1001 Videojuegos que Debes Jugar Antes de Morir

Y... bueno, me quitaron la idea. Alguien se adelanta y hace un libro con 1001 juegos que hay que jugar antes de morir. Esa era la razón principal por la cual estaba haciendo la sección de videojuegos los viernes (cuando tenía mi computador), viendo juegos en grupos para ver si valía la pena o no jugarlos antes de morir, compilando mi propia lista.
Pero bueno, no se deja pasar esta oportunidad, seguiré haciendo mi sección con un propósito más grande, pero para conmemorar el lanzamiento (hace dos meses) de este libro, haré una entrada del primer juego que aparece en el libro.
Oregon Trail - 1971 - MECC
Este es un juego educacional, está lleno de datos acerca de cómo vivían las personas en el 1848 que migraban a Oregon. ¿Por qué? No tengo idea, yo sólo leo y juego, no mucho más.
Empecé el juego sin muchas expectativas. Compras tus provisiones, repuestos, balas y partes rumbo a Oregon. En el camino iba encontrando fuertes, cazando comida, intercambiando objetos, vadeando ríos, cosas usuales en ese tiempo, lo mismo que morir de disentería.
Con el tiempo se me iba acabando la comida, mi gente se enfermaba, tenía miedo de estar tan cerca de Oregon y perderlos a todos. Finalmente pude llegar (con 0 de comida) al río que hay que navegar para encallar en Oregon. Yo mismo manejaba la hundida carreta, esquivando rocas y orillas. Cuando ya no quedaba nada, choco contra una roca y tres de los miembros de mi partida mueren ahogados.
Todo mi esfuerzo a la basura, un simple carpintero pierde a su familia por llegar al estado de Oregon.
Por lo que me hizo sentir, es un buen juego. Y ahora este video tiene mucha más gracia.

It Happened One Night (1934)

Cuando los clásicos decepcionan, por Jaime Grijalba.
Voy a partir diciendo lo bueno que tiene esta película clásica, que se mantiene en las listas como una de las mejores películas comedias románticas de la historia del cine, ganadora de cinco premios Oscar (mejor película, mejor director, mejor guión, mejor actor, mejor actriz) y nombrada constantemente como un ejemplo de la era dorada del cine de comedia de norteamérica.
Primero, está muy bien actuada, con eso me refiero principalmente a la voz y rapidez de los diálogos, conscientes con respecto a la psicología y caracterización inicial que se le da a los personajes. Clark Gable es inteligente a la vez que triste, sabe que su vida no vale nada y su discurso rápido busca solamente conseguir lo que quiere lo más rápido posible (pese a que resulte poco creíble un personaje con una inventiva tan amplia y a la vez rápida, lo puede hacer todo, todos lo quieren). Claudette Colbert es simplemente hermosa y su papel de niña mimada es creíble tanto por su discurso de niña rica, que sale realmente natural, junto a su mirada, esos profundos ojos claros que no hacen más que volverte loco.
Segundo, los diálogos son inventivos y las situaciones novedosas, hay buenos momentos en los cuales uno no puede evitar sonreír. Muchos dicen que lo principal de una comedia son los personajes, que deben ser graciosos, como ocurre en el caso de las películas de Abbot y Costello, por lo que puedo decir que es cierto, pero si no se ven apoyados por secuencias con buena potencialidad de comedia y excelentes personajes histriónicos secundarios que pueden dar lugar a conversaciones satisfactorias, no se es nada. Por suerte, esta película tiene lo suficiente de ambas, varias secuencias con harta potencia de comedia.
Tercero, la escena cuando el personaje de Claudette Colbert levanta su falda para que se le vea la pierna y así detener un auto es simplemente icónica de los años 30. ¿Cómo lo sé? Mi abuela una vez lo hizo y ahora recuerdo que hizo exactamente el mismo movimiento que hizo esta actriz. Obviamente, mi abuela no paró un auto así, estaba bromeando con algo más, que no me acuerdo, pero eso se ha quedado grabado en mi mente y por eso lo celebro.
¿Conocen ese dicho que dice que si no tienes nada bueno que decir sobre alguien, no digas nada? Siempre lo he considerado un dicho idiota, pero en este caso le haré caso y no apuntaré las fallas que quedan en evidencia luego de algunos minutos. Pero sí debo decir y explicar la razón de porqué creo que esta película está un pelín sobrevalorada.
El otro día empecé a ver "Bringing Up Baby" (1936) y fue histérico, era de verdad una gran comedia muy muy graciosa, muy (supuestamente) en el estilo (screwball) de lo que era esta película. No pude terminar esa película, pero quería hacerlo, pues era inventiva, rápida y muy intrigante. La media hora o así que vi de esa película es mucho mejor que la hora y cuarenta que dura esta película.
¿Qué pasó? No me divertía, una comedia debe ser entretenida, debe hacerme reír, hasta la comedia más insulsa logra hacerlo al menos un par de veces, acá pudo hacerme reír una vez y dejarme con ciertas sonrisas a lo largo del camino, pero aquí hay un claro problema de energía, que no viene de los actores, sino del guión que de verdad da lugar a diálogos en situaciones potencialmente graciosas que no llegan a su cénit.
Es una lástima, de verdad esperaba mucho más de Frank Capra, que me dió una de mis películas favoritas de todos los tiempos "It's a Wonderful Life" (1946), esperaba mucho más del material y de verdad quiero instaurar una muralla de Jericho entre mí y el hype que puede haber sobre una película antes de verla, de tanto calentar la sopa uno puede quemarse la lengua o encontrarse con el sobre y darse cuenta que era mejor tomarla fría.
No quiero decir que no sea entretenida, te deja con una sonrisa permanente en el rostro, pero es alegría y no risa.

