Sam's Flick Picks #13 - Otona no miru ehon - Umarete wa mita keredo (1932)

Antes de empezar a criticar esta película, me es imposible antes mencionar el terremoto que ha asolado a Japón, con su consecuente tsunami y posteriores fallas nucleares, que han terminado siendo el mayor riesgo de todos. Ojalá pudiera ayudar de alguna manera, desearía hacer algo, pero no puedo, pero llamo a todos los que sí pueden a donar a la Cruz Roja dinero para poder ayudar a quienes nos han ayudado tan numerosas veces. Ahora, ya que viene al caso, vamos a hablar de una película japonesa de los años 30 y, nuevamente en esta sección, del director (ya un autor bajo mi punto de vista) Yasujiro Ozu, que en esta ocasión se nos presenta de forma muda y en blanco y negro. De este período, he visto sólo una película de él, y es "A Story of Floating Weeds" (1934), que considero su mejor película de las que he visto.
Pero I Was Burn, But... es distinta a la mayoría de las películas de Ozu que he tenido el agrado de ver, pues pese a que sigue basándose en su tema fundamental de la familia japonesa contemporánea, ahora lo hace a través de los métodos de la comedia por sobre de las del drama. Centrándose en dos personajes infantiles hermanos que llegan a un pueblo nuevo, nos presenta una lección de vida, una fábula (como dice su título original) para niños y adultos, que nos enseña, de alguna manera, cómo convivir con nuestros iguales y qué es lo que queremos de la vida.

La película parte con un auto tratando de salir de un bache de barro, es un carro de mudanza que lleva las cosas de una familia que se está mudando a los suburbios, dos niños y su padre logran sacar el auto, algo así como "familia unida, jamás será vencida", pero en clave de humor. Mientras los niños viajan a la casa nueva en el camión, el padre pasa a visitar a su jefe, que es donde vive cerca ahora. Aquí es donde se vislumbra de lo que se va a tratar la película: podemos suponer que el padre se ha mudado a un sector mejor de la ciudad, para así tener mejor contacto con su jefe, y así ganar su favor.
Pero la película no se trata del padre, sino de los niños, que empiezan a tener graves problemas con los chicos del pueblo (uno de los cuales es el hijo del jefe del que hablaba), con quienes se pelean constantemente. Llegan al extremo de faltar a clases para evitar encontrarse con ellos, llegando obviamente al extremo de mentirle a sus padres, lo cual será inmediatamente descubierto. La película se mueve por esos códigos de esconder, descubrir y luego un giro; como el momento en el que los niños le pagan a un joven empleado de un licorería para amenazar al bravucón en jefe, por lo que ellos se transforman en los nuevos "líderes".

Es increíble lo rápida que se vuelve la película cuando ya empieza a agarrar su propio ritmo de comedia, sobre todo cuando se trata de una película muda, pero se mantiene debido a que la mayor parte de ese humor tiene que ser físico, y las situaciones, algunas, son bastante graciosas como para avanzar la trama y describirnos, a la vez, a los personajes. Sin embargo, no es perfecta, y muchas veces termina siendo débil en ese aspecto.
El punto alto de todo es la calidad de las actuaciones de todos los niños que pululan la cinta, así como el mensaje que viene a volver delicado nuestros corazones hacia el final, donde aprendemos que no importa tanto lo que somos para los demás, sino lo que somos para quienes amamos y para quienes de verdad nos importan. Qué lindo. El DVD que me dió Sam es de la colección Eclipse de Criterion, con una banda sonora increíble (mi mamá dijo que parecía que alguien estuviera tocando en la pieza), y un menú bastante simple. Sobre la calidad no puedo quejarme, quiero creer que es la mejor a la que se puede aspirar tratándose de un filme japonés tan antiguo.

9/10

Farley Granger (1925 - 2011)

Farley Granger es un rostro difícil de olvidar para quienes somos fanáticos de Alfred Hitchcock. Él interpretó dos personajes tremendamente ambivalentes y más conectados de lo que parecen en dos tremendas películas de Hitchcock y murió en el día de hoy a los 85 años de causas naturales.

En "Rope" (1948) interpreta a Phillip Morgan, uno de los asesinos de la película, y tremendamente ambiguo en su sexualidad debido a su cercanía con su compañero de crimen. Es el primero en caer, de carácter débil e impetuoso, aún es un niño avergonzado y con culpa de los crímenes que acaba de cometer. Es una interpretación maravillosa, llena de matices, acompañada de una sublime mímica de tocar el piano que convence lo suficiente.

