiales chocando los unos con los otros, sin nada de emoción y sin nada de inteligencia.

Y así, esperamos el 2012. Ojo, que vienen mis películas más esperadas del 2012 y en marzo... los Frank Awards 2011!

Cine Chileno del 2012 #1: Bombal (2012)

2012-01-24T00:01:00.000-08:00

(Chile 2012 81m) Bf Huérfanos

p Macarena Cardone, Macarena Concha, Matías Cardone, Karen Meyer d Marcelo Ferrari g Paula del Fierro, Ana María del Río f Sergio Armstrong ed Fernando Valenzuela Quinteros m Ángela Acuña

a Blanca Lewin, Marcelo Alonso, María José Prieto, Alejandro Goic, Montserrat Prat, Delfina Guzmán, Ximena Rivas

La primera película chilena estrenada durante el 2012 me da lugar a poder iniciar mi experimento fílmico/social. Después de todo, soy un bloguero sobre cine, y generalmente paso hablando sobre películas de otros países y muy pocas (contadas con los dedos de una mano) hablo de los estrenos o clásicos del cine chileno, así que me he prometido ver todas las películas chilenas (o con participación mayoritaria chilena) que se estrenen durante el 2012. ¿Repetiré esto el 2013? Pues seguro, creo que es mi deber como bloguero chileno el de poner en el centro el cine nacional, sobre todo cuando es muy posible que empiece a trabajar en ese rubro. Así que la cosa es la siguiente, yo escribo y critico sobre toda película chilena lanzada comercialmente al público en cines. ¿Bien, no? Ahora, los dejo con mi crítica de "Bombal" (2012).
La estrella de la película no es, como han dicho muchos otros, la correcta y a veces espectacular actuación de Blanca Lewin como María Luisa Bombal, sino que es el espíritu, la imagen y el pensamiento de la verdadera Bombal, la reverenciada escritoria chilena, la que sale a lucir y queda mejor parada que nunca en este filme lleno de la pasión y la fuerza que colmaba la literatura de esta casi premio Nóbel de Literatura (se dice que no lo ganó porque escribió muy poco), llena de la femeneidad pura que pocas personas se sentían inspirados a retratar en la época durante la que vivió. Si la película hubiera mantenido durante toda su extensión esa fuerza que se asoma a veces en ciertos planos, expresiones y acciones que realiza Blanca Lewin como Bombal, hubiera sido una obra a recomendar completamente y documento a enseñar en las escuelas que dieran a leer alguna de las obras de esta literata (a mi me hicieron leer 'La Última Niebla'), pero ahora sólo nos quedamos con una película correcta, en cuyos momentos de mayor poesía se puede vislumbrar una mejor cinta, algo que pudo haber sido.
La película parte con la espalda de María Luisa Bombal, algo de lo cual veremos mucho durante su extensión, tomando, quizás, una nota del cine hiperrealista de los hermanos Dardenne. Se está preparando para dispararle a Eulogio, su amante, el cual la ha dejado por encontrarse prometido con otra mujer. Durante la película, llegaremos a conocer profundamente a la mujer que cometió este acto tan pasional y lleno de rabia (y por qué negarlo, de amor también), así como las etapas que la llevaron a hacerlo. La vemos pasar de una mujer melancólica, pero con ciertos momentos de felicidad, a una mujer depresiva y completamente amarga, lo cual se refleja en su literatura, que empieza con personajes ilusionados que al pasar el tiempo comienzan a perder la esperanza en todo el mundo que les rodea.
Blanca Lewin, como pueden suponer, es la gran actriz de la película, tornando una performance exigente, un plato completamente digerible, pese a la fortaleza y dureza de la personalidad de Bombal. El resto del casting es correcto, y aunque algunos pecan de sobreactuación, se logran minimizar las fallas con la enorme presencia de Lewin en pantalla, que no los hace ver mal, sino que más bien los ayuda, poniéndose, de alguna manera, a equilibrar o guiar la actuación de su contraparte. Sobre la fotografía de Armstrong, poco que decir salvo que es impresionantemente correcta, tanto en cuanto al claroscuro de los interiores, como en el constante uso del desenfoque y los primeros planos (los cuales le dan la mayor cantidad del tiempo la característica de película poema, pero que claramente son una forma novedosa y bonita de ocultar las fallas de ambientación de época que puede dar una película de un presupuesto considerado "bajo").
La dirección de arte y el diseño de vestuarios es para aplaudir, sin duda de lo mejor de la película. Las fallas que se presentan por la falta de ritmo, se deben a una edición que puede tornarse un tanto repetitiva, pero que al menos no le quitan fuerza a los planos que vemos en la película. El guión pudo haber sido un poco más trabajado, a fin de que no quedaran tan obvias las vueltas o referencias a los sucesos pasados (que son bastante originales e impresionantes cuando ocurren, pero acá se notan forzadas), pero de todas maneras logra capturar la esencia de la literatura de María Luisa Bombal. Para ser la primera película chilena del año, un esfuerzo encomiable y muy aplaudible.
*** Puse en cursiva a las personas del audiovisual que he conocido en mi corta carrera/vida universitaria. Ojalá alguna vez pueda tener varios más nombres en cursiva.

7/10

Hoy cumplo 22 Años.

2012-01-23T00:01:00.000-08:00

PAAAAAAAAAAAR DE PATOSSSSSSSSSSSSSSS.

Jaja.

Salpicado de Sangre

2012-01-21T00:01:00.000-08:00

por Jaime Grijalba.
"De verdad no puedo faltar a esto" me dije cuando revisé una vez más la programación de la Quinta Maratón de Cine Madhouse, sobre todo cuando aseguran que "The Legend of the 7 Golden Vampires" (1974) será mostrada, y pese a ser lo más lejano a una película favorita mía, sí es una película tremendamente entretenida y una que es necesario ver para poder creer cómo los vampiros se mezclan con el kung fu en una locación hongkonesa. Al diablo con mis amigos, no los iba a esperar, necesitaba ver eso en persona, aunque me sentara solo en un rincón. Ya habían pasado algunos minutos desde las 3 de la tarde, pero podría tomar una micro cerca de mi casa que me dejara, aunque sea cerca del bar donde todo iba a transcurrir. Tomo mi billetera, mis llaves y mi celular, me despido de mis padres y salgo de mi casa.
Misterio me había llamado minutos antes de que tomara la decisión, me había dicho que recién se estaba despertando, y que con Papi iban a juntarse para ir a la Maratón. Había decidido esperarlos, pero la sensación de estar perdiéndome algo hizo que me arrepintiera y en ese momento estuviera caminando en dirección al paradero de micro que queda a la vuelta de mi casa. El día está soleado y caluroso, lo cual me da esperanzas de la frescura de un interior donde se pasan películas y se pasa bien, así que no me preocupé demasiado. Llegar al paradero de micro era fácil, pero la dirección del bar donde el evento se estaba realizando (en Irarrázaval 1060) se encontraba en la oscuridad para mi mente... no confiar en los mapas es algo que me ha enseñado el tiempo en el que me he movilizado por mi cuenta en Santiago. Esperando la micro, a mi lado llega un rostro conocido y que no veía desde hace algunos meses: Carol Araya.
Nos conocemos de teatro y hace poco había actuado en un pequeño ejercicio para un ramo, justamente en mi casa, y me dijo apenas me vio que se estaba acordando que yo vivía por ahí. Nos saludamos y cuando íbamos a decir que estábamos haciendo por ahí, llegó la micro D03, me acerqué al paradero y me dijo que ella no tomaba la micro, así que se despidió de mí y yo me subí a la micro. No es que pensara que ella fuera a una maratón de cine violento y sangriento, pero en el fondo tal vez había una pequeña luz de esperanza: habría sido genial. Pero ya arriba de la micro poco queda que hacer, salvo estar tremendamente atento a las calles que se suceden, los giros y las vueltas.
Pero no pasan más de tres minutos para darme cuenta que ya tengo que bajarme. La calle que había dicho el mapa estaba frente a mí, pero yo dudaba. Mi vista ha ido empeorando con el tiempo y me encontraba a unos buenos veinte metros del cartel de la calle, por lo que tuve que forzar la vista mucho para poder vislumbrar una palabra que empezaba con "S" y se extendía por poco por el cartel, así que me bajé de un salto de la micro. Fue en ese momento en que me di cuenta de tres cosas: primero, hacía mucho calor, demasiado, estaba completamente empapado de sudor. Segundo, no había pagado la micro al subirme, me dio un poco de vergüenza, pues odio a los que saltan el pago del TranSantiago. Tercero, fácilmente podría haber caminado hasta este punto, pero me justifiqué personalmente diciendo que estaba "atrasado" y quería llegar lo más pronto posible. Sacudí mis hombros brevemente, la micro partió al lado mío y yo empecé a caminar, mirando los números de las tiendas completamente cerradas.
Hay algo poético en el caminar durante la hora de más calor del verano un día sábado por una calle que usualmente está siempre llena de gente comprando o simplemente paseando. Aparte de eso, estaba caminando en la vereda incorrecta, porque sólo habían números impares, y ya había cruzado la calle al otro lado, y al final de esa vereda no había otro cruce. Tampoco pasaban muchos autos, así que simplemente caminé al otro lado de la calle y empecé a buscar el número 1600. No lo vi, pero sí vi el único lugar abierto en muchas cuadras a la redonda, una puerta que daba a una escalera que subía a una oscura penumbra y sonidos de gritos y espadas: este era el lugar... pero no veía a nadie entrar o salir del lugar, y eso me dió mucho miedo.
Sabía que estaban dando las películas, las escuchaba afuera del local, pero no entré de inmediato. De hecho, esperé veinte minutos antes de entrar al bar. Lo que pasa es que yo me siento un ser que, de alguna manera, es puntual, pero eso no me ha causado muchas alegrías siempre, sobre todo cuando se ve lo que pasa en las reuniones sociales o cuando dices que te debes juntar en un lugar... sabemos que el chileno no es una persona puntual, así que muchas veces me he quedado solo, esperando, en un lugar vacío o con muy poca gente que no conozco. Ese miedo me tuvo afuera por mucho tiempo, esperando que alguien pasara, o con la vaga ilusión de que mis amigos aparecieran. Sin embargo, el ver que entraran dos parejas (hombre y mujer) al local, me dió las fuerzas necesarias para subir.
Se escuchaban golpes y gritos mientras subía las escaleras. Me detuve a la mitad porque arriba de todo la pareja que entró antes que yo estaba hablando con alguien y no me permitían subir. Esperé un par de minutos y ellos finalmente avanzaron. Cuando llegué al final de la escalera, me recibió un hombre corpulento pero no mucho más alto que yo, que usaba una polera negra manga corta. Me tomó la mano y me saludó, me dio la bienvenida y me pasó un ticket, dijo que era para un sorteo que se iba a hacer al final del evento, una caja de cerveza Rock, uno de los auspiciadores del evento. Le di las gracias y me giré para ver el lugar en el que estaba.
Era un bar, pero como después de una hecatombe zombie. Las sillas y las mesas estaban repartidas desordenadamente y la mayor parte de ellas estaban amontonadas contra la pared contraria a la cual se estaba proyectando la película. No había más de diez personas y las ventanas estaban completamente tapadas con carteles y cartones que mostraban los auspiciadores. Junto a la escalera de entrada había una pequeña vitrina con DVDs y Blurays a la venta de parte de los organizadores. La barra era preciosa, completamente de madera y con un diverso número de bebidas dispuestas para servir. Y junto a la barra, un pequeño puesto de Cerveza Rock. El ambiente se llenaba con el audio de la película que se estaba proyectando y las quedas risas de los asistentes, que no eran más de diez en esta parte. Decidido, me senté solo en una silla que se encontraba junto al proyector y al lado de la escalera que bajaba al "sótano" del bar, donde se estaba dando otra película, y a veces el sonido se mezclaba, pero pese a todo pude disfrutar de más de la mitad de "The Legend of the 7 Golden Vampires" (1974).

Unos minutos antes que terminara la película, se me acercó el mismo hombre que antes y me pidió la mitad de mi boleto, pues me lo había pasado entero y no tendría un respaldo para la hora del sorteo. Le paso la mitad del boleto y sigo mirando la película.
Cuando la película termina, me levanto. Los organizadores salen al frente y anuncian que van a dar un cortometraje. Sé que en el subterráneo van a dar "Repo Man" (1984) dentro de pocos momentos, pero también supongo que mis amigos están por llegar. Los llamo por teléfono mientras anuncian el título del cortometraje que van a dar. Misterio y Papi están en camino, ya están por llegar, y me piden que les guarde un puesto donde sea que vayamos a estar. Corto y bajo las escaleras a la oscuridad, me agarro de los barrotes hasta que noto el reflejo de una luz verde que ilumina el sótano, un lugar donde hay varias mesas vacías y sillas, así como pocas personas mirando lo que se está proyectando en la pantalla: un hombre vestido de doctor y una mujer completamente desnuda cubierta de sangre. Camino lentamente y me siento en una silla a la oscuridad y veo que la mujer desnuda y cubierta de sangre está haciéndole un fellatio al científico.

"Re-Penetrator" (2004), de cuya existencia me había olvidado en la programación, era el cortometraje que estaban dando y yo lo estaba viendo. Era porno y poco más, la vi mientras revisaba facebook y twitter en mi celular. Ver porno en grupo, como dije en twitter, debe ser algo catártico para algunas personas, pero para mí resultaba tremendamente incómodo, pensar en las cosas que pasaban en la mente de las cinco personas que estaban conmigo en el subterráneo, entre las cuales se contaba una mujer, que miraba constantemente al suelo mientras la película seguía su monótona, aunque evidentemente original, rutina.
Terminó el cortometraje y encendieron las luces. Los cabros de "Cinema Cuneta", un sitio web con pocas aspiraciones, pero muchas ganas de hablar de cine, dieron las gracias por venir y dieron las gracias a "Horror Fucktory" por el cortometraje que mostraron. Anunciaron que iban a dar "Repo Man" (1984), la película que yo más esperaba, y mis amigos aún no venían. Rápidamente los llamé y me dijeron que estaban a punto de tomar la micro que los llevaría acá. Me paré de mi silla, a riesgo de poder perder la mesa, y subí las escaleras nuevamente, no sin antes escuchar a mis espaldas el sonido del inicio de la película. Arriba habían unas veinte personas mirando otra película, una de zombies por lo que escuché, y bajé las escaleras que me llevaban al calor de la calle.
Estaba aún más caluroso que antes, si es que eso era posible. El ambiente se sentía más "lleno", de alguna manera. Más personas esperaban en el paradero de micros que estaba junto al bar y harta gente que yo había visto tanto en el salón principal como en el subterráneo, fumando un cigarro o simplemente estirando las piernas. Yo estaba atento a la mayor cantidad de micros que pasaban, pues estaba seguro que llegarían en cosa de pocos minutos. En un momento, después de unos cinco minutos, decido mirar en la dirección contraria y por la vereda donde yo me encontraba, a unos cuantos metros caminaban en mi dirección Misterio y Papi, mis dos amigos, que venían a educarse y a entretenerse. Los abracé y saludé con mucha fuerza, pese a que ya los había visto el día de ayer (y el mismo día en la mañana), pero nunca hace falta demostrar un poco de cariño a las personas a las cuales le tienes afecto.
Papi me anunció que tenía tiempo para ver una sola película y me dijo que viéramos una buena. Yo me sonreí y les dije que me siguieran, que les tenía una mesa esperando. Subimos las escaleras de entrada y ellos dos fueron interceptados por el mismo hombre que me interceptó a mí cuando entré. Les entregó los boletos para el sorteo (ahora bien cortados) y luego bajamos las escaleras que nos llevaron al sótano. Nos sentamos en una silla que quedaba cerca de la pared donde se estaba proyectando la película y nos pusimos a verla y comentarla. Creo que no había pasado un mejor tiempo viendo una película que con esa en mucho tiempo. Ellos pidieron cervezas y conversábamos mientras la película iba por sus derroteros. "Repo Man" (1984) fue mi favorita de ese día.

La película terminó y encendieron las luces. Los chicos de Cinema Cuneta pasaron adelante diciendo que iban a hacer un concurso y que el premio iba a hacer un shop de cerveza Rock... algo de lo cual no iba a ser muy fanático. La pregunta iba a ser sobre cine, y aunque no estaba muy entusiasmado por el premio, presté atención. La pregunta fue cómo se llamaba el demonio que poseía a Regan en "The Exorcist" (1973), primero miré atrás mío y al ver que nadie decía nada, yo la levanté y me apuntaron. Dije "Pazuzu" y todos me aplaudieron, me reí un poco cuando me hicieron pasar adelante y tuve que mirar a una cámara y saludar y decir "Pazuzu" nuevamente, me gané un shop y todo, tenía que ir a buscarlo arriba, justo cuando iban a poner la siguiente película, presentada por Horror Fucktory, y esta era "La bimba di Satana" (1982), sobre una muerta no tan muerta y su influencia sexual sobre los vivos. Le pedí a Misterio que me acompañara arriba y dejamos a Papi sentado guardando el puesto, pues de todas formas tenía que irse pronto.

Subí las escaleras conversando con Misterio, contándole cómo siempre me acuerdo de Pazuzu por la serie Futurama y cómo llamaba el Doctor Farnsworth a su gárgola, de hecho me puse a imitar al doctor. Misterio sólo sonreía. Me acerqué al stand de cerveza Rock y el tipo de Cinema Cuneta se me acercó y le dijo a la tipa que estaba a cargo que me había ganado un shop. Me preguntó por el sabor de la cerveza, yo simplemente me dirigí a Misterio, que fue quien eligió, y así nos sirvieron un vaso plástico con una cerveza negra y de olor penetrante. Bajamos la escalera para encontrarnos con el final de una escena lésbica, algo que se iría a repetir en esta versión Hardcore de una cinta italiana de terror con muertos, sangre y muchos fellatio.

En un momento de la película, el proyector dejó de funcionar, y Papi aprovechó esto para irse del lugar, después de abrazarnos fuertemente y despedirnos. Misterio y yo nos quedamos viendo la película, de la cual nos burlábamos por sus constantes escenas de sexo, así como su estruendosa música. En el intertanto, esperaba a que llegara otro amigo, Don Pato Gajardo, un compañero de la Universidad que tiene más edad que yo pero que va en un año anterior al mío, cosas de la vida supongo. Me había contactado con él vía Facebook a través de mi celular que tiene internet incorporado y con el cual había estado jugando durante toda la tarde mientras veía la película.
Terminó la película e hicieron otro concurso, del cual yo me abstuve porque pensé que sería injusto seguir ganando cosas que no voy a estar tomando y que puede disfrutar otra persona con más ganas de tomar cerveza que yo. De todos modos me sabía la respuesta, pero no la dije. En eso mostraron un horrible cortometraje español de un doctor que terminaba matando gente... no me acuerdo ni del título de lo malo que era. Lo que pasó es que luego pusieron "Fear(s) of the Dark" (2007), una película francesa de animación que trata sobre los distintos miedos que existen, a través de diversos cortos de diversos directores, en su mayoría primerizos en este mundo de la animación, al menos al parecer. Mientras la película llevaba veinte minutos, llegó Pato Gajardo, al cual presenté a Misterio (y viceversa) y seguimos viendo la película, la cual como todo compilado, tuvo altos y bajos en toda su extensión.

Apenas terminó la película, vino Cinema Cuneta e hizo otro concurso y avisaron que iban a grabar a la gente para su sitio y su nueva edición, y a los primeros que interrogaron fueron a nosotros: Misterio, Pato y yo. Respondimos con lo que se nos ocurrió y salimos rápido del trámite, una versión bastante disminuida de la entrevista la pueden ver en el mismo video que puse arriba. Lo que pusieron después no tenía nombre, era otro corto español de efectos y filmaciones horribles, pero sin ningún encanto. Nos dedicamos a conversar y esperar lo que nos habían anunciado: un show especial y de alguna manera... provocador. Ya habíamos visto a una chica inusualmente flaca y con un traje de escolar... y nos quedamos claros con la calaña de show que iban a presentar.
Una serie de imágenes religiosas llenaron la pantalla, una música sacrosanta empezó a sonar y un hombre vestido de cura (de manera muy floja) entró al escenario y empezó a rezar (el escenario siendo el suelo frente a nuestra mesa en el subterráneo, así que estábamos en una posición privilegiada para disfrutar de lo que fuera que viniera). Y muy cerca de nosotros entró la niña que antes habíamos visto: rubia y con coletas, vestida de manera muy sexy como colegiala e inusualmente flaca (como repitió muchas veces Misterio). Obviamente ella sedujo al cura (jaja, una colegiala seduciendo a un cura, ahora lo entiendo qué original... no). Y así ella fácilmente despojó a este hombre de su vestimenta superior, dejándolo expuesto a su boca y sus manos, mientras ella se sacaba sus prendas quedando sólo en una ropa interior negra de un material plástico, lo cual la hacía parecer una dominatrix. Así es como ella sacó un cuchillo y con él le hizo un "corte" al hombre en el cuello, saltando sangre falsa por el suelo y todo su cuerpo. La gente gritaba y ahora sonaba un pesado rock&roll con tintes góticos y de growl. Ella empezó a dominar al hombre, saltando más y más sangre, acercándose más y más a nuestra mesa.
Pese a que Pato después dijera que era el show más penca dada las posibilidades... la sangre falsa en mi brazo con la última salpicadura fue todo lo que necesité para llamar a ese día un excelente día.