7/10

"The Trip" (2010)

Tengo una nueva entrada en inglés en el blog "Wonders in the Dark". Nuevamente no puedo hacer nada más que estar honrado de estar en tan prestigioso lugar, escribiendo entre personas con tanto talento para escribir sobre cine o cualquier otro tema a mano.
En este caso, pese a que dije que iba a escribir sólo de libros, no pude evitar aprovechar el lugar libre de este miércoles para hablar sobre "The Trip" (2010), una miniserie de seis capítulos dada en la BBC2, y considero que es una de las mejores películas del año (¿raro? jódanse).
También la considero una de mis favoritas de la vida.
Bueno, basta de cháchara y leame en inglés.
AQUí.

Dos Últimos Suspiros

Este post está escrito especialmente para la Blogathon "The Late Show" organizada en el blog Shadowplay, que busca distintas colaboraciones acerca de los últimos trabajos de diversos directores.Yo me he inclinado por dos directores bastante conocidos y por sus obras finales, que a la vez son bastante bien consideradas entre la gente (supongo que la finalidad era 'descubrir obras maestras perdidas', pero qué se le va a hacer). Tampoco me considero un experto en la obra de ninguno de estos dos directores, así que perdonen cualquier falta.
Entonces, tenemos ante nosotros a Luís Buñuel y Yasujiro Ozu, directores amados y respetados por la mayoría de los fanáticos del cine. Sus dos últimas películas fueron en color, luego de tener una extensa obra de cine en blanco y negro que incluso se remonta al cine mudo. Se puede decir que ellos son de los primeros directores fuera de Estados Unidos que fundaron lo que se considera Cine Extranjero, contando historias locales que se volvían universales gracias al poder del cine.
Sus últimas obras son "Cet obscure objet du désir" (1977) para Luis Buñuel y "Sanma no aji" (1962) de Yasujiro Ozu. Para mí ambas tienen tremendos atributos para considerarse entre las mejores obras de cada uno, pero tienen algo que me impide llamarlas obras maestras (no hablaré de eso acá, no por ahora, no es una crítica, para su información ambas se llevan un 9/10). Curiosamente también ambas comparten algunos elementos pese a ser referentes del cine de lugares tan lejanos como es el francés (Buñuel, aunque él fuera español) y japonés (Ozu).
Las obras de Luis Buñuel siempre han mantenido algún elemento surrealista, remanente de sus primeras obras realizadas con Salvador Dalí (y en solitario), y este caso no es la excepción. Mientras que la historia trata sobre la obsesión de un hombre mayor por una mujer que nunca parece tener claros sus sentimientos reales durante toda la película (todo esto mientras se hacen explotar autos en atentados terroristas). Lo absurdo/surrealista se encuentra en partes como el vaciado de una cubeta llena de agua sin advertencia previa sobre dos personajes (una al principio de la película, ya poniéndonos en este torbellino de curiosos acontecimientos) y en la decisión de Buñuel de hacer que el obscuro objeto del deseo (la mujer) fuera interpretada por dos mujeres, que da a conocer dos supuestas facetas de ella (la amable y la traicionera).
Yo, como soy medio idiota, no me di cuenta de esto hasta como el final de que había dos actrices interpretando el papel. En una examinación más exhaustiva me di cuenta que mientras se parecen un poco, sí pueden distinguirse diferencias entre ellas a legua y media. Pero creo que eso da cuenta del estado hipnótico en que me encontraba viendo mi primer Buñuel a color, con toda esa belleza exhuberante presente en las metáforas visuales (de las cuales era un asiduo visitante este españolísimo director) y en los cuerpos de las dos mujeres que realmente se roban la película.