PS - 6 - King's Field - From Software - 1994

2012-01-06T00:01:00.000-08:00

Descontrol II, por Jaime Grijalba.
Con mucho ánimo empecé a jugar la versión que había conseguido de este videojuego. Grande fue mi sorpresa al darme cuenta que durante todo ese tiempo estuve jugando el "King's Field II", que fue llamado "King's Field" en Estados Unidos debido a que el primero nunca fue lanzado originalmente, como ocurrió con algunos Final Fantasy (y que yo siempre he conocido con sus nombres originales). Por eso me dió mucha rabia tener que volver atrás y tener que conseguirme otro juego otra vez y así poder escribir esto brevemente.
Pero antes me preparaba para dar un reporte negativo, de cómo el juego parecía insistir en ser enormemente difícil y evitar que yo pudiera matara algún enemigo, principalmente por culpa de un control tremendamente fijo y una oscuridad en cuanto a si estábamos o no derrotando a los enemigos (finalmente sólo pude derrotar a uno de los enemigos, y me llevó unos diez minutos hacerlo). Pero la mayor parte de las veces moría y tenía que volver a empezar todo de nuevo. Ahora que juego el original, les cuento que ahora sé por qué.
Este juego es uno clásico, y de alguna manera parecido al que ya vimos en otra edición de estos olvidados juegos de PlayStation, "Crime Crackers", un RPG con elementos de Doom. Pero en este caso es más cercano a un RPG que el juego anteriormente reseñado. Estamos en una dungeon y hay que caminar por recodos y laberínticos pasillos peleando al máximo de nuestras fuerzas contra monstruos mitológicos, mientras nuestros únicos acompañantes son cadáveres que hay ahí por el suelo y caballeros en armadura llenos de miedo. A continuación un walkthrough:

Pero luego de que me matara dos veces el mismo monstruo me doy cuenta que los controles siguen siendo demasiado lentos y poco responsivos como para poderlo jugar por diversión y agrado. Sin embargo, entretiene mientras dura. Se pueden entretener un rato ver a alguien más jugar, como arriba.

Las Mejores Películas del 2011 - Chilean Edition

2012-01-05T05:11:00.000-08:00

Vaya, es la primera vez que voy a hacer esto. Es un top 10 de lo mejor que fue estrenado durante el 2011 en las salas chilenas, comercialmente (no cuentan estrenos online ni muestras de festivales). Lo hago en el primer jueves del 2012, primer día de nuevos estrenos para el año 2012. Aquí, con esta lista les demuestro lo estúpido que es realizar listas de esta clase, pues resultan casi idénticas a las listas de lo mejor del 2010 (generalmente lo mejor del 2011 se estrena por estas fechas).
Los dejo con las 10 Mejores de las estrenadas durante el 2011 en Chile, con un breve comentario, que puede ser sacado de alguna crítica previa o simplemente desde mi propia mente. No tomen esto como mi mirada oficial sobre el 2011, porque hay cosas más interesantes que vienen en mi lista que será publicada, tentativamente, el 25 de enero. Por mientras, esto.

10. The Adjustment Bureau (2011, George Nolfi)

"La historia se potencia mientras más sabemos acerca de estos controladores del destino de la gente, estos tipos de sombrero y traje se mueven en la ciudad usando puertas que pueden abrir y que los transporta a otro lado de la ciudad si llevan puesto su sombrero distintivo. Los últimos minutos de este filme son infartantes, con toda la velocidad y los lugares que llegamos a ver de Nueva York, lo que hace todo visualmente muy interesante. La verdad es que la película es inteligente y no hace uso de demasiada exposición, lo cual se agradece.
Vaya a verla al cine (si aún está) o búsquela en DVD, vale la pena."

9. Thor (2011, Kenneth Branagh, Joss Wheddon)

"La película, dirigida por Kenneth Branagh logra entretener gracias a las diversas dualidades contradictorias que se ponen en juego: Loki y Thor, el arcaico mundo de Asgard con el moderno de la Tierra, y el mismo Thor, como un pez fuera del agua al comienzo de su relación con los mortales, comparada con su arrogancia que lo llevó al exilio. Finalmente, la película se transforma en un viaje shakespereano de reconciliación con el padre y de enemistad entre hermanos. El director las cita a propósito, debido a su larga trayectoria como director de adaptaciones de las obras del escritor. Este estilo se combina de manera perfecta con el humor y la acción propias de las películas Marvel, lo que da como resultado una película doblemente interesante."

8. Rango (2011, Gore Verbinski)

Sin duda la mejor película de animación estrenada el 2011. La película juega con elementos que no son los clásicos de una película de animación, sobre todo pensando que el público principal es tremendamente infantil. La película es un pastiche de westerns y acídicas influencias, todas las cuales se bañan y se complementan con la interpretación vocal de Johnny Depp, quien realiza un tremendo trabajo. Lo impresionante de esta película es el acercamiento que se le dió a las interpretaciones de los actores vocales, siendo más que una captura de movimiento, una captura de emociones, todo de la mano del capaz director Verbinski, que sabe como sacar las emociones correctas de algo que nunca lograremos ver.

7. Contagion (2011, Steven Soderbergh)

Uno de los mejores dramas médicos de la historia del cine, una pieza coral que se extiende por la tierra y por lenguas, sin ser pesado como las de Iñarritu y sin necesidad de confluir en un mismo punto, sino mas bien que rodean un mismo tema y un mismo acontecimiento, como la obra maestra que es "Magnolia" (1999). Las actuaciones y los efectos especiales, así como la fotografía son de un nivel superior acá, como puede esperarse de cualquier cinta de Soderbergh a estas alturas de su ya menguante carrera.

6. Scream 4 (2011, Wes Craven)

La gente no me cree cuando le digo que quedé realmente sorprendido con la úñtima película de la saga Scream, dirigida por el maestro del horror meta, Wes Craven. Tiene cinco inicios falsos, dos finales, cosas que pueden sonar muy literales, pero que son esperables en una saga que finalmente alcanzó su meta y llegó a lo máximo de la metalengua que podía llegar. Actuaciones correctas, fotografía correcta, edición correcta, guión estupendo.

5. 127 Hours (2010, Danny Boyle)

"Entonces, en resumen, contamos con una película que durante la mayor parte de su extensión vemos a un hombre atrapado consigo mismo. Con una cámara de mano, graba mensajes para su familia, mientras lo vemos recurrir a diversas técnicas para poder sobrevivir unas horas más, tomando su propia orina, muriéndose de hambre, quejándose y, lo más interesante de todo, alucinaciones causada por el deprivamiento de estímulos auditivos/visuales (los cuales resultan exacerbados cuando son reales) y la falta de alimentos y bebida."

4. Biutiful (2010, Alejandro González Iñárritu)
"Tuve el enorme placer de ver esta película en el Festival de Cine de Vitacura y debo estar tremendamente agradecido por que pude ponerla en esta lista en el lugar que se merece. Esta película es sencillamente brillante y a la vez una variación de las historias usuales de este director mejicano, esta vez centrándose en un solo personaje interpretado magistralmente por Javier Bardem, pero de quien podemos ver diversas facetas como si fueran diferentes historias, las cuales no se cruzan pero sí se centran al ser diversas caras de una misma persona. Se nota que este director es fanático de la cultura asiática, como lo ha demostrado anteriormente con "Babel" (2006), la cual no fue de mi total agrado, pero que igualmente aplaudo por la historia de la japonesita sordo-muda. Vuelvo a la película, simplemente hay que verla para verse atado en una historia de miseria y nihilismo sin par en el cine contemporáneo."

3. Copie Conforme (2010, Abbas Kiarostami)
"¿Cuál es la verdadera diferencia entre un original y una copia? ¿Lo que vemos en la pantalla es algo real o algo falso? Reflexiones que vienen a la cabeza cuando uno ve esta tremenda película de director iraní, protagonista francesa y co-protagonista inglés. Inmejorablemente actuada, la relación entre esta "guía" y el autor de un libro pasa por caminos sinuosos de lo que significa la vida en pareja, el amor, el idioma, el arte y el sentido de la responsabilidad. ¿Qué es lo que se esconde tras todas esas sonrisas y peleas? ¿Se esconde algo realmente? La película no da una respuesta clara y hay que agradecer el hecho que la duda se mantenga, pues se transforma así en la mejor película de misterio del año que no tiene un detective como personaje."

2. Nostalgia de la luz (2010, Patricio Guzmán)
"Pero sobre la película, puedo decir muchas cosas, creo que es un tremendo mensaje a favor de la memoria, políticamente hablando, así como de ser tremendamente informativa sobre los movimientos que buscan la verdad en este momento. Sin duda se trata de una película mística que trata de combinar lo que es la búsqueda del origen del ser humano en el espacio a través de telescopios con la búsqueda de los cuerpos de detenidos desaparecidos al lado de estos telescopios enormes en el desierto de Atacama, como dice una de las mujeres que buscan el cadáver de su hijo, los telescopios deberían barrer el suelo en vez de mirar hacia arriba, para luego darle las gracias a las estrellas. Es clara que las búsquedas de esta "verdad" se encuentran en el pasado, pero ambas son diferentes en su nivel de publicación. ¿Cuántos saben realmente sobre estas mujeres que pasan los días excavando en el desierto, buscando huesos de sus desaparecidos? Compárenlo con el número de personas que sabe que hay telescopios que buscan estrellas en el norte. Esta película es una obra de arte de carácter superior."

1. Black Swan (2010, Darren Aronofsky)
"Esta película me envolvió como una pitón a su presa, me tenía al borde del asiento, al borde de la misma histeria que aquejaba a Nina, al borde de las lágrimas y de querer gritar y gritar en medio del cine. Para este tipo de películas me he mantenido con la esperanza abierta. Esto es cine."

Esperen mi lista definitiva del 2011.

2012: Año de Todo

2012-01-01T20:16:00.000-08:00

¿Se han dado cuenta que el 2012 va a pasar de todo?
Supuestamente se va a acabar el mundo, o al menos vamos a tener un "cambio de conciencia".
Yo voy a terminar la universidad, pero quedan trabajos muy difíciles por delante y los veo con el miedo y la fuerza que me llenan a cada día que pasa.ç
Sobre el 2011 tendría muchas cosas que decir. Todavía siento que no he dicho lo suficiente sobre todo lo que me ha pasado: penas, alegrías, amores... no creo arrepentirme de nada de lo que hice... y creo que eso no le queda claro a mucha gente que conocí y me conoció este año:
NO ME ARREPIENTO NI ME ARREPENTIRÉ DE NADA DE LO QUE HE HECHO.
Ahora, les deseo a todos que hayan tenido una gran navidad y un estupendo año nuevo y que se preparen porque esperemos poder llevar este blog por la buena senda.

Kiseki (2011)

2011-12-29T00:01:00.000-08:00

Esta es la crítica a una de las películas más esperadas del 2011, de acuerdo a la lista que hice a inicios de este año.

Milagros Forzados, por Jaime Grijalba.
Hirozaku Koreeda es la única razón por la cual I Wish no se hunde como un cadáver al fondo del mar. Esta película debe ser la peor introducción a uno de los directores japoneses más interesantes del último tiempo y que aún se dedica a hacer cine clásico, pero a la vez lleno de experimentos y razones interesantes para contar historias (muchas veces cercano al documental como en "After Life" (1998), pero aquí decide irse por el retrato del mundo infantil (algo de lo cual ya se ha hecho cargo en muchas de sus obras, pero especialmente en "Nobody Knows" (2004) ), pero aquí con intenciones más cercanas a la ganancia económica (de ahí lo mainstream que se siente todo) que a la altura artística, que puede encontrarse tan solo en momentos separados y tan imperceptibles que se siente más como un intento que quedó a medias.
La historia trata sobre una familia que ha sido separada, pero lo vemos desde la perspectiva de los dos hijos de esa pareja que ha sido separada por motivos que podemos suponer (adicción al juego del padre, descuido) pero nunca se explicitan. Estos dos hermanos viven ahora separados por ciudades que quedan kilómetros lejos la una de la otra, uno vive en Osaka con su padre, un músico indie, y el otro vive junto a un volcán que llena de ceniza su casa todas las mañanas, junto a su madre. El que vive con su madre quiere que vuelvan a vivir juntos, sin importar qué es lo que pase, llegando a desear que el volcán entre en erupción cosa que tengan que escapar y volver a Osaka. Sin embargo, su hermano parece no estar tan interesado en eso, pues está teniendo nuevos amigos que son muy geniales, entre ellos la hija de una actriz.
Sin embargo, todo esto se revela y da un vuelco cuando se anuncia que el tren bala va a unir a los dos pueblos donde viven, pero no están interesados especialmente en verse, sino en la magia misma que exhude el evento. Se supone que la primera vez que los trenes bala viajen y se crucen (uno de ida y otro de vuelta) habrá tanta energía que se cumplirán todos los deseos que se digan justo en ese momento (si gritas lo suficiente y te paras en el lugar adecuado). Obviamente los niños deciden ir y cada uno pedir su deseo.
El problema es que conocer los problemas y cosas personales que les ocurre a estos (en su mayoría) simpáticos niños, nos hace pensar directamente qué es lo que va a pasar con ellos, es decir, todo se torna un tanto predecible. Una amiga del hermano que vive en Osaka quiere dibujar bien sin necesidad de esforzarse, y suponemos que cuando pida su deseo, volverá y empezará a dibujar, y como empezará a dibujar, mejorará y empezará a dibujar bien. O la hija de la actriz, que quiere ser una actriz, pero sólo depende de lo que le diga a su madre, y cuando hace su deseo sabemos que volverá y le dirá a su madre que quiere ser actriz, aunque ella se niegue.
Pero luego conocemos el deseo de nuestro protagonista: que explote el volcán. Sabemos que eso no puede ser posible en un drama japonés de bajo presupuesto, así que sabemos de antemano que el deseo de nuestro personaje principal NO se va a cumplir, por lo que le da a toda la misión de estos personajes un carácter derrotista. Es obvio que él quiere tener a su familia junta de nuevo, y le gusta mucho volver a ver a su hermano, pero creo que la película hubiera sido mucho más emocional y más enganchante si de verdad le gustara y hubiera una espera por ver al hermano después de seis meses de separación. Sin embargo, nos entretenemos con la forma en que consiguen dinero, o en la forma en que los adorables niños formulan sus deseos (esta parte siendo la más similar al estilo de Koreeda, como si él mismo les preguntara a los niños, en forma documental, cuáles son sus deseos más profundos).
La cuestión es que el estilo de Koreeda se asoma apenas a veces en una historia que finalmente puede dictarse de "correcta" y "entretenida", pero que le falta toda la fuerza emocional y casi desgarradora a veces que tenía en películas, que también contaban con la participación de niños, como "Nobody Knows" (2004). Aquí tenemos, sin embargo, un trabajo actoral con los mismos que resulta notable y aunque no al nivel de la cinta anterior, sí a un nivel muy alto. Es difícil trabajar con niños, pero Koreeda ha podido hacer una excelente carrera de algo tan difícil como hacer naturales a niños que en su edad sólo quieren brillar y sobreactuar.
La recomiendo para aquellos que quieren ver algo simple y familiar. Pero sin embargo, no recomiendo todo lo que tuve que pasar yo (mucho tiempo esperando) para poder verla. Si la tiene a mano y un par de horas para quemar, puedo decir que puede que no se arrepienta.

7/10

Miércoles de Cuentos: "Critica de 'Los Cachorros' de Mario Vargas Llosa"

2011-12-28T07:01:00.000-08:00

Gracias a Sam Juliano he podido continuar mi serie de críticas a los libros de Vargas Llosa, ahora en su cuarta versión, les traigo la mini crítica de la mini novela del peruano ganador del premio Nóbel, la cual pueden leer acá.

Paranmanjang (2011)

2011-12-26T00:01:00.000-08:00

Esta es la crítica a una de las películas más esperadas del 2011, de acuerdo a la lista que hice a inicios de este año, entre las cuales se contaba este cortometraje en el segundo lugar de la lista.
Aifon Cuatro, por Jaime Grijalba.
Finalmente pude ver Night Fishing, como ha sido llamada desde su original título en coreano, pero no ha sido el visionado perfecto, debido a que la imposibilidad de conseguir esta película, la cual ya tuvo su lejano estreno en el festival de Berlín a inicios de febrero de este año, pero que aún no ha sido lanzada en DVD u online de ninguna manera realmente veible. Por esto, ha sido una suerte encontrar una versión de este cortometraje de poco más de media hora, disponible en un Festival online de cortometrajes Apple, pero sin subtítulos, pero ya lo había encontrado, así que una cosa tan mínima como subtítulos no iba a detenerme luego de una larga y desesperada búsqueda que se remonta desde enero hasta diciembre (en el día 24 de diciembre) donde es posible encontrarla, por suerte, haciendo una investigación sobre "Stoker" (2012), el primer largometraje internacional que realizará el director de este cortometraje: Park Chan-wook.
Sin embargo, Park Chan-wook no es el único director (ni escritor) de esta hermosa pieza cinematográfica, pues en esta ocasión es acompañado por su hermano y también cineasta (aunque más nóvel, siendo esta una de sus dos experiencias cinematográficas del 2011, las primeras que realiza) Park Chan-kyong, que promete mucho con lo mostrado durante este cortometraje, y sé a lo que me refiero con esto, porque es fácil distinguir dos partes dentro del todo de la narración, divididos en el espacio-tiempo, por lo que podemos distinguir un estilo propio del de Wook, frente a un estilo desconocido pero tremendamente atrayente, que supongo es de Kyong, así que tenemos un nuevo talento al cual mirar en el futuro.
Night Fishing ganó su fama inicial por dos razones, las cuales la hicieron en un principio algo que se debe ver antes que se estrenara, fue la presencia de Park (ahora, de los Park) en la silla de dirección, y la otra es que la película fue grabada completamente usando una cámara de iPhone (de ahí la razón porque la encontrara en un festival Apple), pero obviamente no fue usado el iPhone 4 sólo como implemento, obviamente hubo luces, vestuario y otras cosas (el corto terminó costando poco más de 100.000 dólares), y menos con la carcasa sola, obviamente se hizo un trípode especial, así como un adaptador de lentes de cine para darle una especie de profesionalismo que se nota, pero aún así dándole esa cualidad onírica que tienen los videos grabados de dispositivos móviles.
Pero, después de todo esto, queda decir que es un cortometraje extraño. Muy extraño, pero muy genial a su vez. El hecho de que no haya podido verlo con subtítulos tal vez me substrae de decir algo totalmente definitivo sobre la misma, quién sabe, puede terminar siendo una obra maestra y yo no lo sepa aún, o a lo mejor lo contrario (aunque lo dudo), pero trataré de decir lo que entiendo en cuanto a trama y a lo que se puede vislumbrar acerca de este increíble cortometraje. Bueno, la cuestión es que el cortometraje parte con una banda coreana que cuenta con variados y anacrónicos instrumentos, y qeu cantan una canción lenta pero decididamente épica, de la cual no sé absolutamente nada. Es en esta sección donde podemos ver las primeras ventajas de la visualidad del iPhone, porque tenemos tomas muy cercanas de las guitarras, los tambores, las manos y las caras de los músicos encargados de entretenernos y ponernos en "sintonía" con lo que vamos a ver.
Luego nos encontramos en un lago, donde llega un pescador con un rostro muy peculiar (los coreanos son muy parecidos a los chilenos), que pone una serie de cañas y carnada para atrapar un pez, todo esto en una atmósfera gris y fría que llena nuestros pulmones con cada segundo que pasa. Cuando vemos finalmente qué es lo que logra sacar del agua, nos damos cuenta que nos encontramos ante una cinta más afín con el terror asiático del más clásico que puedes encontrar: fantasmas. Pero un giro en la trama, el cual nos lleva a un lugar mucho más colorido e interesante, enraizado en las costumbres espirituales y religiosas de los coreanos, nos encontramos con que los papeles han cambiado, nos damos cuenta de que algo no está bien y que tenemos en nuestras manos algo... que no podemos comprender completamente por la falta de subtítulos.
Sin embargo, el cortometraje se sostiene dentro de su idioma coreano, impasable para algunos (la mayoría), pero que gana por visualidad y porque sugiere y narra con los elementos que nos muestra. Una de las mejores películas del año, por lejos.

9/10

Miércoles de Cuentos: "Critica de 'La Casa Verde' de Mario Vargas Llosa"

2011-12-14T05:32:00.001-08:00

No un cuento, sino una critica al libro de Llosa. Esta es la tercera en una serie que ha quedado interrumpida por mucho tiempo. La critica esta en ingles y la pueden leer aca.

Muchas gracias nuevamente a Sam Juliano por la oportunidad para poder escribir en el blog.

Los 76 de Woody Allen

2011-12-01T00:01:00.000-08:00

En honor al cumpleaños número 76 del director, escritor y actor Woody Allen, realizaré un Top 10 de las mejores películas en las cuales ha tenido algún tipo de relación. No habrá una explicación, pues espero hacer algo más extenso en el futuro. Repetiré este Top 10 cada Primero de Diciembre para conmemorar su cumpleaños, pues sin duda cambiará con el tiempo. A continuación los dejo con el top 10.