Por otra parte tenemos 'Una Tarde de Otoño', que es la traducción más cercana que puedo hacer de la película japonesa del maestro Ozu, que es la historia de un viejo salaryman que vive en una colorida ciudad industrial/suburbial, a quien ya le queda poco tiempo trabajando y está pronto a jubilar. Nuestro personaje principal se pasa en las tavernas, escuchando viejas canciones, bebiendo con compañeros de escuela, todo lo cual siempre llega al mismo tema: su hija, ella ya tiene 24 años y todos creen que es hora de que le arregle un matrimonio para que pueda irse de su casa.
La decisión final es tomada cuando escucha la historia de uno de sus profesores, un anciano que apenas puede tenerse en pie, cuya hija se ha quedado a vivir en la casa de él, preocupándose en cada momento de todas las cosas que él necesita, por eso no ha podido casarse y ha vivido su vida en torno a la de este viejo. Nuestro protagonista tiene que sobreponerse a sus propios miedos para poder hacer que su hija se case, él pese a todo, necesita a alguien en casa luego de la muerte de su esposa, pero teme que su hija no podrá vivir, aparte de esto, la hija no parece peculiarmente descontenta con toda la situación. Finalmente, como suele ocurrir con Ozu, todos hacen lo que deben hacer y lo que es correcto. La película nos muestra una ciudad increíblemente colorida, pese a los malos momentos (más bien tristes) que pasan nuestros personajes, realmente es una delicia.

Pueden llegar a resultar un tanto obvias, pero las similitudes que puedo ver entre ambas obras son realmente curiosas, pese a su aparente lejanía (no pensaré en influencia en este caso). En ambas películas tenemos a hombre mayores, es decir, cuyo tiempo ya ha pasado (ya sea metafórica o actualmente), que ya no son lo que solían ser, y podríamos incluso hablar de una falta de hombría de su parte, es decir, se sienten débiles en la posición que se encuentran y por eso necesitan apoyarse moral o factualmente en mujeres que son mucho menores que ellos, ya sea para tener relaciones sexuales (escasas/interrumpidas) o una ayuda más doméstica.
Ambos hombres mayores son conscientes de las necesidades de sus compañeras menores, pero no las toman en cuenta, con resultados catastróficos o tristes para ambos lados. Sienten que podrán mantener su hombría si se ven relacionados de alguna manera con una mujer menor, que los vea como alguien varonil y fuerte, ya sea a través de una relación amorosa o la figura de un benefactor que entrega dinero sin poner muchos problemas. Finalmente ambos protagonistas tienen que entender a sus contrapartes femeninas y a la vez entenderse ellos mismos como seres humanos que ya no pueden volver atrás a sus tiempos de gloria varonil. Aceptan su debilidad y desaparecen en la soledad.
Es curioso que, de alguna manera, el mismo tema sea tocado por dos directores con estilos y tipos de obra completamente distintas específicamente como última obra cinematográfica. Para ambos es un testamento de su grandeza, pero a la vez de un momento por el cual estaban pasando (y aquí empiezo a especular), de una aceptación propia de la debilidad intrínseca que viene con la edad y la relación continua con las mujeres.
Es un tema tremendamente sexual y personal el que pueden tocarse con estas obras, lo que hace todo aún más difícil si los directores están muertos y se puede fácilmente llegar a ofender, cuando lo único que se quiere decir acá es que ambos directores han testimoniado con sus obras su impotencia.