10. Manhattan (1979) - actor, director, escritor.

9. Another Woman (1988) - director, escritor.

8. Sleeper (1973) - actor, director, escritor, compositor.

7. Broadway Danny Rose (1984) - actor, director, escritor.

6. Husbands and Wives (1992) - director, escritor, acotr.

5. The Purple Rose of Cairo (1985) - director, escritor.

4. Love and Death (1975) - actor, director, escritor.

3. Deconstructing Harry (1997) - director, escritor, actor, cantante.

2. Interiors (1978) - director, escritor.

1. Crimes and Misdemeanors (1989) - director, escritor, actor.

Mi lista del año pasado: Los 75 de Woody Allen.

Ken Russell (1927 - 2011)

2011-11-28T04:06:00.001-08:00

Uno de los directores más controversiales, atrevidos y visualmente exquisitos ha muerto en su sueño a la edad de 84 años, tan solo días después de confirmarse que su obra maestra, "The Devils" (1971), sería lanzada oficialmente en DVD por la empresa que tiene los derechos, aunque aún así con cortes.
Pero esa era la historia de este director, nunca nadie supo cómo pudo hacer coincidir en el mismo año en que lanzó la depravada y magistral "The Devils" (1971), realizar una cinta para niños y jóvenes como era "The Boy Friend" (1971), pero así de ecléctica y extraña era la visión de este tremendo director de cine que hoy nos deja para unirse al panteón universal de los mejores y más memorables directores de cine de nuestra era posmoderna.
Con un alma de rockero, pudo saber apreciar tanto la música clásica como el rock moderno, así como el horror de la cotidianeidad, así como de la experimentación científica, pasando por la adaptación de Edgar Allan Poe que tuvo que realizar prácticamente solo cuando ningún estudio supo entender qué clase de película quería hacer, y así fue como terminó sus días: luchando por la restauración y publicación íntegra de "The Devils" (1971) y aunque no triunfó completamente, tenemos algo que tener para recordar a este gran tipo. Que descanse en paz.

Nos vemos.

2011-11-17T19:52:00.000-08:00

Cuando Fata Morgana quiera.

Noticias de "The Girl with the Dragon Tattoo" (2011) #5

2011-11-14T10:15:00.000-08:00

He vuelto con las noticias de las películas que más espero y que aún no han sido estrenadas. En este caso, tenemos la nueva película de David Fincher basada en la famosa trilogía Millenium, que ahora cuenta con un nuevo trailer para televisión que muestra un montón de imágenes nuevas, además de ser un poco más convencional que los trailers y teasers anteriores. Disfrute.

Melancholia (2011)

2011-11-06T00:01:00.000-07:00

Esta es una de las críticas a una de las 10 películas que más espero de este año 2011.

El Árbol de la Muerte, por Jaime Grijalba.
Hay algo en el rostro de Kirsten Dunst que nos llena de congoja durante toda la película y venimos a entender cuando ya nos queda poco tiempo en esta tierra qué es lo que significa. No lo voy a revelar, pero creo que uno presiente que hay algo extraño con el personaje que ella interpreta, y eso es aparte de el hecho de encontrarse triste en su propia boda, de enojarse con todo el mundo, de abandonar a su esposo a la primera oportunidad que tiene, tener sexo con alguien a quien recién conoce... Todo eso es muy extraño de parte de cualquiera que se vaya a casar, que se esté casando, o que se haya casado recién, claro, pero hay algo en los ojos de Dunst que hacen que esa actuación vaya más allá y cuando sabemos qué es lo que le pasa, asentimos, y eso lo hace ser de las mejores interpretaciones del 2011, y todo esto dentro del paquete conocido como "la mejor película que he visto del 2011 hasta ahora".
Ahora, atención, antes que nada, al nombre que le he puesto a esta pequeña crítica, "El Árbol de la Muerte", y esto hace explícita referencia a otra película de este año dirigida por Terrence Malick llamada "The Tree of Life" (2011), la cual no he criticado porque no esperaba con tantas ansias como muchos de los blogueros y críticos que conozco, y finalmente cuando la vi, me dejó poco impresionado, pues sentí que una película sobre cómo el origen de la vida humana y el universo conectado con la historia de una familia que se extiende desde los años 50 de Brad Pitt hasta el futuro científico de Sean Penn, me pareció muy interesante, pero la voz en off (aunque maravillosa y que expande la historia en "Badlands" (1973) ) aquí se siente cansadora, repetitiva y sobre-explicatoria para todos los eventos que transcurren ante nuestros ojos, nos guía como si fuéramos los suficientemente estúpidos como para no ver las metáforas. Lars von Trier nos deja solos en un campo de golf, a la merced de un planeta gigante que nos va a aplastar y no nos trata de reconfortar. La vida ya no es la importancia en esta obra de Von Trier, sino que la muerte es lo único que importa, y cómo puedes morir de la mejor manera o tal vez de la manera menos dolorosa posible.
La película se divide en tres momentos. Partimos con una introducción que resume los sentimientos y los hechos que vamos a presenciar a lo largo de la película: Kirsten Dunst en su traje de novia, Dunst con poderes especiales, Charlotte Gainsbourg corriendo con el hijo de Dunst en brazos, el universo expandiéndose, el planeta Melancholia que se acerca y finalmente destruye nuestro planeta Tierra, formando así uno de los minutos más bellos y quebrantadores de la historia del cine moderno. Luego seguimos con la siguiente parte, donde vemos la recepción de la boda del personaje de Dunst, a quien ya describimos como un personaje extraño, pero cuya extrañeza se explicará en la tercera y última parte, que se fija en la historia de la hermana de Dunst, Gainsbourgh, que tiene miedo del planeta Melancholia y cómo su trayectoria podría colisionar con la de la tierra, siendo aliviada a cada momento por su esposo, Kiefer Sutherland.
La cinta tiene una fotografía espectacular y actuaciones que bien pueden ser las mejores de sus carreras para Kiefer Sutherland y Kirsten Dunst. Creo que el guión tiene una construcción progresiva de la desesperación que se repite en tres ocasiones en cada una de las tres partes, siendo como si la película comenzara de nuevo y nos llevara a revisar el mismo problema de la depresión y la destrucción de distintas formas. Melancholia representa un estado de la mente de las personas que se encuentran varadas en un lugar y en una vida que ya no quieren tener, siendo la muerte la respuesta para ellas, la destrucción que no sólo se llevaría sus vidas, sino también la de todos los que la rodean, siendo una fantasía grotesca y deprimente que Lars von Trier representa de manera perfecta.
El sólo recordar algunos parlamentos hace que cualquiera de nosotros que la ha visto tiemble de miedo. "La vida está sólo en la Tierra... y no por mucho tiempo" dicha por Dunst cuando sabemos realmente lo que se encuentra detrás de sus actitudes, acciones y rostro, viene a ser una frase demoledora, digna de un depresivo en tratamiento y que no quiere desasirse del estado en que se encuentra pues le da placer. Otra cosa que nos demuestra la creatividad y malignidad a la hora de representar la mente de una mujer o un hombre o lo que sea en un estado de depresión profunda es la belleza con que nos muestra el proceso de la destrucción de la vida de una familia y la vida del planeta: no hay espectáculo ni planos más bellos que aquellos en los cuales el planeta choca contra el nuestro.
"La vida en la Tierra es maligna, nadie la va a echar de menos"... Ganadora de Cannes a la mejor actriz, Dunst seguro va al Oscar, pero esta película no alcanzará mucho más, y eso es una pena, pues merece todos los premios.

9/10

Remember Remember...

2011-11-05T16:49:00.000-07:00

#31 - Halloween (2007)

2011-10-31T17:31:00.000-07:00

Y llegó el día de Halloween y qué mejor que celebrarlo viendo una película que se llame Halloween. Así llegamos al final de esta locura que nos ha llevado 31 Días completar y que no puedo esperar a que vuelva a repetirse. Sufro, no voy a negarlo, pero es un sufrimiento placentero. Ver películas al día y criticarlas siempre me ha ayudado de alguna manera a mejorar mi escritura aunque sea en un 1%. Bueno, gracias infinitas a James Rolfe por su Cinemassacre's Monster Madness y darme las ganas de entrar con ganas al mundo del terror. En el video de hoy se refiere a las dos películas de Rob Zombie de la serie de Halloween, esta y "Halloween II" (2009). La segunda no alcanzo a verla, y siempre es una película al día aquí, así que usted ve el video aquí y luego lee mi crítica abajo.

El remake de Rob Zombie (debe ser una de las pocas veces en que he mencionado el director de la película en mi crítica de este mes del terror, porque salvo en contadas ocasiones importa, el estilo visual nunca ha sido tan importante como en esta película) de la película original y obra maestra de John Carpenter, "Halloween" (1978) debe ser una de las mejores cosas que han salido de la máquina de secuelas desde la original... claro que hubiera tenido mejores resultados si la gente no fuera tan corta de vista como para desechar a un director por el solo hecho de venir del mundo de la música y ser uno de los tantos remakes que se lanzaban por esos años de los 2000. Hay que ser honestos y no nos engañemos: esta película debe ser uno de los mejores remakes de la década recién pasada y Rob Zombie uno de los directores más prometedores de la nueva generación del terror, por mucho que digan lo contrario o lo que sea.

La trama de esta nueva película, de alguna forma es similar, pero la diferencia es la cantidad de tiempo que le da a cada elemento de la trama. Por ejemplo, partimos con un pequeño Michael Myers viviendo con su familia y metiéndose en problemas en el colegio, tanto por sus violentas reacciones ante el bullying del que se ve afecto por compañeros mayores, así como las fotografías de animales muertos que le encuentran en su casillero... eso es un poco de la nada. ¿Por qué Michael tiene esas actitudes tan extrañas? Bueno se explica de alguna forma por la familia que tiene, un montón de basura, salvado por su madre, que aunque sea una stripper, tiene un buen corazón. La idea de un Michael como interpretación encarnada del mal se puede mantener, pero se debilita cuando lo vemos matando a su familia por rabia (y una ceguera que parece guiarlo). Obviamente, lo mandan al manicomio por matar a su padre y su hermana (y al novio de ella), para luego escaparse 15 años después para buscar a su hermana pequeña, pasando cosas muy similares a la original de 1978.

La película es TREMENDAMENTE sangrienta como sólo Rob Zombie sabe hacerlo, y mantiene una tensión constante gracias a la tremenda calidad de los actores utilizados en la cinta, como Malcolm McDowell en el rol del clásico Doctor Sam Loomis. El personaje de Michael Myers... no sé, es como demasiado musculoso para haber pasado toda su vida en el manicomio, pero debo admitir que da miedo, ver a un tipo de ese porte caminando debe ser una de las peores cosas que uno puede llegar a ver. El final es ambiguo en muchos sentidos, pero hay que reconocer que la actriz Scout Taylor-Compton se manda sus buenos gritos y siempre se agradece la buena calidad de la sangre utilizada. Pero, sin embargo, la brutalidad no siempre se justifica, y eso puede molestar un poco.

El remake nunca va a poder llegar a los niveles de la película original, pero es lo suficientemente buena como para verse y no ser rechazada a la primera.

7/10

Bueno, y así como se fue un mes hago mi ya clásico top 10 de las mejores películas criticadas durante este mes del terror:
1. Cossette no shôzô (2004)
2. Körkarlen (1921)
3. Don't Look Now (1973)
4. New Nightmare (1994)
5. Sisters (1973)
6. Bud Abbott Lou Costello Meet Frankenstein (1948)
7. Son of Frankenstein (1935)
8. Haute tension (2004)
9. The Hunchback of Notre Dame (1923)
10. Dracula Has Risen from the Grave (1968)

Y las cinco peores que vi:
1. Halloween: The Curse of Michael Myers (1995)
2. Flesh for Frankenstein (1973)
3. A Nightmare on Elm Street: The Dream Child (1989)
4. Halloween 5 (1989)
5. House of Dracula (1945)

Hasta el próximo año. Los dejamos con la transmisión normal.

#30 - Halloween: Resurrection (2002)

2011-10-30T13:00:00.001-07:00

El video de James Rolfe para la Cinemassacre's Monster Madness puedes verlo aquí.

#29 - Halloween H20: 20 Years Later (1998)

2011-10-29T09:41:00.000-07:00

El terror se aproxima con la lentitud de un Michael Myers tambaleante sobre su última víctima, Halloween ya está casi encima y no podemos evitarlo: va a causar problemas, los portales del horror se abren y las criaturas más malignas que vienen de la ficción salen a dar una vuelta al mundo real a matar y destruir nuestra paz. Pero aún podemos disfrutar del cine, creo yo. James Rolfe en su Cinemassacre's Monster Madness habla sobre esta reciente secuela de la serie Halloween, y usted puede ver su video acá. Yo, me voy a verla y criticarla.
Hay algo que no se puede negar en lo que se considera el terror de los años 90 y sobre todo del terror que vino después: no es el mismo desde el estreno de "Scream" (1996). Es decir, de alguna manera fue la lápida y el rayo eléctrico que necesitaba el género, de alguna manera trató de matar y a la vez revivir la entretención que producían este tipo de películas, para luego caer en el mismo juego de las secuelas, las cuales milagrosamente son muy decentes, por mucho que la gente diga lo contrario. Ahora, esta secuela de Halloween está muy inspirada por esta cinta, basta con decir que Kevin Williamson hizo un par de guiones (los cuales no fueron usados), "Scream 2" (1997) puede verse en pantalla, y la música es de Beltrami, sacada directamente de las dos cintas de Scream estrenadas hasta ese momento. ¿Le hace mal eso a la película? Sí, pero no mucho.
La trama de la película es interesante y peculiar, porque sigue la trama de la película original "Halloween" (1978), siendo el título de esta cinta una referencia directa al aniversario número 20 del estreno. Lo otro interesante es que la protagonista es Laurie Strode, la protagonista de la película original, interpretada por Jamie Lee Curtis después de 17 años sin interpretar a la primera y más icónica de las chicas scream queen slasher. La historia cuenta que Laurie Strode ha vivido una vida tranquila, recordando constantemente cómo su hermano trató de matarla. Tiene un hijo y es directora de una escuela, pero la vuelta de Michael va a poner en riesgo la seguridad de su mundo bonito y seguro por fuera. Y eso es lo que pasa, a grandes rasgos.
Sí, la película en sí tiene bastantes pocos eventos, puede ser plana y no pasar nada en los primeros cincuenta minutos (salvo por los primeros diez, una de las mejores secuencias iniciales de la serie en mucho tiempo, increíblemente construida y con un cameo interesante de un joven Joseph Gordon-Levitt), pero la película se sostiene por la última media hora, que es cuando Myers aparece en escena con total fuerza y empieza a matar a algunos personajes secundarios, acercándonos peligrosamente al hijo y luego a Laurie para llegar al momento en que los dos se enfrentan, y con todo eso no tenemos más que reclinarnos y disfrutar: Laurie Strode ganándole a Michael Myers debe ser una de las mejores cosas de la serie y la actuación de ella es impresionante de veras.
La película trata de ser "hip" como "Scream" (1996), pero falla de manera estrepitosa, pero de alguna manera su última media hora es tan entretenida, y el ver a Jamie Lee Curtis durante todo un slasher es algo impagable a su edad.

7/10

#28 - Halloween: The Curse of Michael Myers (1995)

2011-10-28T10:47:00.000-07:00

Halloween se acerca a pasos agigantados. Las fiestas empiezan a organizarse, desaparecen y vuelven a aparecer con distintas intensidades. La gente empieza a buscar un disfraz original y diferente, para luego decantarse por la estupidez más sencilla. Siempre ocurren estas cosas en los días previos, y eso no es más que la influencia de los portales malignos que se empiezan a abrir. Hoy tenemos una película de Halloween, siguiendo con la muestra dada por James Rolfe en su Cinemassacre's Monster Madness, cuyo video pueden ver acá. Yo, a continuación, daré mi crítica.
Para esta ocasión debo aclarar que vi el bootleg denominado el "Producer's Cut", porque creo que hace algo de diferencia a la hora de tomar en cuenta la calidad de la película. Esta película es una de esas secuelas como la quinta de Pesadilla, cuando ya tiran toda la carne de la parrilla en cuanto a las nuevas reglas y nuevas historias pasadas que tratan de explicar todo el comportamiento del personaje desde la primera película de la serie. Aquí meten a un culto celta relacionado con los orígenes de Halloween para poder explicar cuál era el comportamiento de Michael Myers desde la fatídica noche de Halloween en que trató de asesinar a su hermana adolescente cuando era un pequeño niño vestido de payaso (creepy). Pues la explicación, aunque bastante lógica, no es lo suficientemente explotada como para ser increíble... o al menos descente.
La película parte con imágenes escabrosas. La sobrina de Michael Myers está sobre un altar, rodeada de cultistas y cánticos malignos y ominosos. Jamie Lloyd está dando a luz a un hijo... el hijo de ella y Michael Myers... lo sé, cruento, asqueroso, como quieran llamarlo, yo creo que demuestra lo monstruoso que puede llegar a ser este culto o lo imbécil que puede ser un monstruo como Michael. Pero Jamie se escapa y deja a su bebé abandonado, es la última de la familia y es la última persona del linaje que Michael debe matar para que el culto pude apaciguar a Torch, el demonio que alaban a la vez que protegen. Sé que no tiene ningún sentido, pero es la mitología que han decidido usar: Michael ha sido elegido para llevar a cabo los sacrificios que serán necesarios para poder llamar/apaciguar a este demonio, y él habría recibido la llamada cuando era niño, y cada vez que sale una constelación con la forma de Torch, sale a matar nuevamente. Ahora, la película nos confunde cuando un niño en la historia empieza, supuestamente empieza a escuchar las mismas voces que llevaron a Michael a matar a su familia... ¿tan pronto necesitan un sucesor?
En cosas como el detalle anterior se nota que la película no fue planeada con la suficiente inteligencia, y es completamente inepta en su ejecución y construcción como obra de cine competente. La película, de alguna forma, gana algo al meter a los celtas en todo el asunto, ver a Michael como un peón de un culto maligno no resulta insultante, sino que al menos original, sobre todo porque la película no se trata de matar a un montón de adolescentes idiotas... al menos no toda la película. También gana puntos por la performance sin igual de Donald Pleasence, pero del resto de los actores mejor ni hablar, debe haber una competencia para ver quién tiene la cara de palo más dura de la historia de Halloween en esta película. Se siente hecha a la rápida, como si tuvieran un licencia que perder y decidieran tirar esta mierda a los cines. De verdad, la serie Halloween, sobre todo por la cinta original, merece más que esto.
Es mala, pero al menos no es horrible, y eso es algo que agradecer.

5/10

#27 - Halloween 5 (1989)

2011-10-27T17:43:00.000-07:00

Bienvenidos a los últimos días del terror, y qué mejor que empezar a darnos un chapuzón en la serie de Halloween, donde Michael Myers se nos presenta con su blanca máscara y su vacía mirada para vengarse y terminar el trabajo que no pudo terminar cuando era niño, yendo tras sus familiares. Como siempre, en la Cinemassacre's Monster Madness de James Rolfe pueden ver el video que le dedica a la quinta parte de esta serie de slashers, aquí. Por mientras, critico este filme.
Se nota que cuando una serie llega a su quinta entrega, las cosas se ponen peligrosas y puedes caer en muchas faltas. Tomando el caso particular de los slashers, tenemos algunos que pasan la prueba y otros que simplemente caen en repeticiones interminables, u otros que se caen en el departamento de guión, tratando de ampliar la historia más allá de lo que admite una serie, por muy sobrenatural que esta sea. Por eso tenemos a "Friday the 13th: A New Beginning" (1985), que resulta ser la quinta parte de la serie Viernes 13, y que yo considero una de las mejores porque da un vuelco nuevo a todo el asunto, con varias escenas y muertes muy originales, a la vez que es demasiado entretenida para ser una quinta parte. "A Nightmare on Elm Street: The Dream Child" (1989), la quinta parte de la pesadillesca serie, falla porque decide ingresar demasiadas cosas y nuevos datos sobre el personaje de Freddy, los cuales no son realmente rescatados para hacer redonda la cinta. Y en el caso de "Halloween 5" (1989), la película que nos toca ver en esta ocasión, la película se siente cansada y repetitiva y como más de lo mismo, causando que falle.
La trama de la película sigue así. Michael Myers sobrevivió una caída de metros de altura y también una dinamita. Ha estado durmiendo por un año para que vuelva la noche de Halloween y pueda volver a tratar de matar a su sobrina, interpretada nuevamente por Danielle Harris, y con quien comparte (nuevamente) una conexión psíquica que la hace sentir cuándo va a atacar, lo cual resulta completamente inútil para la policía, por mucho que el doctor Loomis (nuevamente una gran performance de Donald Pleasance) les avise que la niña está abriendo su boca grotescamente y dando gemidos de terror... en lo que debe ser lo peor de la decente actuación que hace esta niña. Por su parte, Pleasance ha mejorado mucho con el papel, ha envejecido con él, y en ese sentido se siente mucho más avejentado.
La película cae en lo peor que puede caer el slasher: ser aburrido. No es necesario tener un montón de adolescentes dando vueltas, disfrazados y haciendo sustos falsos no es necesario para poder realizar una buena pieza de slasher. Para eso necesitas, además, ser novedoso en las mismas muertes, crear bien a tus personajes, relacionarlos con el asesino, que no se sienta gratuito, todo ese tipo de cosas que deberían ser como las primeras reglas de cualquier escritor o director que se precie y que pueda poner un buen pie derecho en la industria. Muy poco queda que decir sobre esta cinta, que es muy floja en varios sentidos, pero que se salva (algo) en sus últimos minutos cuando la película se vuelve a centrar en lo que importa. Como siempre, el guión es el responsable: si te vas por las ramas, nunca logras nada.
No creo que haya que verla, pero si hay que seguir, hay que seguir.

5/10

#26 - Cossette no shôzô (2004)

2011-10-26T18:59:00.000-07:00

Este es el último día impredescible de horror y de esa pseudo libertad de la cual hablo siempre, sobre todo cuando es comparada con la seguridad (al menos durante este año) de saber a qué horror me enfrentaré el día de mañana, qué horrores ya he enfrentado y cuáles me faltan por enfrentar (y el saber eso me permite prepararme psicológicamente para hacerlo. Por ejemplo, en el día de hoy, James Rolfe sigue con las críticas a las películas de la serie Halloween, y en esta ocasión le da una mirada a "Halloween 4: The Return of Michael Myers" (1988), la cual ya he visto, por lo que veré otra película y la decisión de hoy me tiene feliz, pero a la ves lleno de horror ante qué es lo que me enfrento.
"Halloween 4: The Return of Michael Myers" (1988) es una película medio blanduzca que sigue las aventuras de Michael Myers luego de su tan obvia muerte en la segunda película de la saga. Solamente se salva por las actuaciones de Donald Pleasence como el Dr. Loomis, y Danielle Harris interpretando a Jamie LLoyd, hija del personaje interpretado en su tiempo por Jamie Lee Curtis. Trata de tomar un nuevo camino, relacionado con la genética, pero se pierde en la medianía del slasher común y silvestre.

2011-10-18T09:31:00.001-07:00

El último día de libertad de la Cinemassacre's Monster Madness de James Rolfe, pues esta es la última película de la serie Pesadilla que he visto, por lo que mañana tendré que seguir con la cuarta. El video del día de hoy de James Rolfe habla sobre "A Nightmare on Elm Street 3: Dream Warriors" (1987), que resulta ser casi tan buena como la primera, pero es a su vez tan distinta que no puede terminar de convencerme totalmente. Sin embargo, es entretenida, pasan cosas y todo, el video pueden verlo acá.

8/10

Yo, por mi parte sigo con el cine de terror del 1973, así que según mi lista personal nos toca...
No sé qué pensar sobre esta película. No sé si tomarla en serio y mientras más leo sobre ella, más dudas se aparecen en mi mente nublada por el terror, sobre todo cuando se tiene el conocimiento que esta película es producida por Andy Warhol y dirigida por uno de sus colaboradores más cercanos, Paul Morrisey, que también haría la segunda parte de un díptico de terror de Warhol con "Blood for Dracula", pero la otra curiosidad es que cuando fue estrenada en Italia, se puso en los créditos como director principal a Antonio Margheriti, uno de los directores italianos de cine basura más reconocidos y que fue el seudónimo que usó el personaje de Eli Roth en "Inglourious Basterds" (2009). Ahora, teniendo todo eso en cuenta, también nos encontramos con que es un video nasty, una película prohibida en Inglaterra por su violencia, sangre o sexualidad (y aunque generalmente era por las dos primeras, en este caso es por las tres... combinadas).
Primero tenemos un barón alemán interpretado por Udo Kier y que habla en un inglés muy acentuado (y todos hablan con el mismo tono, es gracioso), que resulta ser el Barón Frankenstein, y que ya lo vemos experimentando en su laboratorio, construyendo lo que él denomina un "zombie", pero no son más que coser un montón de trozos de muertos, como siempre lo ha hecho el doctor Frankenstein, pero acá vamos con los tiempos y parece que los zombies están de moda, así que adelante. Bueno, el barón tiene una esposa, a la cual no ama, por lo que busca el placer en otros lados. También tenemos que el barón está enamorado de su muerta zombie que está construyendo, con la cual tiene sexo, pese a estar muerta. Luego, mata a un tipo para sacarle la cabeza y... ya me dió como asco recordar lo que sigue, pero igualmente, es eso, a grandes rasgos. Lo que quiere es crear dos zombies y así poder tener a sus "verdaderos hijos", de la cruza de esos dos monstruos.
La película es grotesca, como pueden vislumbrar por el tratamiento que he esbozado en el párrafo anterior, y no es de esa violencia que se sugiere, sino que aquí vemos cada frame de cada herida, cada cosedura abierta, cada órgano interior desplazado, empalamientos, todos los cuales quedaban increíblemente plasmados en la pantalla gracias a su inicial estreno en 3D. Luego tenemos la conexión que hay entre esta violencia y la enorme sexualidad de todos los personajes, que no pasan más de quince minutos sin un desnudo o una escena de sexo... pero el problema es que como es Warhol el productor, tenemos una clara relación con lo poco sexual y poco sexy que resulta ser el sexo, no es placentero... y mucho menos lo es con un montón de tripas entremedio. El problema de la película, sin embargo, no es el asco que da (un poco) sino que las actuaciones son pésimas y los acentos tan exagerados que en verdad te crees poco lo que dicen.
Si tuviera una mejor actuación, y Udo Kier puede, esta cinta sería un clásico recordado por todos, pero ahora no es nada más que un secreto un tanto podrido al sacarlo.

5/10

#17 - Don't Look Now (1973)

Dog Day Afternoon (1975)

2011-09-28T00:01:00.000-07:00

Attica, por Jaime Grijalba.
El primer Reality Show fueron transmisiones como esta, cuando ocurrieron hechos como este en la vida real, y en la cual se basa esta película. Ver esta película nos hace sentir ese morbo y las ganas de conocer más que deviene de las ganas de ver este tipo de situaciones en nuestra pantalla día a día, es intoxicante y poco se puede hacer para resistir esa sensación de que de verdad estás llegando a conocer a alguien más allá de lo que deberías, que estás entrando en lo íntimo, pero sabes que no puedes parar. Y como ocurre en los reality shows, todo es porque los mismos afectados son los que quieren que su realidad sea expuesta ante el público, y no por que se encuentran encerrados, sino porque aprovechan la atención que tienen encima de parte de todos para poder entregar un mensaje... si este es válido o no, depende de quién lo vea, de la época en que vivimos, de lo que sea que esté ocurriendo en esos días.

Vimos esta película en el ramo de Taller de Ficción, donde nos hicieron tomar atención a las formas en las cuales se da a conocer el subtexto de la obra, a través de los polos que presentan los planos. Lo olvidé. Me sentí completamente atrapado por la trama y cómo llegábamos a conocer a los personajes, la forma en que el público empieza a aclamar a los ladrones ante los gritos de "Attica" y se vuelven unas figuras a seguir y que serán aclamadas, apoyadas o burladas de acuerdo a los elementos que se empezaban a conocer de sus vidas privadas. Sé que no fui el único en sentirse completamente atrapado por lo que sucedía olvidando lo que tenía que tomarse en cuenta, pues nuestra ayudante también nos pidió que descubriéramos el dispositivo con el cual la película trabaja para darle un sentido de realidad, lo cual fue preguntado después por un alumno, principalmente porque se le olvidó qué era lo que debía hacer.

Sidney Lumet repite lo que hizo en "12 Angry Men" (1957), mostrándonos con tomas fijas, pero temerosas, la forma en que pasa el tiempo dentro del banco que se encuentra bajo la sombra del robo de este par de peculiares ladrones, por decir algo. Sidney Lumet sabe trabajar con lugares y elementos claustrofóbicos, y al igual que los jueces de la clásica película de los años 50, llegamos a conocer las personalidades de todos los personajes que se encuentran en la situación, vemos sus reacciones y hasta nos emocionamos con sus giros, Lumet sí sabe cómo filmar el comportamiento de los personajes en situaciones de presión, y en eso él es uno de los mejores directores de la historia del cine.

Al Pacino da una de las mejores actuaciones de la historia del cine, pero aún así pienso que el personaje interpretado por John Cazale es mucho más interesante por el enigma que presenta y por la fuerza de su interpretación, misteriosa como el actor que la realiza, que puede resultar incluso inquietante al saber el destino que tuvo este actor, comparándolo con ciertos pasajes de la película, sobre todo en su conversación respecto a los cigarrillos. Es una obra maestra y no hay más vueltas que darle.

José Miguel Varas (1928 - 2011)

2011-09-24T00:01:00.000-07:00

Escritor, periodista, cronista... vaya, qué pena tener que perder a un personaje tan importante de la literatura nacional, premio nacional el año 2006, uno de los constantes referentes sobre los escritores que se fueron al exilio durante el gobierno de Pinochet, pero que en realidad nunca dejaron de ser chilenos en su corazón, no se internacionalizaron como muchos otros que se transformaron en "ciudadanos del mundo", trastocando sus sentidos morales o políticos. Comunista, como muchos y como los que todos debemos ser: con consciencia, verborrea y motivos para serlo, hijo de escritor y de militar, su obra se puede considerar esencialmente personal y localista, aunque no por eso criolla. Institutano y santiaguino, qué mejor persona es la que logra ser periodista saliendo del Instituto Nacional, siempre recordando su colegio... Pariente mío, pero qué importa, no me considero un experto en su obra, una vez lo vi en la feria chilena de libro, lo saludé y le dije que quería ser escritor, lo primero que me dijo fue que "estudie otra cosa", que "diera plata", porque si no, me iba a morir de hambre. Nunca olvidé su consejo, y tal vez por eso estoy estudiando lo que estoy estudiando, pero no creo que esté muy contento si le hubiera contado, ahora sólo me voy a morir de hambre menos pronto.
De todas formas Porái es como literatura esencial desde mi punto de vista, una de esas novelillas chilenas que quedan olvidadas por el tiempo o por la flojera de no volver atrás por un rato y mirar qué hay en esa caja olvidada en tu clóset, llena de libros que nunca leíste o que tal vez no quisiste leer. Tal vez haya una novelilla de José Miguel Varas en su caja personal, búsquela, lo único que puede perder son sus ganas de leer otra cosa que no sea las obras de José Miguel Varas.

Noticias de "The Girl with the Dragon Tattoo" (2011) #4

2011-09-22T19:24:00.000-07:00

Reviviendo un poco el blog con noticias (las cuales estuvieron canceladas por un tiempo debido al mes de Richard Kelly y otras eventualidades) hoy volvemos con un nuevo y largo trailer de la nueva película de David Fincher. Usted seguramente ya lo vió, pero qué tiene de malo verlo de nuevo?

Se ve bien, lo encuentro visualmente interesante, pero no me voló la cabeza como a muchos. Esperaremos a que el frío nos consuma en diciembre.

Magnífico Internet: Waking Up Gary (2006)

2011-09-10T10:35:00.000-07:00

Waking Up Gary (2006)

Dirigido, escrito, editado y con participación de: Ricky Possum
Actuación Principal: Gary
Puntuación: ****1/2 (Obra Maestra de la Internet)

Para volver a darle un poco de vida a este blog, he decidido volver a esta sección que ha tenido un total de tres entradas anteriormente y que tuvieron un relativo éxito, pero que me enorgullecen a nivel personal, pues me permiten teorizar acerca de una nueva narrativa que muchos ni siquiera consideran narrrativa. En este caso me incliné por uno de los videos más extraños que se pueden encontrar, es viejo, pero ha tenido una fama reciente. Está editado con Sony Vegas (se nota por las letras) y tiene una estructura clásica de descubrimiento y luego repetición y reiteración del absurdo encontrado, el cual a su vez puede incluso resultar lleno de miedo acerca de la real naturaleza de toda la narración. ¿Quién es Gary? ¿Por qué hace eso? ¿Qué es lo que dicen realmente? ¿Qué hay entre ellos? ¿Qué mierda tiene en la cara? Cosas que nunca sabremos.

El Mes de Richard Kelly Terminó

2011-09-05T00:01:00.000-07:00

Muchas gracias a quienes participaron comentando o en la Blogathon de Richard Kelly. A continuación los dejo con un resumen de todo lo que pasó en este último mes de Agosto. Esperemos que se repita (no sobre Richard Kelly) pero con más fuerzas, más comentarios, más participación y mucho más. Queda Richard Kelly para rato y creo que esta es una buena base para cualquiera que quiera empezar a interesarse en su filmografía y en su obra y en quienes somos fanáticos. Hay también una buena base para un libro sobre él, y creo que ese es un proyecto soñado para mí, y creo que ahora ha avanzado un poco, dado un paso hacia adelante.

Críticas de cine:
· The Goodbye Place (1996)
· Donnie Darko (2001)
· Domino (2005)
· Southland Tales (2006)
· The Box (2009)
· S. Darko (2009)
· World's Greatest Dad (2009)
· I Hope They Serve Beer in Hell (2009)
· Rogues Gallery (2010)

Blogathon:
· Resumen de todos los días

Misceláneo:
· ¿Cuándo veremos "Visceral Matter" (1997)?
· ¿Theatrical Cut o Director's Cut? sobre "Donnie Darko" (2001)
· Crítica a la novela gráfica de "Southland Tales" (2006)
· La canción de "Southland Tales" (2006)
· Los actores de "Southland Tales" (2006)
· El cuento en el que se basó "The Box" (2009)

Felipe Camiroaga (1966 - 2011)

2011-09-03T17:18:00.000-07:00

Hace mucho tiempo que no escribía uno de estos artículos, de las diversas figuras que han muerto en este año, aunque no menos importantes, no me sentía lo suficientemente familiar con su trabajo o su persona carismática (Raúl Ruiz es un caso claro), este es un obituario que nunca esperé escribir y que me cuesta demasiado hacer. Estaba lleno de esperanza, aunque no por eso menos abatido, al escuchar noticia tras noticia que nos decía cuál era el destino de esas 21 tremendas personas que viajaron a la península de Juan Fernández para realizar una función de amor, para terminar así. A veces el destino no nos es justo. Entre otros, Roberto Bruce y Felipe Cubillos son muertes que también lamento por la inmensidad y calidad del trabajo que hicieron en sus vidas y en el último tiempo.
Ojalá pudiera decir más, pero yo sólo fui un espectador, siempre me cayeron bien, siempre encontré que fue el mejor animador y que nadie comprendía, me identificaba con su humor, era demasiado bueno y ahora no está. Qué pena más grande es la que siento ahora. Son casi las 10 de la noche, han sido dos días horripilantes.

El Casting de "Southland Tales" (2006)

2011-08-26T00:01:00.000-07:00

Curtis Armstrong - "Risky Business" (1983), "Revenge of the Nerds" (1984), "Better Off Dead..." (1985), "The Clan of the Cave Bear" (1986), "Moonlighting" (1986-9) "Revenge of the Nerds II: Nerds in Paradise" (1987), "Revenge of the Nerds III: The Next Generation" (1992), "Revenge of the Nerds IV: Nerds in Love" (1994), "Ray" (2004).

Todd Berger - "#1 Fan: A Darkomentary" (2005)

Rebekah del Rio - "Death Wish V: The Face of Death" (1994), "Mulholland Dr." (2001), "Rabbits" (2002), "Sin City" (2005)

Nora Dunn - "Saturday Night Live" (1985-90), "Miami Blues" (1990), "The Nanny" (1996-9), "Drop Dead Gorgeous" (1999), "Three Kings" (1999), "Zoolander" (2001), "Die, Mommie, Die!" (2003), "Bruce Almighty" (2003), "Laws of Attraction" (2004)

Janeane Garofalo - "Majo no takkyûbin" (1989), "Saturday Night Live" (1994-5), "The Cable Guy" (1996), "Felicity" (1998-2000), "Thick as Thieves" (1999), "Dogma" (1999), "Titan A.E." (2000), "The Adventures of Rocky & Bullwinkle" (2000), "Wet Hot American Summer" (2001), "The West Wing" (2005-6)

Sarah Michelle Gellar - "All My Children" (1993-5), "Buffy the Vampire Slayer" (1996-2003), "I Know What You Did Last Summer" (1997), "Scream 2" (1997), "Small Soldiers" (1998), "Cruel Intentions" (1999), "Scooby-Doo" (2002), "Scooby Doo 2: Monsters Unleashed" (2004), "The Grudge" (2004)

Beth Grant - "Rain Man" (1988), "The Wizard" (1989), "Child's Play 2" (1990), "The Dark Half" (1993), "Speed" (1994), "Safe" (1995), "A Time to Kill" (1996), "Donnie Darko" (2001), "The Rookie" (2002), "Matchstick Men" (2003)

Dwayne Johnson - WWF, "The Mummy Returns" (2001), "The Scorpion King" (2002), "Doom" (2005)

Christopher Lambert - "Greystoke: The Legend of Tarzan, Lord of the Apes" (1984), "Highlander" (1986), "Highlander II: The Quickening" (1991), "Highlander III: The Sorcerer" (1994), "Mortal Kombat" (1995), "Beowulf" (1999), "Highlander: Endgame" (2000)

John Larroquette - "The Texas Chainsaw Massacre" (1974), "Altered States" (1980), "Stripes" (1981), "Cat People" (1982), "Twillight Zone: The Movie" (1983), "Star Trek III: The Search for Spock" (1984), "Meatballs Part II" (1984), "JFK" (1991), "Ri¢hie Ri¢h" (1994), "The Texas Chainsaw Massacre" (2003), "Beethoven's 5th" (2003)

Ling Bai - "The Crow" (1994), "Nixon" (1995), "Wild Wild West" (1999), "Anna and the King" (1999), "Siu lam juk kau" (2001), "Taxi 3" (2003), "Sam gang yi" (2004), "Gaau ji" (2004), "Sky Captain and the World of Tomorrow" (2004), "Star Wars: Episode III - Revenge of the Sith" (2005), "Edmond" (2005)

Jon Lovitz - "Saturday Night Live" (1985-92)"¡Three Amigos!" (1986), "The Brave Little Toaster" (1987), "Big" (1987), "My Stepmother Is an Alien" (1988), "An American Tail: Fievel Goes West" (1991), "A League of Their Own" (1992), "North" (1994), "The Critic" (1994-5), "Happiness" (1998), "The Critic" (2000), "Small Time Crooks" (2000), "Little Nicky" (2000), "3000 Miles to Graceland" (2001), "Cats & Dogs" (2001), "Rat Race" (2001), "The Stepford Wives" (2004)

Holmes Osborne - "That Thing You Do!" (1996), "From the Earth to the Moon" (1998), "Seven Days" (1998-2001), "Election" (1999), "Bring It On" (2000), "Donnie Darko" (2001), "The Quiet American" (2002), "Identity" (2003), "Cheaper by the Dozen" (2003), "Anchorman: The Legend of Ron Burgundy" (2004), "Wake Up, Ron Burgundy: The Lost Movie" (2004), "Invasion" (2005-6)

Cheri Oteri - "Saturday Night Live" (1995-2000), "Liar Liar" (1997), "Inspector Gadget" (1999), "Scary Movie" (2000), "Dumb and Dumberer: When Harry Met Lloyd" (2003)

Amy Poehler - "Deuce Bigalow: Male Gigolo" (1999), "Wet Hot American Summer" (2001), "Saturday Night Live Weekend Update Halftime Special" (2003), "The Devil and Daniel Webster" (2004), "Mean Girls" (2004), "Wake Up, Ron Burgundy: The Lost Movie" (2004), "Arrested Development" (2004-5)

Miranda Richardson - "Black-Adder II" (1986), "Empire of the Sun" (1987). "Blackadder's Christmas Carol" (1988), "The Crying Game" (1992), "Alice in Wonderland" (1999), "The King and I" (1999), "Sleepy Hollow" (1999), "Blackadder Back & Forth" (1999), "Chicken Run" (2000), "Get Carter" (2000), "Snow White" (2001), "Spider" (2002), "The Hours" (2002), "The Phantom of the Opera" (2004), "Harry Potter and the Globet of Fire" (2005)

Zelda Rubinstein - "Poltergeist" (1982), "Sixteen Candles" (1984), "Poltergeist II: The Other Side" (1986), "Poltergeist III" (1988), "Teen Witch" (1989), "The Flintstones: On the Rocks" (2001)

Will Sasso - "Ernest Goes to School" (1994), "Sliders" (1995-6), "Happy Gilmore" (1996), "Doctor Who" (1996), "Beverly Hills Ninja" (1997), "Drop Dead Gorgeous" (1999)

Seann William Scott - "American Pie" (1999), "Final Destination" (2000), "Road Trip" (2000), "Dude, Where's My Car?" (2000), "Evolution" (2001), "American Pie 2" (2001), "Jay and Silent Bob Strike Back" (2001), "Old School" (2003), "American Wedding" (2003), "The Dukes of Hazzard" (2005)

Wallace Shawn - "Manhattan" (1979), "All That Jazz" (1979), "Atlantic City" (1980), "My Dinner With Andre" (1981), "Radio Days" (1987), "The Princess Bride" (1987), "The Cosby Show" (1987-91), "Shadows and Fog" (1991), "A Goofy Movie" (1995), "Clueless" (1995), "Toy Story" (1995), "Toy Story Treats" (1996), "All Dogs Go to Heaven 2" (1996), "Clueless" (1996-7), "The Jungle Book: Mowgli's Story" (1998), "My Favorite Martian" (1999), "Star Trek: Deep Space Nine" (1993-9), "Toy Story 2" (1999), "Buzz Lightyear of Star Command: The Adventure Begins" (2000), "The Curse of the Jade Scorpion" (2001), "Duplex" (2003), "The Haunted Mansion" (2003), "Melinda and Melinda" (2004), "The Incredibles" (2004), "Chicken Little" (2005)

Sab Shimono - "Midway" (1976), "Mandrake" (1979), "Gung Ho" (1986), "Gung Ho" (1986-7), "Teenage Mutant Ninja Turtles III" (1993), "3 Nijas Kick Back" (1994), "The Shadow" (1994), "Waterworld" (1995), "Jackie Chan Adventures" (2000-5)

Kevin Smith - "Clerks." (1994), "Mallrats" (1996), "Chasing Amy" (1997), "Dogma" (1999), "Scream 3" (2000), "Clerks." (2000-1), "Jay and Silent Bob Strike Back" (2001), "Daredevil" (2003), "Jay and Silent Bob Do Degrassi" (2005)

¿Ven algún patrón?