Unstoppable (2010)

Esta es la crítica a una de las películas que más esperaba del 2010 según las dos listas que hice a inicios de año, esta apareció en su primera encarnación para luego desaparecer en la segunda al haber otras películas que esperaba más.

Impasible, por Jaime Grijalba.

Antes de todo lo que pueda y tenga que decir sobre esta película, debo aclarar que el director de la misma, Tony Scott, es un auteur y no hay nadie que me pueda convencer de lo contrario. Ahora bien, el ser un auteur no implica solamente el tener un estilo determinado, temas comunes, que pueden ser rastreados en toda su filmografía, sino que también conlleva un reconocimiento crítico y que sea considerado un buen director. Desde mi perspectiva, Tony Scott es un auteur pues es un buen director que ha logrado escribir, producir y dirigir algunas buenas películas en lo que lleva de carrera, así que en eso estamos cubiertos.
Es que de verdad dudo de cualquier persona que dude de las capacidades y el estilo del hermano supuestamente menos talentoso de Ridley Scott, hay una saturación de colores simple (dándole a toda la película un tono primario o secundario), la acción es constante, la edición dinámica, no hay un solo momento en que la trama parezca descansar, y todo esto es hecho de la mejor manera, lo cual implica un conocimiento cabal de la técnica por parte del director y de sus asociados. También siempre se caracteriza por realizar películas que tratan de atraer a un público amplio, blockbusters, cargados de acción y estrellas que la gente quiere ver arriesgándose.
Creo realmente que Ridley Scott es el único cineasta mainstream hollywoodense que le está dando al público cine más cercano al experimental que al tradicional. Son esas técnicas mareantes y confusas que saldrían mal en la mayoría de las ocasiones, pero aquí son realizadas de la mejor forma posible, con la mejor tecnología y casi siempre con un gran éxito de público. No creo que haya otro cineasta que se arriesgue con los tonos anaranjados de "Man on Fire" (2004), lo audaz y premonitoria de la trama de "Enemy of the State" (1998) o la francamente mareante, experimental y finalmente espléndida experiencia que es "Domino" (2005), y estas tres películas, en distinto grado, un éxito.
Pero no siempre todo lo que hace Tony Scott es bueno, tenemos el caso de "Deja Vu" (2006), que tiene algunos de los elementos del estilo del director, pero no todos y se ven en gran manera disminuidos, casi aletargados, tímidos, como si realmente no se quisieran mostrar. Eso le quita mucho interés a una película que quiere ser una nueva fábula de ciencia ficción, pero que termina cayendo en clichés de acción como la lucha en el estacionamiento entre los autos y actuaciones melodramáticas, acciones sin sentido y con poco interés visual. El giro hacia la ciencia ficción fue hecho demasiado tarde como para resultar creíble, y eso que me encantan este tipo de películas.
Entonces tenemos que cuando el estilo de Tony Scott se ve disminuido en pos de contar una historia más "interesante" o algo que tenga que reinvindicar el hecho de que su última película haya fallado, vemos que sus películas se tornan poco interesante, pues cae en el cliché y en los elementos comunes para llegar más fácil y rápidamente a su audiencia. Es entonces donde Tony Scott se vuelve alguien poco atractivo, alguien que realmente no vale la pena estudiar o ver, pues sacrifica su visión artística, una que le ha otorgado éxitos, pero que a veces se ha tornado excesivo (y es entonces cuando se vuelve más interesante, pero a la vez falla con el público, teniendo que bajar su nivel).
Lamento decir que "Unstoppable" corresponde a ese segundo grupo de películas menos interesantes de Tony Scott. La historia del tren que no puede detenerse y que puede descarrilarse en cualquier momento dejando la crema en los alrededores de una poblada ciudadela cae en demasiados clichés y no tienen nada de lo bueno de Scott en ella, salvo por Denzel Washington que realmente no tiene nada de destacable, menos Chris Pine, el único actor medianamente bueno es Lew Temple, que realiza un papel secundario que sobresale.
Han habido reacciones críticas curiosas y las que recibe este filme. Están los positivos y los negativos, y ambas perspectivas en general están equivocadas bajo sus propios cánones. Los psoitivos encuentran que hay 'honestidad' y es una de las mejores películas en un año bastante débil, y aunque concuerdo con eso último, puedo pensar en 10 películas mejores que esta y que son muuucho mejores.
Por el otro lado, los negativos indican que el estilo de Tony Scott se siente demasiado, que es un exceso, "otra película más dek ruidoso y sin sentido estilo de Scott", cuando mas bien se trata de todo lo contrario, una degradación de un estilo que me gusta mucho, aquí simplemente se decantó por los movimientos de cámara constantes que dan un cierto mareo, pero su repetición (algo en lo que no suele caer) llega al hartazgo.
La película, al final, no es buena, pero tampoco es un desastre, queda en la anédota, algo que no va a llegar a los libros, algo que no pasará a la historia... pero les aseguro que Tony Scott tendrá su venganza uno de estos días y no será de la mano de la que muchos consideran su obra maestra "Deja Vu".