"Donnie Darko" (2001) Theatrical vs. Director's Cut: El Debate Eterno

2011-08-25T00:01:00.000-07:00

19 Minutos y 44 Segundos de diferencia hay entre estas dos versiones de mi película favorita. Hay cosas que se añaden y cosas que se quitan, pero ambas versiones hablan de lo mismo y tienen la misma alma, no son películas diferentes, como muchos están tratando de hacernos creer. Aquí, obviamente, me encuentro comandado mentalmente por mi amor personal por una de las dos versiones, así que me perdonarán el que diga las razones por las cuales prefiero una por sobre la otra, pero al menos quedemos en la misma tierra firme y común que la opinión de cada uno será distinta, pero podremos aceptar que el preferir una sobre la otra no vuelve al que prefiere la otra versión un traidor o alguien que no tiene gusto fílmico básico. Pero tal vez digo todo esto a fin de evitar la avalancha de críticas que se me van a venir encima por preferir la versión más larga sobre la corta.
Para cualquier curioso en saber cuáles son las verdaderas diferencias entre ambas versiones, puede darle una leída a la siempre esencial comparación que hace Movie-Censorship.com, dele una mirada para tener algo de contexto acerca de lo que vamos a hablar brevemente aquí.
Creo tener una sola razón por la cual creo que la versión del director es superior a la versión que salió en cines (y en su tiempo en el primer DVD y VHS, y que ahora puede verse en la edición BluRay del décimo aniversario, lanzado recientemente, en la cual puedes elegir entre ambas versiones y sus comentarios disponibles, siendo esta la versión más completa a mi parecer) y es algo que se quitó y no algo que se añadió, que es lo que más podría entenderse cuando la versión del director es casi veinte minutos más larga. Deben ser menos de dos segundos, pero es una extensión de la primera vez que Donnie se ve enfrentado a los canales que le muestran el futuro y empieza a salir uno de esos entes "que trabajan para nosotros" de su pecho y le indica a dónde debe ir, eso si sin antes volverse un dedo que le dice que lo siga con un ademán sacado directamente de un dibujo animado de Pepe LePew. En la versión del director, se corta antes, simplemente a la sonrisa de Donnie Darko que empieza a seguir su destino.
Puede resultar un tanto estúpido reclamar sólo por esa pequeña toma, pero cuando lo vi no lo pude creer, y parecía sacado de otra película, no iba con el tono ni con lo que habíamos visto hasta entonces, las fuerzas sobrenaturales se habían presentado misteriosamente ominosas y siempre de manera seria y responsable, así que esto viene de la nada y la oportunidad de la versión del director le da a Richard Kelly la oportunidad de enmendar ese error y quitar esos frames que realmente sobran en una película que tiene sus momentos de humor... pero que justamente ese no es uno de ellos, de hecho, esa sección es casi una escena de terror al ver cómo el rostro de Donnie se ve embelesado ante esta inteligencia u ocurrencia fuera de su alcance mental, para finalizar con el encuentro de un arma de fuego. Siempre me da terror esa perfecta seguidilla de planos que dejan pensando qué es lo que ocurrirá a continuación.
Ahora, a todos nos gusta un misterio, y a mí me encantan, y creo que la versión original presenta uno muy bueno, dejándonos en la duda acerca de la naturaleza de las escenas finales. Pero no creo que Kelly nos entregue todo en bandeja al realizar el corte del director, forzándonos una respuesta más relacionada con la ciencia ficción, las dudas todavía existen, y aunque más teorizadas, cualquier explicación es válida y puede ser agurmentada por aquellos que tienen pasión por lo que creen que sucede en el filme. Yo, personalmente, me quedo con la visión que entrega Richard Kelly, porque es extremadamente original, y a la vez llena de repercusiones acerca de los poderes que se encuentran fuera de nuestro alcance. ¿Qué piensan ustedes? ¿Con qué se quedan?

'Teen Horniness Is Not a Crime' una canción escrita para "Southland Tales" (2006) por Richard Kelly

2011-08-24T00:01:00.000-07:00

Puede pasar desapercibido para muchos, pero la mezcla de pop/rap/techno de la canción cantada por la actriz porno Krysta Now en la película "Southland Tales" (2006), forma parte esencial acerca de lo que la hace imprescindible y una de las principales razones por la cual es una obra maestra. Es decir, es el primer y, hasta ahora, único crédito musical asociado a Richard Kelly, que sale como uno de los escritores de la letra de la canción junto a Gerard Bauer y Colin Kelly, y desborda de esa rareza que impregnaba todo lo relacionado con esta épica moderna.
Antes de pasar al análisis de la letra de la canción, creo que es impresionante notar que la canción es cantada por la misma Sarah Michelle Gellar, que interpretaba a la actriz porno con poderes proféticos llamada Krysta Now, pero que cuenta además con la participación de otros artistas, entre ellos Abbey McBride, que dentro de la película interpreta a una de las otras actrices porno que forman parte del panel del talk show de Krysta, bajo el nombre de Sheena Gee. Además, artistas relacionados con el mundo del rap, como Clarkent & Greasy Beats, que le dan a la canción una suerte de "normalidad" dentro de las canciones pop desechables, que siempre cuentan con estos artistas para darles un tono más "hip".
Los dejo, entonces, con la canción, y en seguida, la letra con algunos comentarios.

Teen horniness is not a crime
Keep an open heart and an open mind
Cause these statistics do not lie
Just ask those nerds who shot up Columbine
Sólo con leer esa última línea es como para temblar y a la vez reir y a la vez llorar ante la valentía de Kelly de poner en la palestra algo tan serio como los asesinatos de Columbine en una canción y decir que la razón por la cual lo hicieron era que estaban calientes... y no creo que esté tan lejos de la realidad, eran rechazados y considerados "nerds". Obviamente esta canción toma la perspectiva más cliché y superficial de la historia norteamericana reciente, y lo hace más divertido por que se hace desde una perspectiva conservadora norteamericana. Lo mejor, esa última línea no la canta Sarah Michelle Gellar.

They weren’t gettin’ laid
No
They weren’t getting’ laid
So
Sigue con el tema.

Teen horniness is a state of mind
Not a sin but a natural urge
You gotta purge
Gotta splurge
While you still can
Habla de cómo la única opción de vivir es masturbarse y eyacular, o en su defecto tener sexo, que aunque es difícil, debe hacerse. Pero, ¿por qué es TAN necesario? La última línea, nuevamente, nos da una pista acerca de por qué la urgencia es tanta de "splurge", que rima con "purge", es decir purgar nuestros pecados a través del sexo, ya que Krysta Now sabe que el mundo se va a acabar pronto y que los nerds deben aprovechar el poco tiempo que les queda. Es un llamado desesperado a la cordura, el tempus fugit, una actriz porno filósofa y con poderes mentales extraordinarios, lo cual explica su afán por sacar todos sus productos lo más pronto posible, ella quiere transformarse en el último pensamiento, la última figura pop de la era humana en la
Tierra.

Birth control
Condoms
The morning after pill
Para qué embarazarse si se puede tener más sexo, total esos hijos no van a nacer. Aunque la canción es animada, es terriblemente gris en su prospecto futuro.

It’s your stupid legislation
In an overcrowded nation
Now you acting crazy
Cause a zygote ain’t no baby
Estas líneas contradicen lo que dije anteriormente acerca de cómo la canción toma una perspectiva conservadora frente a la vida norteamericana común y silvestre, pues aquí se está diciendo que un cigoto no es un ser vivo, porque la comunidad está harta de tener tanta gente, pero nuevamente veámoslo con cierta perspectiva. Ya no hay necesidad de más seres humanos, la tierra ha llegado a su límite, que es la razón principal para terminar el mundo, entonces aquí critica todo lo que los mismos conservadores han logrado prevenir, pues los ha llevado a la perdición de la sobrepoblación, lo que ha llevado a la tierra a desacelerarse y ha llevado al ser divino superior a terminar nuestra existencia.
Disfruten de esta canción "pop", ahora. JA!

'Button, Button' de Richard Matheson, la inspiración para "The Box" (2009)

2011-08-23T00:01:00.000-07:00

Comparar la cortísima historia de Richard Matheson, 'Button, Button' con la película de Richard Kelly, "The Box" (2009) puede dar para pensar, así que podrán leer el cuento al final de esta entrada, para que puedan hacerlo. Por ahora, podemos notar que los personajes mantienen los nombres, y que hay ciertos pequeños elementos que se traspasan desde la palabra escrita al filme. Haré una pequeña lista sobre estos elementos, pero antes debo decir que el cuento en sí tiene mucho potencial de misterio, pero que hacia el final decide terminarla rápidamente, con un final sacado de los trucos más viejos del sombrero de la literatura. En ese caso, la película de Kelly es más lograda ya que toma el concepto en sí que es tremendamente interesante de un personaje que anda repartiendo botones que matan gente, y que en ambos casos se lleva a extremadamente inventivas formas de llevarla a cabo, pero que en el filme se siente más novedoso.

· El paquete llega primero, antes que Steward.
· El secretismo de la organización que lleva a cabo el test, ambos desconocidos y a la vez imposibles de conocer.
· Cambio importante, aquí hay una intransigencia de parte de Arthur Lewis, que no permite que se quede ni Steward ni el botón. Pero es Norma la que vuelve a tenerlos, como en ambos medios, la mujer cae.
· Steward y Norma tienen una conexión más cercana en el medio de la narración.
· La discusión moral se establece, bastante similarmente, con las posibilidades de quiénes podrían ser los posibles muertos si es que el botón se presiona y lo que ocurre es real.
· El final, aunque distinto, si se presenta en la película como una posibilidad de quién podría morir si se aprieta el botón.
· En ambas versiones la caja está vacía.

BOTÓN, BOTÓN - Richard Matheson

El paquete estaba junto a la puerta —una caja de cartón sellada con cinta, la dirección y sus nombres escritos a mano: Señor y Señora Lewis, 217 E. calle 37, Nueva York, Nueva York, 10016. Norma lo levantó, abrió la puerta y entró al apartamento. Apenas empezaba a oscurecer.

Después de haber puesto los trozos de cordero en la parrilla, se sentó y abrió el paquete.

Dentro de la caja de cartón había una unidad provista de un botón y sujetada a una pequeña arca de madera. Una cúpula de vidrio cubría el botón. Norma intentó levantarla pero estaba sellada. Volteó la unidad y vio un papel doblado y pegado con cinta adhesiva a la parte inferior de la caja. Lo desprendió: El señor Steward los visitará a las 8 p.m.

Norma colocó la unidad del botón a su lado, sobre el sofá. Releyó el mensaje impreso, sonriendo.

Unos minutos después regresó a la cocina para hacer la ensalada.

El timbre sonó a las ocho en punto. —Yo abro —gritó Norma desde la cocina. Arthur estaba en la sala, leyendo.

Había un hombre pequeño en la entrada. Se quitó el sombrero cuando Norma abrió la puerta. —¿Señora Lewis? —preguntó cortésmente.

—¿Sí?

—Soy el señor Steward

—Ah, cierto. Norma reprimió una sonrisa. Ahora estaba segura de que se trataba de un truco para vender algo.

—¿Puedo pasar? —preguntó el señor Steward.

—Estoy bastante ocupada —dijo Norma—, pero le traeré su paquete. Le dio la espalda.

—¿No quiere saber lo que es?

Norma se volteó. El tono del señor Steward fue ofensivo. —No, creo que no —contestó ella.

—Podría resultar muy provechoso —le dijo.

—¿Económicamente? —lo cuestionó.

El señor Steward asintió. —Económicamente —dijo.

Norma frunció el ceño. No le gustó la actitud del hombre. —¿Qué está intentando vender? —preguntó ella.

—No estoy vendiendo nada —respondió él.

Arthur salió de la sala. —¿Pasa algo?

El señor Steward se presentó.

—Ah, el … —Arthur señaló hacia la sala y sonrió—. ¿Y qué es ese aparato, a todo esto?

—No me tomará mucho tiempo explicarlo —contestó el señor Steward—. ¿Puedo pasar?

—Si está vendiendo algo… —dijo Arthur.

El señor Steward negó con la cabeza. —No, no vendo nada.

Arthur miró a Norma. —Como quieras —le dijo ella.

Dudó un poco. —Bueno, ¿por qué no? —dijo él.

Entraron a la sala y el señor Steward se sentó en la silla de Norma. Metió la mano en el bolsillo de dentro de su abrigo y sacó un pequeño sobre sellado. —Aquí dentro hay una llave para abrir la cúpula del timbre —dijo y colocó el sobre encima de la mesa auxiliar—. El timbre está conectado a nuestra oficina.

—¿Para qué sirve? —preguntó Arthur.

—Si oprime el botón —le dijo el señor Steward— en alguna parte del mundo alguien que usted no conoce morirá. A cambio, recibirá un pago de 50.000 dólares.

Norma se quedó mirando al hombrecillo. Estaba sonriendo.

—¿De qué habla? —le preguntó Arthur.

El señor Steward pareció sorprendido. —Pero si lo acabo de explicar —dijo.

—¿Es esto una broma de mal gusto?

—De ningún modo. La oferta es completamente genuina.

—Eso que usted dice no tiene sentido —dijo Arthur—. Usted espera que creamos…

—¿A quién representa? —inquirió Norma.

El señor Steward se notó apenado. —Me temo que no estoy autorizado para revelarle eso —dijo—. Sin embargo, le aseguro que la organización es de talla internacional.

—Creo que es mejor que se vaya —dijo Arthur poniéndose de pie.

El señor Steward se levantó. —Por supuesto.

—Y llévese la unidad con usted.

—¿Está seguro de que no le interesaría pensarlo hasta mañana, quizás?

Arthur levantó la unidad del botón y el sobre y los tendió bruscamente en las manos del señor Steward. Caminó por el pasillo y abrió la puerta.

—Dejaré mi tarjeta —dijo el señor Steward. La colocó encima de la mesilla que estaba cerca de la puerta.

Cuando se había ido, Arthur rompió la tarjeta por la mitad y arrojó los pedazos sobre la mesa.

Norma permanecía sentada en el sofá. —¿Qué crees que era? —preguntó.

—No me interesa saber —contestó él.

Ella intentó sonreír pero no pudo. —¿No te da ni un poco de curiosidad?

—No —negó con la cabeza.

Después de que Arthur había retomado su libro, Norma regresó a la cocina y acabó de lavar los platos.

—¿Por qué no quieres hablar de eso? —preguntó Norma.

Los ojos de Arthur se movían constantemente mientras se cepillaba los dientes. Miraba el reflejo de Norma en el espejo del baño.

—¿No te intriga?

—Me ofende —dijo Arthur.

—Ya sé, pero —Norma colocó otro rulo en su pelo— ¿no te intriga también?

—¿Crees que es una broma de mal gusto? —preguntó ella cuando entraban a la habitación.

—Si lo es, es una broma asquerosa.

Norma se sentó en la cama y se quitó las pantuflas. —Tal vez sea algún tipo de investigación psicológica.

Arthur se encogió de hombros. —Podría ser.

—Tal vez algún millonario excéntrico la está realizando.

—Tal vez.

—¿No te gustaría saber?

Arthur negó con la cabeza.

—¿Por qué?

—Porque es inmoral —le dijo.

Norma se deslizó bajo las cobijas. —Bueno, yo creo que es intrigante —dijo. Arthur apagó la lámpara y se agachó para besarla. —Buenas noches —le dijo.

—Buenas noches —Norma le dio palmaditas en la espalda.

Norma cerró los ojos. «Cincuentamil dólares», pensó.

En la mañana, cuando iba a salir del apartamento, Norma vio las dos mitades de la tarjeta sobre la mesa. Impulsivamente, las arrojó dentro de su cartera. Cerró la puerta y alcanzó a Arthur en el ascensor.

Mientras estaba en su descanso sacó las dos partes de la tarjeta y juntó los pedazos rasgados. Solamente el nombre del señor Steward y un número telefónico estaban impresos en la tarjeta.

Después del almuerzo volvió a sacar las dos mitades y unió los bordes con cinta adhesiva. «¿Por qué estoy haciendo esto?», pensó.

Poco antes de las cinco marcó el número.

—Buenas tardes —dijo la voz del señor Steward.

Norma por poco cuelga, pero se contuvo. Aclaró la garganta.

—Habla la señora Lewis —dijo.

—Sí, señora Lewis —el señor Steward se escuchó complacido.

—Tengo curiosidad.

—Es natural —dijo el señor Steward.

—No es que crea una sola palabra de lo que nos dijo.

—Sin embargo, es la pura verdad —contestó el señor Steward.

—Bueno, como sea —Norma tragó saliva—. Cuando manifestó que alguien en el mundo moriría, ¿qué quiso decir?

—Exactamente eso —contestó—. Podría ser cualquier persona. Todo lo que garantizamos es que usted no la conoce. Y, por supuesto, que usted no tendría que verla morir.

—Por 50.000 dólares—dijo Norma.

—Es correcto.

Ella hizo un sonido de burla.

—Eso es una locura.

—Pero esa es la propuesta —dijo el señor Steward—. ¿Desea que le lleve de nuevo la unidad?

Norma se puso tensa.

—Claro que no —colgó malhumorada.

El paquete estaba junto a la puerta principal, Norma lo vio al salir del ascensor. «Bueno, ¡qué frescura!», pensó. Fijó la mirada en el paquete mientras abría la puerta. «Simplemente no lo entraré», se dijo. Entró y empezó a preparar la cena.

Más tarde, salió al pasillo principal. Abriendo la puerta, levantó el paquete y lo trasladó hasta la cocina, dejándolo sobre la mesa.

Se sentó en la sala, mirando a través de la ventana. Después de un rato, fue a la cocina para colocar las chuletas en la parrilla. Colocó el paquete en la alacena inferior. Lo tiraría en la mañana.

—Tal vez algún millonario excéntrico está jugando con la gente —dijo ella.

Arthur levantó la mirada de su plato. —No te entiendo.

—¿Qué quieres decir?

—Olvídalo —le dijo a ella.

Norma comió en silencio. De repente bajó su tenedor. —Supón que es una oferta real —dijo ella.

Arthur se quedó mirándola.

—Supón que es una oferta real.

—Está bien, supón que lo es —él se veía incrédulo—. ¿Qué querrías hacer? ¿Volver a tener el botón y oprimirlo? ¿Asesinar a alguien?”

Norma pareció disgustada. —Asesinar.

—¿Cómo lo definirías?

—¿Si ni siquiera conoces a la persona? —dijo Norma.

Arthur quedó estupefacto. —¿Estás diciendo lo que creo que estás diciendo?

—¿Si es algún viejo campesino chino a diez mil millas de distancia? ¿Algún aborigen enfermo en el Congo?

—¿Qué tal un bebé en Pennsylvania? —Arthur replicó—. ¿Alguna hermosa niña en la otra cuadra?

—Ahora estás exagerando las cosas.

— Norma, el hecho es—continuó—, no importa a quién matas sigue siendo asesinato.

—El hecho es —interrumpió Norma—, si es alguien a quien nunca has visto en la vida y a quien nunca verás, alguien de cuya muerte ni siquiera tendrás que saber aun así ¿no apretarías el botón?

Arthur se quedó mirándola, horrorizado. —¿Quieres decir que tú lo harías?

—Cincuenta mil dólares, Arthur.

—¿Qué tiene que ver la cantidad…

—Cincuenta mil dólares, Arthur —interrumpió Norma—. Una oportunidad para hacer ese viaje a Europa del que siempre hemos hablado.

—Norma, no.

—Una oportunidad para comprar esa cabaña en la isla.

—Norma, no —su cara había palidecido.

Ella se encogió de hombros. —Está bien, tranquilízate —dijo ella—. ¿Por qué te enojas tanto? Sólo estamos hablando.

Después de la cena, Arthur fue a la sala. Antes de abandonar la mesa dijo:

—Preferiría no discutirlo más, si no te importa.

Norma levantó los hombros. —Está bien.

Ella se levantó más temprano que de costumbre para preparar panqueques, huevos y tocino para el desayuno de Arthur.

—¿Qué estamos celebrando? —preguntó Arthur con una sonrisa.

—No, no se trata de ninguna celebración —Norma se mostró ofendida—. Quise hacerlo, es todo.

—Bueno —dijo él—, me alegro de que lo hayas hecho.

Ella volvió a llenar la taza de Arthur. —Quería demostrarte que no soy… —se encogió de hombros.

—¿Que no eres qué?

—Egoísta.

—¿Dije que lo eras?

—Pues —ella gesticuló vagamente—, anoche...