6/10

Miércoles de Cuentos: Ensayo sobre "La Ricotta"

No un cuento, sino que este fue un ensayo que escribí para el ramo "Seminario de Cine", en una prueba, luego de mostrarnos el cortometraje "La Ricotta" de Pier Paolo Passolini, había que vincularlo con los nuevos cines, como La Nouvelle Vague o el Neorrealismo Italiano. Lo encontré hace poco y pensé que era lo suficientemente bueno como para ponerlo acá. Disfruten.
Lo que está escrito en Negrita son adiciones para entender mejor el conjunto.

"La Ricotta" (1963), cortometraje de Pier Paolo Pasolini, perteneciente a la película "RoGoPaG" (1963), rompe con varias normas de lo que se podría considerar una narrativa visual y argumental tradicional, cuyos elementos se pueden identificar en varios de los movimientos de "nuevo cine" que han sido inmediatamente anteriores a él, así como contemporáneos al mismo.
Si partimos por lo que se encuentra más contemporáneo a la realización de este cortometraje, nos encontramos con que muchas de las transgresiones principalmente argumentales se vinculan con la Nouvelle Vague francesa. Argumentalmente, el cortometraje hace constantes referencias al mismo medio, el cine, cuya figura principal resulta ser Orson Welles, un director o auteur, lo que indica una preocupación y conciencia de la "teoría del autor" que fue una de las bases de la nouvelle vague (o más bien, la teoría creada y apoyada por quienes serían los cineastas de este movimiento) y que consistía en que la obra cinematográfica era principalmente responsabilidad del director y que se podría ver su "estilo" en todas sus obras, logrando así recuperar a muchos autores del cine norteamericano, demonizados sólo por ser de este país. La aparición de un actor/director en un rol de director (Orson Welles) se parece a la inclusión del director Fritz Lang en "Le mèpris" (1963) de Jean-Luc Godard, película perteneciente a la Nouvelle Vague y que, como esta, ocupa el trasfondo de la realización de una película para contar otra historia, lo cual transgrede con una "norma" narrativa de linealidad.
"La Ricotta" funciona también como un documental, una especie de "making-off" de una película ficticia de Orson Welles sobre la Pasión de Cristo, elemento presente en la Nouvelle Vague (y también el Neorrealismo) por el predominio de los exteriores y el afán de documentar una situación que podría ser real, o es la imagen de un personaje popular (Stracci); Alain Resnais en su "Hiroshima mon amour" (1959), perteneciente (supuestamente) a la N. Vague, usa el dispositivo documental al inicio para darle un verismo al resto de la película, ayudado por el hecho de estar grabado en locación (tanto el documental como la ficción).
El uso de la música en "La Ricotta" es desarticulada con respecto a la imagen, y hay veces en que incluso las voces no se coordinan con quienes las dicen, como ocurre la vez en que alguien grita "la próxima escena" y se puede ver a un perro moviendo su hocico, dando a entender que es quien lo ha dicho, lo cual es imposible. Esta desarticulación-desestructuración de los elementos mismos del filme, dan cuenta de una libertad, una liberación, un uso de las estructuras instrumentales de manera no convencional, que a fin de cuentas hacen evidente a las mismas, tal como ocurre en algunas cintas de la N. Vague. Dentro de esta transgresión instrumental se puede ver, además del ejemplo ya dado del "doblaje" de un perro, está el uso de música de baile en momentos inadecuados (y alguien reclamando por ello), o la aparición y desaparición de la música en momentos al parecer aleatorios (la conversación del periodista con O. Welles, la música se silencia y vuelve a aparecer cuando recita un poema), el cambio a color entre las escenas filmadas de la película inexistente y la historia del hambriento Stracci. Era intención de la N. Vague, o más bien de J.L. Godard, el hacer evidentes estos elementos con los que se hace una película, como hizo con la edición en "Sin Aliento" (1960) y sus jump-cuts, o en "Vivra sa vie" (1962) con la aparición y desaparición aleatoria de música (como en "La Ricotta") en los créditos iniciales.
También existe en "La Ricotta" otra transgresión que está dada por la N. Vague y esta es la de la mezcla de géneros, como ocurre en "Tirez sur le pianiste" (1960) de Truffaut donde hay una escena musical (con karaoke) en una historia que parte como un drama y termina como película de gangsters; en este caso hay una mezcla entre un drama social (hambre), comedia, cine sobre el cine, crítica social (el final) y un melodrama (final moraleja). Todos esos géneros conviven en diversos momentos y pertenecen a una transgresión mas bien cercana a lo argumental, pues parecen escenas de varias películas y sin embargo, conviven.
Hay que nombrar brevemente el "cine poesía" de Pasolini, que se presenta y se hace evidente en su negación por parte de Orson Welles mientras dirige su película, pues los planos parecen mas bien cuadros inmóviles y que, cuando alguien se mueve, debe ser repetido hasta la quietud total. El cine poesía aboga por un lenguaje propio al cine, que estaría dado por el movimiento más que por lo que se dice, por lo que esa inmovilidad es una crítica estético/ideológica de el cine que no es poesía llevado al extremo.
El personaje principal es hambriento y todo lo que hace (vestirse de mujer, vender a un perro, crucificarse) lo hace movido por el hambre y la comida que podría recibir. Hay en esto una cierta transgresión argumental/ideológica a la hora de mostrar a un personaje así que pertenecen la sociedad contemporánea italiana de ese tiempo, una exposición ante el escrutinio de los propios italianos a comprender su situación y "cambiarla" (si es posible) y ante el mundo (representado por Orson Welles). Esto está claramente influenciado, al parecer, por el Nuevo Cine Latinoamericano, específicamente del manifiesto "Estética del hambre" de Glauber Rocha.
Pese a todo, la película no se parece en mucho a una película bajo la estética del hambre, pues a el personaje Stracci no se le ve llevado a la violencia a causa del hambre, pues es a fin de cuentas una persona buena, que no puede ensañarse contra un perro por haberse comido su almuerzo, aunque sí es capaz de venderlo aunque no sea suyo. Además el tono comédico, dado por la música y las aceleraciones, que se le da al personaje en búsqueda de saciar su hambre está lejos del tono serio y crítico que tienen la mayoría de las obras del Nuevo Cine Latinoamericano, comprometido y militante. En "La Ricotta" la crítica está presente y es una trangresión ideológica enorme de la que sucede hacia el final, pero durante mucho tiempo se ha ridiculizado al hambriento Stracci como para que se le vea como un cine eminentemente partidario a una causa.
Durante los primeros momentos de la película, parece ser un filme neorrealista por la aparición de personajes desposeídos y hambrientos, como lo es el actor y su familia, así como el constante deambular de Stracci, perteneciente a este movimiento. Lo mismo en su crítica social hacia el final, una transgresión ideológica contra el pensamiento de estado y, a lo largo del filme, ridiculizando la imagen e historia de Cristo. Stracci queda como un Jesús que muere frente a los políticos para dar a conocer su situación social y su muerte puede (o no) salvar a otros como él.