Arthur permaneció callado.

—Toda esa charla acerca del botón —dijo Norma—. Creo que… pues, me malinterpretaste.

—¿En qué sentido? —su voz fue cautelosa.

—Creo que pensaste —gesticuló de nuevo— que yo sólo estaba pensando en mí.

—Ah.

—No lo hacía.

—Norma…

—Pues no lo hacía. Cuando hablé de Europa, la casa en la isla…

—Norma, ¿por qué te estás involucrando tanto en esto?

—De ninguna manera lo estoy haciendo —respiró nerviosamente—. Sólo intento decir que…

—¿Qué?

—Que quisiera un viaje a Europa para nosotros. Que quisiera una cabaña en la isla para nosotros. Quisiera un apartamento mejor para nosotros, mejores muebles, mejor ropa, un auto. Me gustaría que nosotros por fin tuviéramos un bebé, a decir verdad.

—Norma, ya lo haremos —dijo él.

—¿Cuándo?

Se quedó mirándola, consternado. —Norma…

—¡¿Cuándo?!

—¿Estás… —pareció retractarse un poco—, estás diciendo en serio…?

—Estoy diciendo que probablemente lo están haciendo para un proyecto investigativo —lo interrumpió—. Que quieren saber qué haría la gente común frente a tal circunstancia, que sólo están diciendo que alguien moriría para estudiar las reacciones, para ver si hay sentimiento de culpa, ansiedad, ¡lo que sea! No crees que en realidad matarían a alguien, ¿verdad?”

Él no contestó. Ella vio que a Arthur le temblaban las manos. Después de un rato él se levantó y se fue.

Cuando se había ido a trabajar, Norma permaneció en la mesa, mirando fijamente su café. «Voy a llegar tarde», pensó. Se encogió de hombros. ¿Qué importaba?, ella debería estar en casa y no trabajando en una oficina.

Mientras acomodaba los platos, se volvió abruptamente, se secó las manos y sacó el paquete de la alacena inferior. Lo abrió y colocó la unidad del botón sobre la mesa. Se quedó mirándola un rato antes de sacar la llave del sobre y retirar la cúpula de vidrio. Fijó su mirada en el botón. «Qué ridículo», pensó. «Todo este alboroto por un botón sin importancia».

Estiró la mano y lo oprimió. «Por nosotros» —se dijo con rabia.

Se estremeció. ¿Estaría sucediendo? Un escalofrío aterrador la recorrió.

En un momento ya todo había terminado. Hizo un ruido desdeñoso. «Ridículo», pensó. «Exaltarse tanto por nada».

Tiró la unidad del botón, la cúpula y la llave a la caneca de la basura y se apresuró a vestirse para ir al trabajo. Acababa de dar vuelta a los filetes para la cena cuando sonó el teléfono. Levantó la bocina. —¿Aló?

—¿Señora Lewis?

—¿Sí?

—Este es el hospital Lenox Hill.

Se sintió irreal cuando la voz le informó del accidente en el subterráneo: los empujones de la multitud, Arthur había sido arrojado de la plataforma cuando el tren pasaba. Era consciente de que estaba negando con la cabeza pero no podía parar.

Cuando colgó, recordó la póliza de seguro de vida de Arthur por 25.000, con doble indemnización por…

— ¡No! Parecía que no podía respirar. Se incorporó con gran dificultad y caminó atontada hasta la cocina. Algo helado presionaba su cráneo mientras sacaba la unidad del botón de la caneca de la basura. No había clavos ni tornillos a la vista. No podía ver cómo estaba ensamblada.

De repente, comenzó a estrellarla contra el borde del lavaplatos, golpeándola cada vez con más violencia hasta que la madera se quebró. Separó las partes, cortándose los dedos sin darse cuenta. No había transistores en la caja, ni cables, ni tubos. La caja estaba vacía.

Se volvió con un grito ahogado cuando el teléfono sonó. Tropezándose para llegar hasta la sala, levantó la bocina.

—¿Señora Lewis? —preguntó el señor Steward.

No era su voz la que chillaba de tal manera, no podía ser. —¡Usted dijo que yo no conocería al que muriera!

—Mi querida señora —dijo el señor Steward—, ¿en verdad cree que usted conocía a su esposo?

Southland Tales: Las Precuelas en forma de Comic

2011-08-22T00:01:00.000-07:00

Una precuela bien hecha, por Jaime Grijalba.
Hay algo perturbante al leer la crítica de "Southland Tales" (2006) que hizo Roger Ebert, en la cual no se preocupa de investigar más allá de lo que ve frente a sí cuando tuvo que verse enfrentado a ver la película (en dos ocasiones, ni más ni menos), partiendo por el hecho de que se trata de una crítica negativa, sino porque hace referencia a que esta película de ciencia ficción le estaría haciendo homenaje a la serie de películas Star Wars, y que prácticamente tendría los mismos afanes de grandeza, ya que esta empieza con un cartón que dice "Episodio IV". Por eso acuso de miopía a Roger Ebert y simplemente no querer informar o no querer informarse acerca de la existencia de tres novelas gráficas escritas por Richard Kelly, y que más que explicar qué es lo que sucede en la película, simplemente se dedica a ampliar el universo, entregándonos los tres episodios anteriores de esta épica moderna de la ciencia ficción.

Ilustradas por Brett Weldele, las tres novelas gráficas formaban parte de una experiencia interactiva completa que fue echada a tierra debido a la mala prensa que recibió la película, aparte de no conseguir una distribución y dinero suficiente como para ampliarla tal cual como Kelly quería, pero al menos logró publicar estas historias que forman parte esencial de la historia de "Southland Tales" (2006), donde se puede entender (para quienes no quisieron leer profundamente dentro del espacio del largometraje) cuál es el verdadero sentido detrás de cada uno de los eventos, además del background de muchos personajes, algunos de los cuales ni siquiera sabemos cuando terminamos viendo la película (quedaron fuera desde su primera aparición en el corte que se presentó en el Festival de Cannes, donde supuestamente fue abucheada (aunque hay videos que demuestran lo contrario, prácticamente todas las películas son abucheadas en Cannes).

Estas tres novelas gráficas son esenciales para dos tipos de personas: quienes disfrutaron y entendieron la película tal cual es, y para quienes no la entendieron y vieron algo de valor, pero que no quisieron alabar completamente debido a su incomprensión. Todavía se venden, todavía se pueden conseguir, son atrayentes, el trazo y dibujo es creativo e interesante, aparte de tener extractos de un guión ficticio, que es simplemente comiquísimo, aparte de indicar la cantidad de pensamiento y trabajo puesto por Richard Kelly en esto, que prácticamente escribe dos guiones (tres si consideramos que los guiones de comic son distintos a los de cine). Esto demuestra su poder como contador de historias.

Resumen Blogathon Richard Kelly

2011-08-21T00:01:00.000-07:00

Sobre la obra de Richard Kelly
· "Do you ever feel like there's a thousand people locked inside of you?" - The Projector Has Been Drinking.

Sobre "Donnie Darko" (2001)
· Affected Agency: A Cross Examination of Free Will in “Donnie Darko” (2001 and 2004) - Olabode Olakanmi
· Sentimientos y Visión Personal de "Donnie Darko" (2001) - Carol Brito
· "Donnie Darko" (2001): ¿Obra Maestra Accidental? - Ignacio Goldaracena

Sobre "Southland Tales" (2006)
· A Wounded America : Bad Lieutenant and Southland Tales - Checking On My Sausages
· Abilene Point is Anywhere: How Texas Conquered Death - SOUTHLAND TALES (2006) - Acidemic - Film

Sobre "The Box" (2009)
· The Box - Notes - Checking On My Sausages
· Thursday's Ways Not To Die - my new plaid pants

GRACIAS A TODOS.

Blogathon Richard Kelly Último Día

2011-08-20T00:01:00.000-07:00

Estoy agradecido de quienes leyeron, de quienes participaron y de los que recibieron mis emails pacientemente mientras les avisaba que los plazos se acababan, los nuevos ensayos que me llegaban, todo lo cual hizo de esta aventura algo muy entretenido y sorprendente, la verdad es que no esperaba una respuesta tan efusiva de vuestra parte. Pero basta de cháchara, les dejo con los links de hoy:

La Obra:
· Marc del sitio "The Projector Has Been Drinking" da una visión general a la obra de Richard Kelly (incluyendo "Domino" (2005) ), desde una perspectiva más realista y no tan complicada como la que le he dado a lo largo de estas semanas a toda la obra de Richard Kelly. La verdad es que está hecho para hacerte dudar de tus propias concepciones sobre la obra de Kelly, y merece ser leído.

Y eso ha sido todo gente, espero que hayan disfrutado todo y que lo hayan pasado bien, yo me siento muy satisfecho y listo para tener una blogathon más. Pero esto no termina, el mes de Richard Kelly sigue con más contenido de lo que ustedes creen. ¡Vuelvan este lunes para seguir!

' "Donnie Darko" (2001): ¿Obra Maestra Accidental?' por Ignacio Goldaracena

2011-08-19T00:01:00.000-07:00

Orgulloso una vez más de la calidad de los trabajos que estoy recibiendo para esta oficialmente exitosa blogathon sobre este director que ha inspirado a los más diversos y a la vez talentosos escritores de la blogosphera y también fuera de ella. Este es el tercer ensayo completamente original que recibo y se trata de uno muy bueno, así que comenten. Esto cuenta como el quinto día de esta blogathon.- Jaime Grijalba.

por Ignacio Goldaracena.

A estas alturas no sé si sea necesario explicar la trama de Donnie Darko. No solo porque ya se ha hecho en esta misma blogathon, sino porque creo que ya la gente está familiarizada con la película. Es una de las películas de culto por excelencia y no es raro que se cite dentro de las favoritas de muchos adolescentes. ¿Y quién lo hubiera pensado allá por el 2001, cuando se estrenó por primera vez?
Donnie Darko se ha establecido, casi sin quererlo, como LA película de culto de la década y una de las más importantes de la historia. Algunos pueden encontrar exagerado afirmar esto, pero es innegable que ha envejecido bien. Después de diez años se sigue hablando de ella (como nosotros mismos lo estamos haciendo ahora) y creo que no hay muchas dudas de que seguirá siendo así en el futuro.
Y repito, ¿quién hubiera pensado hace una década que el debut de bajo presupuesto de un director de veinticinco años tendría el impacto que tiene actualmente? Quizás ni siquiera los mismos creadores lo imaginaban. Un estudio poco conocido y un protagonista que aún no había demostrado su talento frente a la cámara eran también señales de desconfianza. Nada indicaba en su momento que se trataba de una película que llegaría a ser lo que es ahora.
Y es por eso que considero importante el plantear si Donnie Darko se trata de una obra maestra por accidente.
Las primeras razones lógicas que llevarían a cualquiera a pensar que el resultado final no fue el planeado originalmente tienen que ver con el director de la cinta: Richard Kelly. No solo se trataba del debut del norteamericano, sino que su corta edad – veinticinco años- daban cabida a la duda. Si examinamos su filmografía posterior, nos damos cuenta de que su éxito es mucho más discutible. Darko fue mucho menos polarizadora que Southland Tales, por ejemplo, que tuvo críticos llamándola “una catástrofe confusa, ridícula, pretenciosa y desastrosa” (Richard Roeper) y otros explicando que “todas sus fallas son intencionales, si es que acaso tiene fallas” (Rob Gonsalves). The Box, estrenada en el 2009, también fue recibida de forma mucho más cautelosa que Donnie Darko, generando opiniones opuestas.
Después está la disputa sobre la superioridad de la versión original de Donnie Darko por sobre la otra versión de la película, el Director’s cut. ¿Cuál fue la que realmente debió ser mostrada? Y, teniendo y habiendo visto ambas, ¿cuál es mejor? ¿Cuáles son sus diferencias? ¿Importa siquiera?
Es debatible cuál es superior. El director’s cut, de duración más extensa, contiene escenas adicionales, entre las que se encuentran más explicaciones o ‘pistas’ (por decirlo de alguna forma) que indican la razón de los eventos. Hay diálogos y escenas nuevas, como en la que se muestran extractos directos de “La filosofía del viaje en el tiempo” que facilitan la comprensión de los eventos.
La versión original para muchos puede resultar incoherente (quizás no tanto para quienes la hemos visto obsesivamente), pero en mi opinión, uno de los grandes aspectos de ella es que, al no ser tan precisa, invita mucho más a la reflexión y a la participación de la audiencia. Deja a la interpretación e imaginación de nosotros varios aspectos y detalles de la película, así como lleva a cuestionar el sentido global de la película, si es que todo fue real o no.
Independiente de la versión que se vea, una de las características que han hecho que la película tenga el legado que ha tenido es la forma en que nos identificamos con ella. Donnie Darko ha permitido que muchos nos relacionemos con eI personaje principal porque la historia es, más allá de conejos hablantes, escuelas inundadas, motores de avión y el aspecto de ciencia ficción que la guía, una muestra de la vida de un adolescente y su familia en el día a día en los suburbios de los 80. Kelly afirmó que eligió basar la película en dicha época porque era ésta en la que el creció y la que él conocía mejor, y eso se hace evidente. La atmósfera creada aquí es realista, consistente y atrapante.
Y si de destacar aspectos individuales se trata, no se pueden dejar fuera secuencias como la inicial, con Donnie despertando en un cerro y volviendo en bicicleta a su casa, o la que parte desde un bus escolar y nos muestra el colegio con "Head over Heels" sonando en el fondo. También destacables son las actuaciones. JakeGyllenhaal crea aquí su papel más memorable, y Mary Mcdonnell, como la madre de Donnie, presenta una de las mejores interpretaciones que he visto.
Creo que más allá de preguntarnos si DonnieDarko es o no una obra maestra, tenemos que entender lo que significa para nosotros y agradecer que exista. Películas así no se crean todos los años, aunque sea por accidente.

Blogathon Richard Kelly Día 4

2011-08-18T00:01:00.000-07:00

Luego de dos días con ensayos originales, impresionantes y emotivos para mí, les vuelvo a tener links a piezas originales que han sido puestas en diversos lugares de la blogósfera, me siento muy orgulloso de poder contar con tanto talento y de personas a las que admiro demasiado. Sin más preámbulo los dejo con los links para el día de hoy:

Southland Tales (2006)
· Erich Kuersten, escritor extraordinario y uno de los blogueros que más admiro y son los más admirados de la internet, en su profesional e impresionante blog "Acidemic - Film", que siempre sorprende con sus inteligentes miradas sobre distintas películas. Ahora realiza un update a una entrada antigua sobre el segundo largometraje de Richard Kelly, dándole una mirada Post-Cinemática. Muy interesante.

The Box (2009)
· Jason Adams, otro de los blogueros que más admiro en la internet, debido a su estilo personal y por la gran canridad de entradas y cariño que le pone a su blog "my new plaid pants", la verdad es que me enorgullece tener su participación en la forma de un post, uno de sus afamados "Thursday's Ways Not To Die" sobre una muerte en específica, pero que se desvía hacia una reflexión acerca de la obra de Richard Kelly.

'Sentimientos y Visión Personal de "Donnie Darko" (2001)' por Carol Brito

2011-08-17T00:30:00.000-07:00

Algo que no esperaba, mi polola escribió un pequeño ensayo/apreciación sobre "Donnie Darko" (2001), y ella misma eligió la imagen de arriba. Estoy orgulloso de ella y espero que lo lean con entusiasmo. Esto cuenta como el tercer día de la blogathon.- Jaime Grijalba.

por Carol Brito.

Cuando me hablaron de esta película, pensé “¿Será tan buena como me dice? ¿Será tan aburrida al extremo de llegar a bostezar en medio de ella?”. En realidad, siempre me pasa lo mismo. Siempre me rehúso a ver películas con nombres medios raros, pensando que son raras, sin sentido, etc. Pero algo me dijo que debía ver Donnie Darko.
No sé mucho de cine, apenas soy una estudiante de secundaria, una espectadora más. Sin embargo, esta película me enamoró, me dejó pensando durante mucho tiempo sobre la filosofía de la vida o algo más allá de eso, como el viaje en el tiempo.
Se estrenó el 2001 en los Estados Unidos, la cual nunca llegó a los cines Chilenos (lamentablemente), por razones que aún desconozco. El actor Jake Gyllenhaal, (quien interpreta a Donnie Darko) en esa época tenía 20 años y su actuación en aquel entonces, me dejó perpleja, casi con la boca abierta. Nunca me había dado el tiempo de verlo en otras películas, es más, ni siquiera sabía de su existencia. Lo conocía de cara, pero su nombre jamás lo había escuchado. O nunca me di el tiempo.
El conejo Frank, para mí, se volvió un icono del terror pero a la vez, algo así como tierno, gracioso, misterioso y…también diabólico. Suena algo loco, pero desde mi punto de vista, lo veo así.
Gretchen Ross (Jena Malone) es la típica niña callada, fría pero a veces cariñosa, un poco ruda e irónica. Su lado rudo se puede ver en el momento donde los dos tipos del colegio la acosan en el paradero y ella, al unirse a Donnie, se da vuelta, haciéndoles un gesto obsceno y gritándoles: “Fuck’em”. Amo este personaje por su personalidad y su forma de reaccionar frente a los demás.
Donnie Darko (el cual se me había olvidado mencionar) es el niño raro del colegio, al cual se le conoce del “Freak” o poco sociable. Muchos lo juzgan por su apariencia, su forma de actuar, pero nadie se dio el tiempo de conocerlo, entenderlo. Sufría de esquizofrenia, causa por la que sufría alucinaciones. Creo que la única que trató de acercarse a él fue su profesora de literatura: Karen Pomeroy (Drew Barrymore).
El final de este filme, deja perplejos a todos, dejando una pregunta que no saldrá muy fácil de la cabeza del espectador: ¿Será efectiva la tesis que se plantea allí? Es como una especie de coda que se deja inconscientemente, como una especie de mensaje subliminal. Definitivamente, pensar en la película, hace que vuelva a mí esa duda.
El director Richard Kelly acertó con el elenco, la forma en que se trato la historia, la escenografía, la trama, etc. Es una de las películas que dejó una marca muy profunda en mi corazón y mente. La primera película que me empujó hacia la fascinación por el cine.

'Affected Agency: A Cross Examination of Free Will in “Donnie Darko” (2001 and 2004)' por Olabode Olakanmi

2011-08-16T00:01:00.000-07:00

Estoy más que orgulloso de presentarles un ensayo original que llegó para esta blogathon sobre "Donnie Darko" (2001), y en inglés. Así que los dejo con esta pequeña obra maestra sobre mi película favorita de la historia del cine. Esto cuenta como el segundo día de la blogathon y su única entrada.- Jaime Grijalba.

By Olabode Olakanmi..