Nota: 7, el profe me felicitó.

Le voyage dans la lune (1902)

1001 y Más, por Jaime Grijalba.
A Trip to the Moon es reconocida como una de las primeras grandes películas de la historia del cine, dirigida por el francés Georges Mèlies, el primer mago y auteur de cine, nos presenta la historia basada en el libro de Julio Verne "Viaje a la Luna" y "Los Primeros Hombres en la Luna" de H.G. Wells, tomando distintos elementos de ambos libros para presentarnos una de las primeras narrativas de la historia del celuloide.
Curioso resulta que la primera narrativa propiamente tal... es decir, la más exitosa, es decir, que cuenta con una estructura de tres actos, con punto de máxima perturbación y todos los demás elementos que vienen con la estructura clásica, que podríamos decir que es la primera vez que se adapta al cine y funciona perfectamente... bueno, curioso resulta que sea de género, particularmente de Ciencia Ficción, uno de los géneros que le ha dado al cine lo mejor y lo peor de sus momentos.
El hecho que esta sea la primera Gran Película de la historia del cine habla del porqué fue creado a fin de cuentas, contamos con una historia ficticia, una historia que habita en los libros y las imaginaciones de los hombres de ese tiempo. Resulta difícil creer que aún faltarían 67 años para que alguien pudiera llegar (supuestamente) a pisar el suelo lunar y plantar una colonizadora bandera en su superficie.
Esta película la conocí hace mucho tiempo, inconcientemente, sé que la vi cuando tenía muy pocos años. Es curioso pensar que antes en el UCV Televisión, Canal 5, dieran el Conde Pátula, para luego dar cortometrajes clásicos mudos en blanco y negro. Recuerdo haber visto al Gordo y el Flaco, así como creo haber visto algo de Chaplin, pero hay una imagen que no se puede borrar y es la de la cara de la luna con un cohete incrustado en su ojo.
Años después, un 11 de Noviembre del 2005 para ser más exactos, con Sebastián Rebolledo fuimos a la inauguración de la Biblioteca de Santiago, nos inscribimos (aún tengo esa tarjeta impresa) y entramos a ver los libros, encontrándonos con el libro de las 1001 Películas Que Hay que Ver Antes de Morir, editada por Jay Schneider, cuya primera película era esta.
¿Puedo decir que mi entusiasmo por el cine se multiplicó por 1001 esa misma tarde? No puedo agradecerle más al señor Schneider y a Seba, por abrirme a un mundo que de verdad ha cambiado mi vida para siempre.
Con el tiempo llegué a ver esta película/corto de nuevo y volver a maravillarme por su simpleza y a la vez sorprenderme por lo elaborado de sus efectos especiales. Recomendado para todos los que quieren siquiera considerarse que les gusta el cine. Si no la ha visto, arriba dejé el video.