In Richard Kelly’s cinematic realms there are always forces vying to influence the way characters live their lives. The most pertinent and sublime of these is the paranormal. It encroaches the other aspects of the characters lives for its own purposes, while the extent of its influence can be infinitely far reaching to relatively, in comparison, banal. Each version of “Donnie Darko” shares the same end goal, yet the source of salvation differs and drastically undercuts the protagonist and his world’s level of agency in one version more than the other.
Both “Donnie Darko” theatrical cut (2001) and director’s cut (2004) inject a hero’s attempt to avert a procedural cross-dimensional doomsday scenario into a tale of suburban malaise. Labeled as the Living Receiver, he is aided in this quest by an entity that has some to total control over the space-time continuum. If he fails the universe will collapse, ending all existence. If he succeeds his life will be forfeited.
The manipulator--individual(s) producing the psychic intrusions plaguing the protagonist--never seem to have evil intent. Still, the road to completing their desires is fraught with few positive and many negative outcomes involving emotional and physical injury, even death. At the same time, if successful, the protagonist is allowed to imbue some type of change, seemingly small in scale, to the diegesis in an emotional, yet almost vicarious manner. A compulsory reward necessitated by the use of a final Ensurance Trap.
Our hero receives much of his charge from a book entitled The Philosophy of Time Travel. Written by a nun named Roberta Sparrow who subsequently left the Church to become a teacher, the work blends spirituality and science to produce a tome that will help guide Donnie complete his mission. The boy’s Messianic arc in the theatrical cut along with discussions of agnosticism allude him to be in touch with an entity that, if not God, has many of the abilities and mannerisms attributed to the Judeo-Christian patriarch in the New Testament, supposed miracles and popular fiction. It can warp time and space and grant powers, but these are often kept vague and intangible. It cares for the spiritual and physical well being of its’ subjects. This force uses broader strokes of influence to coerce Donnie into stopping the Tangent Universe from collapsing.
From the standpoint of the director’s cut, viewers learn the temporal machinations are by a future human intelligence; due to this it will be assumed, for ease of argument, no omniscient entity exists in this diegesis. Mirroring Arthur C. Clarke’s 3rd Law these people use fantastical technology, evidenced by ocular images of computer logs, grids, static chatter with instructions to PURGE, fireworks and more, to remove a dimensional infection they caused. Their technology/ability is kept vague as well, however even though many events remain the same as in the theatrical cut, the plotline provides evidence that manipulation is inputted more so and, at times, in a far cruder manner.
A prime example of these finite, yet important differences in methodology is Donnie’s prompt to write Roberta Sparrow a letter. In the theatrical cut, Donnie is given this generalized suggestion through a joke from his friend, Ronald, as they make fun of Mrs. Farmer almost hitting the former nun with her car. Whereas the director’s cut also includes Frank’s disembodied voice at a later time instructing him to write her. Sparrow’s immediate pertinence is amplified to an unneeded degree since Donnie’s path through the Tangent Universe would undoubtedly have him discover her book via Kenneth Monnitoff. While excessive, the action indubitably ensures that the most recent Living Receiver will be in place for the Ensurance Trap.
The theatrical cut offers Donnie vague dreams, i.e. future city partially submerged in water, and other images that undoubtedly affect his view of the world and, upon reflection, in part, make him realize how special he and the world truly can be. They help make what he’s reading and experiencing more palatable and resonant with his inner turmoil and the sacrifice to be made without fully occluding his faculties. Compare this to the incautious programming utilized in the director’s cut where specific images and data are constantly being fed into Donnie’s nervous system to instruct him, consciously or unconsciously, on foreshadowed events. There is less wonder presented to the protagonist, such as the lack of an ushering hand from the liquid spear, as he is moved from point A to B. Everything is reduced to psychic input jutted into his mind with no other reason than to get the job done.
One may find these examples as evidence of bias on the part of this author, nevertheless let there be a comparison of another minute but consequential difference between the two films. Near the end of both cuts Gretchen Ross, Donnie’s girlfriend, is killed by a sports car trying to avoid Roberta Sparrow. In the theatrical version, the elderly woman then merely walks back to her home, traversing the to-and-fro from the mailbox as she has done for decades. In turn, leaving Donnie to his thoughts, to the choice he must make.
The latter film has her tell Donnie to hurry, “A storm is coming.” This accident is the conflict that brings our hero low enough so there is no other option than to sacrifice his life. A caring, which is the operative word, and omniscient force would let him be as occurs in the theatrical cut. Telling Donnie to get up and go at this point in time is symptomatic of human frailty and selfishness. The comment seems redundant in the face of things and reeks with the desperation of a force that has no faith in its own tactic; one that, according to the printed procedural, has been used for hundreds, perhaps thousands of years.
These small choices reveal an emotive incongruity in the director’s cut. The narrative ties the healing of the universe with the emotional and spiritual renewal of the protagonist. However, this only holds entirely true for the theatrical cut which has a Deity of some sort rather than human scientists. The contents of Sparrow’s book give no indication of human involvement in the universe’s collapse, instead referring to the incident as an act of God. Which, under pejorative inspection, means the manuscript of the director’s cut is burdened with at least one important piece of misinformation. Can anything in that book be considered tantamount to truth, especially with the importance of its contents? Even if it could the work only conciliates on a base instructional level. Donnie’s pathos is resolved through experiences with others within Tangent Universe, not from the superlatively indistinct directions the book provides. The 2004 version of Donnie isn’t allowed to find himself and parts of the world worth saving. Instead, he is subjected to stimuli that merely direct him towards certain points, so that he can arrive at a destination to save others from their own mistake. He truly does die alone.
Some may claim that either way agency is completely lost no matter the manipulator’s point of origin or parallel intentions while saving the universe. This can be argued away if one is willing to modify their definition of free will to that of the theatrical cut. A segue into this definition deals with the beginnings of manipulation. Each plan of coercion has a starting point determined by the initial need for manipulation and the influencer’s level of ability to set things right with as little temporal distortion as possible.
Earlier it was deduced that an entity similar in ability to the omnipotence of a Judeo-Christian God is present in “Donnie Darko” (2001). According to The Philosophy of Time Travel this apocalyptic glitch in the universe occurs repeatedly. And every time a Living Receiver is required to go through the maneuverings to remove The Artifact. If this entity knows all why wouldn’t there by an attempt to obviate the regular breakdowns of reality altogether? Is the universe like a car that needs its oil changed every three thousand miles? This might reduce the appearance of omnipotence or cast the entity as a perpetual sadist until examining the final state Donnie.
The boy dies laughing, filled with a love of life and the trials that got him to this point. There is an attempt at catharsis in all of Kelly’s films, to show that the main characters have become spiritually improved through their ordeals. The entity, or God if you will, being all-powerful, can bend the laws of nature to its will, but chooses not to so a lost soul can find its way. Here, the path to saving the universe centers on healing the psyche of a lonely boy.
Because of the oddness and profundity of events the journey through the spiritual rabbit hole is likely a natural occurrence for each Living Receiver per universal collapse. In order to capitalize on this staple means the overarching plan must have been set in motion before the film’s events, so Donnie could be in a plane where a personality suited to youthful mistakes, i.e. burning down a house, could eventually be rescued from depression, hallucinations, psychological treatment, paranormal activity and the many confluences of activity that take place and end in an emotionally therapeutic release. A feat like this would take generations to plan and execute all the minutia of Donnie’s future life, including the lives of integral people on the margins like Roberta Sparrow, Jim Cunningham, Kenneth Monnitoff, Karen Pomeroy, Dr. Lilian Thurman or Gretchen’s family line before coming to Middlesex.
Suffice to say these chains of events may have been in place since the beginning of time itself. Thereby allowing eras for every single variable to innocuously mature from early settlers founding the town to the creation of engines, airplanes and the routes that govern them to the tender moments that lead to Donnie’s conception to young punks who “like to steal shit” to the underlying incidents that lead to Jim Cunningham’s pedophilia to Frank’s timely thirst for beer, the means to get them and much more. Ubiquity throughout the entire realm of time and space is the only way to adequately explain the buildup without drastically and spontaneously affecting the timeline. Not only for Donnie but all Living Receivers past and future, especially with so much time devoted to the revelation of Donnie’s agnostic leanings.
The director’s cut’s future humans are the less extraordinary of the manipulators. They influence out of the simple need of self-preservation, which will incidentally save the lives of everyone else in the diegesis. Without the inherent love that a Deity has for one of its subjects there is no need to have the universe collapse at all, other than it’s the result of an accident that couldn’t be resolved due to metaphysical limitation. This means their sphere of influence is somewhat restricted. Any redeeming experiences Donnie can glean are, to the future humans, minor if not separate from the difficult task at hand. No wonder the victorious feeling the fireworks are trying to ignite at the end of the mission feel subdued. They speak of a shortsightedness where nothing is as important as the goal and the end justifies the means.
With this information in hand a critical range of the humans’ influence can be hypothesized to start at a point between Roberta Sparrow’s epiphany, which led to the writing of The Philosophy of Time Travel and the first time Frank summons Donnie. Neither antecedent is early enough to build the future events in a minimalist fashion. If the former, over the next few decades minds will have to be wiped, families moved, mental illnesses, violent and sexual tendencies inputted to those born and those yet to be. If the latter, all of these would have to occur overnight or over the next couple of days to be in place for Donnie’s sacrifice less than a month later.
It makes one want to reexamine and contextualize even the smallest of events. Does Cherita, one of the lives improved through sacrifice, love Donnie because she’s known him for a while and has seen the kindness in him? Or were the levels of testosterone and other of her faculties mechanically manipulated when Donnie defended her at the bus stop? Of course, this is under the assumption from Sparrow’s book that the Living Receiver and Artifact can’t be chosen, only dealt with.
If the Living Receiver can be anyone, and there’s no evidence that’s the case, why pick Donnie? From a narrative and spiritual (entity) perspective his inward revelation is the arc that carries the viewer through the film. The spiritual and emotional rejuvenation is intertwined and just as important as the metaphysical. For this reason he is chosen. From the logic of a scientist trying to prevent existence’s destruction choosing Donnie makes little sense. Surely there would be individuals with far greater mental illnesses that could be more easily maneuvered into entering a portal. Thus, Donnie is, for some inexplicable reason, the only possible candidate by random chance or ability.
In the end, Donnie Darko dies so everyone else may exist. He makes, in the whole scheme of things, minor alterations so that two people get to live better lives. For the most part everything is the same as before, except he’s gone. This is a return to normality, a timeline of existence that initially subsists relatively free of manipulation, especially in the director’s cut. What humans know as free will, as agency, is contained within this timeline, whether created or always existing. Manipulation, loss of agency, occurs when a human is plugged into “God’s channel” and induced to perform a specific task that takes him/her out of their intended path. This extends to the Manipulated Living who are also affected by the protagonist’s choices while part of this channel.
To attain a true sense of agency loss one must finally examine the disorder left in the manipulator’s wake. In the theatrical cut, due to the higher power’s omniscience precautions are set from the beginning of time and happen as it’s wished to be and complimentarily forge the Donnie-improved timeline. Thus, a return to perhaps not free will in the truest sense, yet something that’s consistent with every other “freethinking” human being in this existence. Life returns, more or less, to its primary setting. Unfortunately, the same can’t be said of the director’s cut where people are permanently swayed from their normal timelines without the ability to register the difference, except in their dreams.
The future of the director’s cut will be an ever-growing lie that continually bars untold numbers from their true selves. They are on an unnatural path set by the future humans who will most likely not return to clean up their mess in order to prevent creating another one. Will this be detrimental to the universe? Is this the reason that another Living Receiver will be required generations in the future? All that is known is life will continue in some fashion till the next time the universe collapses and the pieces for healing need assembly.

Blogathon Richard Kelly Día 1

2011-08-15T00:30:00.000-07:00

Bienvenidos al primer día de esta blogathon dedicada al director norteamericano Richard Kelly. Espero poder recibir sus colaboraciones al jaimegrijalbagomez@gmail.com o en los comentarios acá abajo. Pues bien, estos son los links de hoy:

Southland Tales (2006)
· Stephen Russell-Gebbett del sitio "Checking On My Sausages" le da una mirada a la película de Richard Kelly, comparándola con "Bad Liutenant: Port of Call New Orleans" (2009), de Werner Herzog, ambos como ejemplos de una radiografía de una norteamérica herida acá. Debo notar que esta fue una de las primeras entradas que leí del blog "Checking On My Sausages", que es estupendo y se encuentra entre mis links esenciales.

The Box (2009)
· Stephen Russell-Gebbett, nuevamente, mira a esta película de Richard Kelly con una luz positiva, dándonos notas sobre cosas en las cuales pensar. Imprescindible.

Los espero mañana.

Richard Kelly Blogathon Inicia

2011-08-15T00:01:00.000-07:00

¡QUE VENGAN LAS COLABORACIONES!

(cada día postearé todas las que reciba en el mail).

Rogues Gallery (2010)

2011-08-12T00:01:00.000-07:00

La última película, hasta ahora, de la productora de Richard Kelly Darko Productions, conocida más como Operation: Endgame tiene un curioso origen y un genial desenlace. Todo parte con el concurso Scriptapalooza del año 2004, donde Brian Watanabe empató en el primer lugar de guiones de comedia con su guión llamado 'The Rogues Gallery', pasaron muchos años antes de que la película llegara a su completación final, luego de una reescritura y readaptación (y seguramente una actualización política), seguramente desde una crítica directa a la oficina de George W. Bush, a una en la cual esta crítica se vela un poco más (pero existe), para pasar a una mirada de esperanza fijada en la figura de Barack Obama, que vendría a trapear el suelo con todos los errores anteriores del impresionantemente inútil gobierno anterior... ahora, que eso se haya cumplido es otra cosa, pero la película suda de admiración y esperanza, pues la acción ocurre al mismo tiempo que Obama realiza su juramento y primer discurso a la nación.
La película triunfa en muchas formas y dos son las razones principales, las cuales están completamente imbuidas una con la otra que resultan en una explosión de grandeza que resulta muy bien para todos los involucrados. Primero, tenemos un casting espectacular con actores como Joe Anderson, Ellen Barkin, Maggie Q, Zach Galifianakis, Adam Scott, Brandon T. Jackson, Emilie de Ravin, Beth Grant, Michael Hitchcock, Ving Rhames y Jeffrey Tambor... no serán muy conocidos, pero para quienes reconocen los nombres, resulta ser bastante sorprendente e increíble ver esa cantidad de talento puesto. Ahora, les cuento que la gracia de esta película es que la mayor parte de los actores que acabo de nombrar, pelean entre sí, en luchas simples y con una expectacular coreografía que resalta en cada golpe, patada y lanzamiento de objetos de oficina, que le da un tono distintivo a cada uno de los momentos. La película puede no ser más que una colección de una pelea tras otra y otra, pero eso es lo que es y lo hace bien, muy bien.
La trama de "Rogues Gallery" empieza con un nuevo agente que baja pisos y pisos bajo un edificio gubernamental, donde dos grupos de espías se enfrentan cuando el jefe de ellos muere, y estando la facilidad cerrada, uno de ellos debe ser el culpable. Los dos grupos se enfrentan y se acusan mutuamente, empezando pronto la masacre que los llevará a una serie de muertes graciosísimas, mientras que en el fondo empieza a andar una bomba que destruirá toda la información secreta que ha podido encontrar este grupo de espías a lo largo de los últimos años. Y eso es todo, es simple, es entretenido, es altamente recomendable y vale la pena tremendamente, uno de los movimientos inteligentes de Darko Productions fue producir esta comedia de acción, porque sí, es una comedia, entretenida y llena de inventiva.

I Hope They Serve Beer in Hell (2009)

2011-08-11T00:01:00.000-07:00

Debe haber alguna razón por la cual la historia de Tucker Max, el escritor y ente que "protagoniza" de alguna forma esta película, resultó interesante para Richard Kelly y el equipo de producción de Darko Productions para hacer de esta su tercera y última película del tríptico que lanzaron el año 2009, y que se completa con "The Box" (2009), dirigida por el mismo Kelly, y "World's Greatest Dad" (2009), que fue una gran decisión de parte de ellos y que dió como resultado una gran comedia negra. Pero esto está en otro nivel de humor y en otro nivel de calidad completamente diferente a estas otras dos películas, así que la pregunta del millón es qué fue lo que se vio en este proyecto, basado en un libro, que cuenta las aventuras sexuales de un desagradable tipo que prefiere joderse a una tipa ebria a comprometerse en una relación seria... nadie lo critica por eso, pero su actitud hacia todas las mujeres como si fueran unas zorras fáciles de embaucar, es un tanto desagradable. Pero creo saber la razón tras esto, la película está llena de humor del tipo más bajo, casi como de esos universitarios norteamericanos de fraternidades, y sucede que Richard Kelly fue uno de esos universitarios... allá él, pero es una teoría.
La película cuenta una breve historia que parece más como el primer capítulo de una serie sobre Tucker Max que ojalá no quisiéramos nunca ver. Parte con una asquerosa historia y el plan de un grupo de amigos, comandados por Max, para llevar a uno de sus amigos que se va a casar prontamente a un lugar de strippers, para darle un premio, sonará conocido para algunos "The Hangover" (2009), pero la copia es imposible dada su cercanía. Uno de estos amigos es como extraño y, en verdad, lo mejor de la película, cuando este gamer un tanto trastornado se encuentra con una stripper de buen corazón (alerta de cliché), que también juega videojuegos y tiene un hijo para el cual quiere un padre. Por su parte, Tucker Max arruina, de alguna forma, la boda de su amigo al meterlo en la cárcel, y todo empieza a ir... ¿regular?
Lo que pasa es que la película se alarga con escenas donde mujeres nunca se desnudan completamente, escenas con Tucker Max, o escenas en las cuales no pasa absolutamente nada. Eso aparte de un falso final en el cual creemos que Max ha aprendido una lección acerca de cómo tratar a las mujeres, pero la verdad es que no ha cambiado nada, y eso enfurece a cualquiera, aparte del tono amateur que cubre las actuaciones y la calidad técnica de la fotografía y los sets, que se ven completamente vacíos. Espero que haya sido barata, al menos, pues tuvo algo de éxito entre quienes disfrutan este tipo de humor.

World's Greatest Dad (2009)

2011-08-10T00:01:00.000-07:00

¿Cuál es la mejor forma de la que se puede empezar una productora? Con un éxito de enormes proporciones, con una película que cambia paradigmas y nos de algo que nunca antes ha sido tocado por la comedia, con una comedia negra de verdad, con esas que no tienen vergüenza de burlarse de todo y no dejar ningún tema sin tocar. Gracias al buen ojo de Richard Kelly y sus compañeros con los cuales forma la productora Darko Productions, pudieron obtener y producir la película más nueva del actor y director Bobcat Goldthwait, que es más conocido por la gran mayoría como el más loco criminal (y luego policía) de la serie de películas "Locademia de Policías", e incluso ahora su última película "God Bless America" (2011) será producida por Darko Productions, pues el resultado del trabajo conjunto con la comedia negra más exitosa y aclamada de los últimos tiempos, "World's Greatest Dad", y eso es aparte de haber conseguido un inmejorable casting con grandes actores e impresionantes sorpresas en cada nivel departamental.
La historia parte con el mejor padre del mundo, interpretado por Robin Williams, que tiene un hijo adolescente, interpretado por Daryl Sabara, que está en esa época en la cual no puede esperar a la siguiente oportunidad para masturbarse, etapa que muchos parecen no poder superar cuando pasan los años. Este niño, sin embargo, no es completamente sutil, y menos inocente en su libidinosa práctica, pues su padre pasa pillándolo en pleno acto, y hay veces en que se encuentra en el estúpido acto de la asfixia masturbatoria, en el cual también se ha visto sorprendido. El personaje de Robin Williams se encuentra frustrado como profesor de literatura, teniendo varios manuscritos de poesía sin publicar, aparte de su imposibilidad de atraer una compañera profesora, se encuentra frustrado... pero dadas las circunstancias, se logra que ellos dos salgan, pero cuando vuelve de la cita, encuentra a su hijo realizando esa técnica de asfixia y placer, pero este ya no se está moviendo. El padre luego de llorar unos segundos, se dedica a darle una muerte digna a su hijo, colgándolo en el ropero para hacer como que se ha suicidado. Aquí empieza lo increíble, como todos creen que se ha suicidado, él escribe una carta de despedida que ha sido considerada una pequeña obra maestra y por lo tanto se difunde rápidamente. La fama es tanta, que hace un "descubrimiento" de unos poemas de su hijo, que son los suyos propios, pero que decide hacer pasar para poder seguir siendo famoso, a costa de la prematura muerte de su hijo.
La película puede sonar así a primeras como un drama tortuoso, pero se mueve por los ámbitos de la comedia negra bastante fácilmente, logrando hacerte reir y a la vez desesperarte ante las situaciones tensas que nos propone el director y Robin Williams, que realiza una de las mejores actuaciones de su carrera. El input de la productora de Richard Kelly y sus amigos es mínimo, pues se nota que es un proyecto completamente pasional de Bobcat Goldthwait, y eso se agradece a ellos que pudieron aceptar un proyecto arriesgado, pero que se convertiría, en su año, en una de las mejores actuadas, fotografiadas y dirigidas.

S. Darko (2009)

2011-08-09T00:01:00.000-07:00

¿Quién no podría ser reacio a la idea de una secuela para una de las películas más conclusivas de la historia del cine? ¿Cómo puedes hacer "Donnie Darko 2" sin sonar como un bendito estúpido? Quiero decir, al final de "Donnie Darko" (2001) tenemos a una familia destruída y al protagonista muerto luego de un increíble periplo espacio-temporal confuso en la mejor manera imaginable, los problemas se resuelven, la muerte de Gretchen, de la madre de Donnie (Rose), de la hermana de Donnie (Samantha) y de Frank, se han evitado completamente gracias al viaje realizado para estabilizar el universo tangente que ha salido. No puede haber mejor cierre que el de una familia destruida, pero a salvo de la muerte, sin saber qué es lo que les ha golpeado, sin saber las experiencias increíbles que ha vivido su hijo para que puedan estar bien, una secuela sería impensable.
Pero obviamente la compañía que es dueña de los derechos de "Donnie Darko" (2001) no es estúpida como para hacer una secuela directa, con la participación de Jake Gyllenhaal o de Richard Kelly en alguna forma. No, simplemente se aseguraron de tener a la actriz Daveigh Chase, que interpretó a Samantha Darko en la película original y decidieron hacer otra historia completamente alejada a todo lo que significaba "Donnie Darko" (2001), simplemente imitando a su vez todos los grandes elementos que tenía ese filme. Lo que nos queda es un montón de intentos de imitaciones de escenas que en algún momento en su contexto original resultaban impresionantes, pero acá no son más que pálidas reconsideraciones que no se ve bien, se siente repetido y hecho sin la misma cantidad de talento o cariño puesto a lo que se está contando.
La gracia de esta secuela, supuestamente, es que ocupa la misma mitología del libro "Filosofía de Viaje en el Tiempo" de Roberta Sparrow, pero la película se narra desde la perspectiva del muerto manipulado. La historia se sobre complica cuando nos encontramos que estos sucesos "raros y poco frecuentes", como es el de la aparición de un universo tangente se suceden de forma paralela una dentro de otra y con personas directamente relacionadas. Si eso no es saltar el charco, no sé lo que sea. Pero no creo que la idea de una secuela hubiera sido completamente horripilante si es que hubiera sido tomada de otra forma. Si el fin no hubiera sido imitar completamente cada uno de los símbolos icónicos de la película de culto del año 2001, y hubiera sido un ente independiente, completamente no relacionado con el viaje en el tiempo, sino con otro tipo de fenómenos... tal vez hubiera sido decente ver más de estas películas, cómo la familia se sostiene después de la muerte de uno de los hijos, un drama sobrenatural.
La película no merece ni ser contada, porque trata de la "rebelde" Samantha Darko en un viaje en auto que la lleva a un pueblo llamado "Conejo" (JAJAJAJA, NO ES GRACIOSO), donde una lluvia de tesaraks (cubos cuadridimensionales) provocan la aparición de un universo tangente basado en un rechazado pariente lejano de Roberta Sparrow que se parece demasiado a Jake Gyllenhaal y que se hace una máscara de metal para poder volver en el tiempo y morir en manos del tesarak que cae. Mientras tanto, Samantha Darko muere y vuelve a vivir gracias a una amiga que se mete en otro universo paralelo al atropellarla y dejarse morir junto a otras personas para que ella sobreviva. Sé que se ve que no tengo ánimo en explicar detalladamente qué es lo que pasa, pero es que no tengo ningún ánimo. Los curiosos, terminarán viéndola, pero yo no quiero volver a exponerme a tanta basura y tanto intento fallido otra vez.
Espero que esto sirva de advertencia a todos los que leen esto. Amarán más "Donnie Darko" (2001) si saben que esto nunca existió.

The Box (2009)

2011-08-08T00:01:00.000-07:00

La última película, hasta hoy, dirigida y escrita por Richard Kelly, es un enorme paso hacia adelante en la carrera de este aún joven director norteamericano. Implicó la primera vez que una película de él fuera lanzada en las grandes salas como cualquier blockbuster o película que busca grandes audiencias (siendo que la película divide audiencias como aguas divide Moisés), y también llegando a diversos países del mundo, que antes de esta, no habían tenido el gusto de tener en sus grandes pantallas uno de los experimentos fílmicos de este artista moderno, como fue en el caso de Chile, donde fue conocida con el nombre de "La caja mortal", y recibiendo las malas críticas que no se merecía, las mismas que recibió en su natal Estados Unidos, una vez más. La otra gran aventura que emprendió Kelly fue la de echar a andar su propia productora de películas de distinta temática, siendo este largometraje su primer trabajo oficial, seguido luego por "World's Greatest Dad" (2009) y "I Hope They Serve Beer in Hell" (2009), lanzadas el mismo año de distintas formas y con diverso grado de éxito.
Y pese a tener una propia productora y un lanzamiento extendido (tanto en su país natal como en lo internacional), Richard Kelly la vio más difícil que nunca, cuando su película fue rechazada casi plenamente por la crítica, tener resultados desastrosos en las recaudaciones económicas. Eso no es todo, la gente común y corriente que entró en la película sólo (tal vez) por que contaba con la espectacular participación de Cameron Diaz, James Marsden, e incluso por el recientemente nominado al Oscar Frank Langella, sólo para encontrarse con un thriller de ciencia ficción, donde la mayor parte del tiempo uno se pasa preguntando qué es lo que acaba de pasar más que preguntarse qué va a pasar ahora... algo que suele ser el síndrome de las malas películas, pero que en este caso, una vez que se empieza uno a adentrar dentro de las misteriosas aguas mitológicas y simplemente geniales de la historia moral de Richard Matheson (el clásico escritor de ciencia ficción que creó el cuento original en el que se basa esta película), uno no puede dejar de salir y admirar cómo uno se ahoga en la inmensidad simbólica de la mente y el encuadre de Richard Kelly.
Antes de introducirnos completamente en la trama de la historia y sus repercusiones, así mismo como con los temas que se vinculan con los intereses y temas comunes del director al cual está dedicado este mes/ciclo, quiero detenerme un segundo en una de las últimas cosas que dije en el último párrafo: el encuadre. Mientras que Richard Kelly siempre ha tenido un buen ojo para la dirección de actores y para el encuadre utilitario, se nota que en esta película hubo un poco más de pensamiento puesto, una decisión explícita de buscar la simetría total en los planos generales, y que los planos cerrados fueran de cuello para arriba, a fin de mostrar el rostro completo en su emoción entera, logrando uno de los fines básicos del cine en su máximo esplendor: ser un acercamiento a la emoción de los seres humanos a través de sus caras, tal como lo hacía Bergman. Podría decirse fácilmente que esta es la película más cuidada en cuanto a fotografía y encuadre de toda su filmografía hasta ahora, siendo, por ende, la película más hermosa visualmente que ha hecho.
Otra de las cosas que hay que tener en cuenta es que la película es una de las más personales de la obra de Richard Kelly, inicialmente por el lugar en que transcurre la historia (el mismo en donde vivió su niñez), segundo por el tiempo en el que transcurre (el aterrizaje del Viking en Marte condice con la edad que tiene el niño de la pareja protagonista a la que tenía Kelly en esa época) y tercero por los dos personajes principales, que están basados enormemente en los propios padres del director y guionista, como se ve a continuación. Norma y Arthur Lewis son una pareja de clase media norteamericana que quieren prosperar, tienen un hijo al que aman, y trabajos a los cuales son fieles. Norma es profesora de literatura y tiene un pie deforme debido a un accidente de radiación con rayos x cuando era pequeña (igual que la madre de Richard Kelly), mientras que Arthur trabaja en la Nasa trabajando en las cámaras que tendrán las sondas y se encuentra postulando para ser astronauta. El problema es que cuando reciben en su puerta una caja con un botón, ambos pierden su posibilidad de seguir surgiendo, Norma ya no recibirá un descuento para la escuela de su hijo, mientras que Arthur es negado en su aplicación a la NASA. En la desesperación, aparece Arlington Steward, el hombre que viene a explicarles que si presionan el botón en la caja, alguien que no conocen morirá, pero recibirán un millón de dólares en recompensa. La duda moral dura poco, pues el botón es presionado, la caja es retirada y se les asegura que se le pasará a alguien a quien no conocen. De ahí en adelante se mezclarán una gran cantidad de eventos de carácter fantástico y elementos pertenecientes a la ciencia ficción, entre muchos otros, creando una experiencia fuera de este mundo... literalmente, tal vez.
Mucho se ha especulado acerca de la naturaleza exacta de los empleadores del deforme Arlington Steward (y aquí, una vez más, entro en terreno en el que no conviene mucho leer si no se ha visto la película). La conclusión más apresurada (y más lógica hacia el final del día) es que se trata de marcianos, literalmente, extraterrestres provenientes de Marte, que se sorprenden ante la capacidad que tuvieron los humanos de llegar con una sonda a buscar comunicaciones al planeta Marte, por eso el "rayo" que cae sobre Steward al mismo momento en que la primera sonda entra en contacto con suelo marciano, necesitan un agente en la Tierra y este hombre con contactos en la NSA es el candidato perfecto para hacerlo, insertando en su conciencia una entidad marciana que lleva a cabo estos experimentos que pretenden ver si la humanidad es lo suficientemente moral o valiosa para ellos... no sabemos qué querrán, pero se hace explícito que el presionar el botón indica que has fallado el test, y que te seguirán probando hasta que quien presionó el botón, esté muerto.
Pero se presenta otra posibilidad, en que hay otras dos ramas que se separan, dándonos aún más cosas de qué pensar. Cuando estamos en la guarida de Arlington, tenemos en un momento un mapa del mundo que gira y nos muestra letras y símbolos distintos, entre ellos se muestra a los diversos continentes con nombres como "NORTHCOM" o similares, los cuales al ser buscados dan por resultado este mapa, que resulta idéntico al que se muestra en la película. Hasta ahora, nada extraño, pero estando la película ambientada en los años 70, tenemos que ese mapa y la organización NORTHCOM no apareció hasta el año 2002, después del ataque a las Torres Gemelas. Pues bien, como ya mencioné, hay dos posibles respuestas: o se trata de un plan de control del mundo que viene desde esta época, o nos encontramos nuevamente con seres que han viajado desde el futuro para empezar a controlar el pasado... pero de ambas formas nos encontramos con una figura distinta a la de los extraterrestres, sino la del "gobierno en las sombras", que estaría controlando a la humanidad para ver qué tan útiles somos, como en el Grupo Bildelberg y su plan de disminuir a la sociedad en su mayor parte para hacer más fácil la venta de productos y el control de las masas.
Es por eso que nos encontramos, una vez más, con la figura del control por parte de los seres superiores (y debería agregar invisibles) de los seres inferiores (nosotros), a través de un control mental explícito que se marca cuando los sujetos controlados sangran de narices y dejan de ser controlados por estos seres. El control se hace para tener, aunque suene redundante, un espacio controlado o "grupo de control", casi científico, como ambiente para desarrollar una prueba realmente científica a esta familia. Luego, entonces, tenemos que el otro de los temas de Kelly, el sacrificio mesiánico por el bien de la humanidad, se presenta en Norma, cuando acepta estoicamente morir para poder salvar a su hijo de una vida de completa incomunicación con el mundo exterior. Aquí se presenta muy rápido, pero todos sabemos que es algo que se esperaba, y fue una de las principales razones por la cual esta película fue tan odiada por el común y silvestre de la gente, a quienes lamentablemente no les gusta ver morir a sus estrellas.
Pero esta película es para no perderse, es una obra maestra de belleza cinematográfica y a la vez, una confusión que vale la pena investigar y ahondar mucho más.

Southland Tales (2006)

2011-08-05T00:01:00.000-07:00

"Southland Tales" no tiene la mejor de las reputaciones, y una de las principales razones es que es completamente incomprensible para alguien que sólo se prepara para ver una película que cuenta con las actuaciones de Dwayne Johnson (más conocido para el vulgo y los niños que tenemos dentro como "La Roca"), Sarah Michelle Gellar, Amy Poehler, Zelda Rubinstein, Kevin Smith (sí, el director de "Clerks" (1994) ) y Justin Timberlake (que por ese tiempo era más conocido por su música que por las películas en las que aparecía). Pero eso no quita que no sea una película endiabladamente entretenida, una comedia sobre el fin del mundo como no lo conocemos.
Ahora, una pequeña reflexión antes de seguir adelante. La película se mostró en Cannes el 2006, pero obtuvo una suerte de lanzamiento en cines en Estados Unidos el 2007, sólo para recibir malas críticas de parte de casi todo el conjunto de los críticos que la vieron. Ahora, tenemos que la película ocurre el año 2008, en un futuro no muy distante, pero que parece ser el 2050, pues la revolución tecnológica que tanto habíamos esperado está pasando, energía vinculada a las fuerzas marítimas de nuestro planeta, autos ecológicos, un país separado por el medio terrorista, un desierto muerto por una explosión nuclear... lo mejor y lo peor de las utopías y las distopias en una sola película. La gracia de que sea en un año tan reciente como el 2008 nos habla de que esta película es de su tiempo, es decir, es una consecuencia directa del gobierno de George Bush (y su reelección), así como de los ataques de las Torres Gemelas, todo con un enemigo que parece venir desde adentro, con desconfianza de considerable porte entre los diferentes estados, así como el perfecto ejemplo de una ucronía, un "qué hubiera pasado si" de la historia moderna de Estados Unidos.
Sería injusto decir que todas las películas serían una ucronía, un "qué hubiera pasado si" para todas las películas de ciencia ficción o terror o lo que sea, son situaciones inventadas, después de todo, juega con personajes que son puestos en una situación o mundo diferente en algún sentido al nuestro. Pero el hecho de que sea en el 2008 y la inteligencia de los eventos mostrados habla de un poco de pensamiento puesto sobre todo. USiDent como una versión extrema y sin control del Patriot Act, la separación y control interestatal como una escalada histérica sobre la seguridad en aeropuertos, lo conservador como la potencia política "correcta" y en el poder debido a la seguridad que otorga y las guerras en que están metidos... todo suma y todo tiene su justificación (salvo por la tecnología que vendría a ser un elemento que sería conveniente aceptar como plausible en todos sus efectos (incluída como droga).
Pues miren la confusión que tenemos arriba y ni siquiera he entrado en la explicación de la trama de la película. Pero bien, así es esto, caótico. Primero, tengo que aclarar que explicaré la trama tal cual como se presenta en la película, sin tomar en cuenta los tres cómics precuela que lo anteceden y que son, de alguna manera, esenciales para poder entender la trama completa de la película. Bien, el futuro es mucho más futurista de lo que pensábamos que sería, con una Estados Unidos separada y una revolución marxista gestándose, todo puede esperarse, incluso el fin del mundo. Boxer Santaros es un actor de películas de acción que ha perdido la memoria después de aparecer en medio del desierto, pero es recogido y cuidado por Krysta Now, una actriz porno que ha escrito un guión sobre el que pretende hacer una película con Santaros para mantenerlo a su lado como amante. Para investigar para su rol, consiguen a Roland Taverner para que le diga cómo es el trabajo de policía, pero él no es un policía, sino que su hermano gemelo (Ronald Taverner) lo es, pero se encuentra drogado y separado de los demás para evitar que hablen entre ellos; Roland está entrenado por los miembros de los neomarxistas para que cuando esté con Santaros, le dispare a una pareja negra (interpretada por dos neomarxistas y con efectos especiales de sangre, por lo que no son balas reales) y lo grabe para que así se vea involucrado en un crimen racial y su relación con el gobierno (al estar Boxer casado con la hija de un senador cuya esposa es jefa del sistema de seguridad USiDent) se vería manchada, y así sería un pequeño triunfo para estos neomarxistas. Pero lástima que todo salga mal y que todos se encuentre en problemas de bíblicas proporciones.
Sé que existe un corte más largo de esta película, la versión de Cannes, que anda dando vueltas por ahí en algunos sitios y que siento que tengo que ver, pero por mientras, sigue siendo una confusión para cualquiera que la vea sin información, pues es necesario verla varias veces para comprender qué es lo que Richard Kelly quería contarnos con este film. Para mí, y es la interpretación común, tenemos ante nosotros una película basada en el libro del Apocalipsis de la Biblia, las Revelaciones de Juan, como quieran llamarlo, es un gran material para empezar tu película política comédica, es una de las mejores partes de la Biblia gracias a su simbolismo constante y las señales que se describen que dan a conocer el inicio del fin de los tiempos. Hay que haberse leído esos 22 capítulos de locura pura para poder ver la película con un poco de ojos abiertos.
Para quienes han visto la película (nuevamente, estoy contando cosas del final, así que cuidado), saben que el personaje de Boxer Santaros no pertenece al del Mesías que vuelve para juzgar a la humanidad, ese sería la dualidad Roland/Ronald Taverner, que necesitaban juntarse para poder dar inicio a la purificación, según la Biblia (aunque no sabemos qué tan buen Jesús hace esta dualidad en uno dividida en el tiempo que son estos dos "gemelos"). Podemos ver que en esta cinta el tema del viaje en el tiempo se repite desde "Donnie Darko" (2001), y nuevamente está siempre presente, pero sólo se descubre hacia el final, como una tecnología nueva que se está probando, una distorsión en el tiempo-espacio que debía ser probada y estos dos personajes fueron los que pasaron por ahí y tuvieron que ser los conejillos de india, todo para que los acontecimientos que llevaron a los eventos finales, suceda.
Tenemos la presencia directa del mesías, pero la figura del personaje que se sacrifica por los demás, está en Boxer Santaros, que muere anunciando la venida de este personaje, sangrando el tatuaje que nos indica que Jesús era la religión elegida por Dios para hacer cumplir el Apocalipsis. Boxer Santaros sabe lo que ocurrirá, muere una vez y vuelve a morir anunciando lo que vendrá, siendo un jarro en el cual se comunica esa fuerza que durante tanto tiempo nos pareció sacada de la locura provocada por tantas muertes y la pérdida de la memoria. Y nuevamente, también, tenemos a un ser superior (o seres superiores) que conducen a todos los seres humanos a cumplir con los deberes: AntiCristo, la Puta de Babilonia, el Mesías, etcétera. Es Dios quien los controla y hace que todo suceda, pues finalmente es su mitología la que se está llevando a cabo, su anuncio, y nadie más que él puede tomar las riendas de la situación.
Es una película que merece replantearse como una gran alegoría y un gran grupo de actores realizando un gran trabajo para llevar a cabo una de las cosas más locas que han visto en su vida.

Domino (2005)

2011-08-04T00:01:00.000-07:00

Aquí nos encontramos con una película que no fue dirigida por Richard Kelly, sino que por el controversial y odiado/amado director norteamericano Tony Scott, hermano de Ridley Scott, conocido por su trabajo en películas como "Top Gun" (1986), "True Romance" (1993), "Enemy of the State" (1998), "Man on Fire" (2004), "Deja Vu" (2006) y "Unstoppable" (2010), entre muchas otras. No he visto todas estas, menos me puedo considerar un experto en la obra del que muchos consideran uno de los mejores artistas visuales norteamericanos contemporáneos, pero "Domino" es su cinta que más me ha gustado, pues toma riesgos y sale airoso con una historia poco convencional y que no muchos se hubieran atrevido a llevar a cabo. Después de todo, Richard Kelly le dió su toque y casi que podríamos decir que forma parte de sus intereses.
Pero... ¿cuánta influencia real tuvo Richard Kelly y qué porcentaje del éxito (desde mi punto de vista) que tiene este filme es suyo? Bueno, al menos desde mi punto de vista, la última parte del film es puro Kelly y el guión está desconstruído de tal manera que la historia resulta eficiente y logra su cometido, por lo tanto la mitad de lo buena que es, se la debemos al objeto de estudio de este mes y de este artículo. La otra mitad se divide entre la grandiosa actuación de Keira Knightley en el papel de la casa recompensas Domino Harvey, con una fuerza cerebral y corporal que parece salida de otro mundo... y de Tony Scott, cuyo estilo de filmar, de mover la cámara, de editar, de fotografiar... parece salido de otro mundo, con las imágenes dobles y los tintes extremos que llevan a la ceguera, pero que se ven bien y se sienten acorde a lo que se vive en la película, donde en un momento se hace evidente la vida desvariada y drogada que llevan.
Pues bien, la película empieza con una Domino Harvey capturada por una agente (Lucy Liu), que la empieza a interrogar sobre un incidente en la cual se ha visto envuelta, pero ella sólo se dedica a decir que es una cazadora de recompensas, pero cuando empieza a contar la historia acerca de cómo empezó a dedicarse a ser cazadora para la agencia a la cual pertenecen los personajes interpretados por Mickey Rourke and Édgar Ramírez. Se hacen conocidos como uno de los equipos de cazadores de cabezas más efectivos, pero se ven envueltos en un negocio turbio, donde el dinero de unos mafiosos es robado y ellos se ven encargados de encontrarlo y devolverlo. Entremedio de todo se ve envuelto una conspiración mundial relacionada con un niño enfermo, dos bandas de mafiosos y un productor de televisión que piensa hacerse la América siguiendo a este grupo de personajes portadores de armas de fuego.
No es una trama fácil de seguir, de un momento a otro aparecen unos diez personajes nuevos, lo que no hace fácil seguir cada una de las aristas de la complicada conspiración que rodea a Domino Harvey... un personaje que existió realmente, hija del actor Laurence Harvey que dejó su vida de modelaje para dedicarse a esto... pero obviamente la historia que se cuenta en la película no es real, está basada en su vida tanto como "Titanic" (1997) está basado en el accidente real. Incluso lo dice al inicio del filme: "Basado en una Historia Real... Casi", pero luego, al terminar la película, nos muestra a la fallecida y real Domino Harvey, sonriendo, por una milésima de segundo, como aprobando todo lo que se ha dicho y hecho con su figura, como si sintiera que se le ha hecho justicia... y creo que estaría contenta.
Sabemos que la Domino Harvey de verdad ha muerto, pero no se nos dice en la película (cuidado que empiezo a hablar sobre lo que pasa en el final), lo único que dice Domino es que está contenta y satisfecha con lo que ha hecho para salvar a la niña enferma, y que ahora se dedica a descansar... pero nosotros sabemos que va a morir a causa de su adicción a las drogas, y eso se condice con lo que ha perseguido a la obra de Richard Kelly durante toda su extensión, y hablo específicamente de uno de los elementos más interesantes de su obra: la figura del protagonista como una figura mesiánica... pero que aquí toma ribetes demasiado literales, pero que logran clarificar, de alguna forma, las otras obras de Richard Kelly.
Domino Harvey y sus compañeros se drogan en un momento específico de la película y ahí está la maldición que han recibido, ahora sabemos que van a morir a causa de esto: la cámara se distorsiona y los colores se vuelven aún más extremos, de alguna forma, justificando el resto de la película, diciéndonos que tal vez esto no es más que la drogada visión de uno o varios de los personajes de la película, tratando de hacer sentido de sus vidas. Pues bien, estando ahí, el furgón en el que viajan choca y se vuelca. Al despertar son salvados por un hombre vestido de negro y que fuma, interpretado por Tom Waits, que les explica que hay una niña que está muy enferma y que debe ser salvada, pues ella será muy importante en el futuro. ¿Cómo es que él sabe esto? Pues la pista se encuentra en las manos de este personaje, vendadas, por lo que nos encontramos ante Jesús o un representante de él en la Tierra, que les dice cuál es su misión y que deben hacer todo por salvarla. Aquí tenemos, entonces, otro de los elementos de las películas de Kelly, de la figura superior que viene a controlar o comandar a los seres humanos para llevar el bien al resto del mundo.
Por eso es que la muerte de Domino Harvey se siente tan coherente hacia el final, ella ha pagado su precio por consumir drogas, pero al menos salvó a la niña, y sus compañeros hicieron su parte al morir en la explosión de ese edificio. Domino Harvey muere feliz, nos sonríe al finalizar la película, la edición estaba consciente de que ella había muerto, todos saben que ella murió por sus pecados y por la salvación de quien nos salvará a todos después... al menos según las palabras de Tom Waits.