9/10

The Social Network (2010)

Esta es la crítica a una de las películas más esperadas del año según mis dos listas que hice casi a principios de año. Esta película en particular estuvo en ambas encarnaciones, sólo bajando un par de puestos.

Me Gusta, por Jaime Grijalba.

¿De qué se habla cuando se critica una película como "La Red Social"? ¿Se habla de su música, perpetrada por los músicos de NiN? ¿De sus actuaciones? ¿De su fotografía? ¿De su "simpleza" narrativa? ¿De lo "diferente" con respecto al resto de la obra de Fincher? ¿Cómo hablar de una película cuyo tema es una herramienta que ocupamos día a día y que muchas veces queremos y otras odiamos? Está tan cercano a nosotros que es difícil reaccionar de una manera específica. Creo que los únicos que pueden criticar bien esta película son las personas que no han usado Facebook en su vida o quienes lo empezaron a usar después de la película. Esto es porque su mente se encuentra 'liberada' de toda nuestra experiencia generacional relacionada con esta herramienta de comunicación.
Como asiduos usuarios (o ex usuarios) de Facebook podemos tener dos clases de reacciones a la película. O nos gusta o no nos gusta. A los que les gusta, será por las actuaciones, la fotografía y porque practicamente es fácil identificarse con las locuras que realizan los personajes, situaciones, que son bastante similares a las que hemos experimentado en nuestro mundo Facebook, o al menos hemos escuchado o visto ocurrir, es bastante universal y ocurren varios codazos de entendimiento si se ve entre un grupo de amigos. A los que no les gusta será porque se habrán dado cuenta de lo fútil del ejercicio que es estar y la existencia misma de esta red social, y seguramente terminarán en un corto período de tiempo, saliendo de Facebook para nunca más volver.
Finalmente, tenemos a la gente que no conoce Facebook, o sólo tiene vagas referencias acerca de lo que es. Son ellos quienes pueden dar críticas fehacientes acerca de este trabajo, basándose en las cualidades técnicas, actorales, de trama, etcétera, sin dejar paso (demasiado) a la opinión personal. En ese sentido, igualmente estamos perfecto, hay un consenso, la gran parte de las críticas han sido tremendamente positivas, como en el caso de Roger Ebert y Michael Phillips, entre blogueros en inglés, sitios de internet, que no necesariamente se encuentran entre los usuarios de Facebook.
Bien hecho David Fincher, has logrado crear una película que atrae a más gente de la que pensabas en un principio. Sobre mi opinión, poco se puede decir. Como dije cuando terminó la película:

"It's not the best movie ever, but I liked it".

9/10

Machete (2010)

Esta es una de las críticas a las películas que más espero del año de acuerdo a las dos listas que hice a principios de año. Esta película apareció en la segunda lista solamente.
MACHETE NO CRITICA, por Jaime Grijalba.
NO CRITICA.
NO CRITICA.

9/10

Los 75 de Woody Allen

En honor al cumpleaños número 75 del director, escritor y actor Woody Allen, realizaré un Top 10 de las mejores películas en las cuales ha tenido algún tipo de relación. No habrá una explicación, pues espero hacer algo más extenso en el futuro. Repetiré este Top 10 cada Primero de Diciembre para conmemorar su cumpleaños, pues sin duda cambiará cuando termine con él. A continuación los dejo con el top 10.

10. Zelig (1983) - actor, director, escritor.

9. Radio Days (1987) - narrador, director, escritor.

8. What's Up Tiger Lily? (1966) - actor de voz, director, escritor, productor asociado.

7. Manhattan (1979) - actor, director, escritor.

6. Another Woman (1988) - director, escritor.

5. Sleeper (1973) - actor, director, escritor, compositor.

4. Broadway Danny Rose (1984) - actor, director, escritor.

3. The Purple Rose of Cairo (1985) - director, escritor.

2. Love and Death (1975) - actor, director, escritor.

1. Interiors (1978) - director, escritor.