En "Strangers on a Train" (1954) interpreta a Guy Haines, el hombre que se ve asediado por un maníaco, un asesino, que lo obliga a cumplir una promesa que nunca fue hecha en serio. Él quería deshacerse de su novia, nuevamente una ambigûedad sexual presente, y este desconocido ofrece matarla a cambio de que mate a su padre. La performance está llena de pequeños momentos que la hacen increíble, pero las caras de confusión y horror ante las situaciones que se le presentan hacen de todo un paquete perfecto.

Que descanse en paz.

Terror Firmer (1999)

Hacer Cine y Morir en el Intento, por Jaime Grijalba.
Hay ciertas películas que son hechas para un público específico y que no a muchos les gustará, son películas con un target específico y que enamorarán a los que va dirigido. Seguramente no será un gran éxito de taquilla, o si lo logra será con un gran aliento mediático que se representará de forma negativa en foros o páginas que admiten los votos de los usuarios. Por ejemplo, dos películas que salieron el mismo año sufrieron de una mala prensa y crítica impresionantes, pero he encontrado en este enorme universo que es el internet a personas que les gusta esta película y que, obviamente, son una minoría a la cual yo pertenezco, hablo de "Southland Tales" (2006) y "Silent Hill" (2006).
Y luego hay otro tipo de películas, las que te hacen querer hacer películas, dirigirlas, escribirlas, estar en ellas, películas que no necesariamente tienen que ver con la industria de hacerlo como es el caso de "Ed Wood" (1994) o "Adaptation." (2002), sino también obras inspiradoras como "Donnie Darko" (2001), "Oldboy" (2003), "Un chien andalou" (1927) o "The Evil Dead" (1981), que combinan de forma tan magistral los elementos del movimiento, el sonido y la trama que son ejemplos perfectos de qué es el cine hoy en día, y más específicamente el cine que quiero realizar. El cine que me inspira y ha inspirado a otros jóvenes cineastas varía de diversas formas, pero las figuras se mantienen constantes, hay un elemento increíble dentro de ellas que se hace evidente en lo que es la magia de realizar películas: un plano, una criatura, una técnica, la fotografía, lo que sea.
Bueno, esta película tiene elementos que mezclan algo de los dos párrafos anteriores, pero no completamente como para transformarse en una de mis favoritas, pero sí para poder llamarla una de las mejores películas que tienen la potencia de inspirar. La película trata sobre una productora independiente, tal como lo es Troma, que trata de hacer una película con un presupuesto bajísimo y que se trata sobre un mutante, como lo es "The Toxic Avenger" (1984) de esta compañía. Lo que sucede es que, de repente, un asesino empieza a matar a todos los que están involucrados, una mujer misteriosa de pelo largo y gran fuerza, con la capacidad de sacar brazos de un suácate y poder cortar personas en pedacitos con sólo esforzarse un poco.
Lo mejor es que la película puede estar basada en cosas que realmente pasaron en la larga historia de Troma, y eso lo hace genial, pues respira una atmósfera de veracidad que pocas películas pueden aspirar a obtener, pues sus protagonistas están ahí mismo: los actores, los técnicos, incluso el director Lloyd Kaufman que interpreta al director de la película, que está completamente ciego y da lugar a las situaciones más hilarantes. Con la aparición de Lemmy de Motorhead como un periodista, un destripamiento realizado por una escalera mecánica y otra aparición de Lemmy haciendo la narración de un informecial a favor de la tolerancia a los hermafroditas, esta película es muy graciosa y sangrienta. Catártica y algo que deben ver todos los directores.

8/10

Elizabeth Taylor (1932 - 2011)

Una de las últimas estrellas e íconos del cine en los años dorados ha fallecido por causas relacionadas con el corazón y toda la comunidad online y del cine se ha sentido muy dolida a causa de esta terrible noticia, ya que pese a encontrarse desde ya hace algún tiempo complicada de salud, 79 años no es una edad para morir. Mi abuela va a cumplir 81 y la veo mejor que nunca, así que siempre va a ser una pena perder a ese ícono.
Como siempre, iré revisando año por año su filmografía, notando las películas que he visto de ella:
1958: Cat on a Hot Tin Roof. Considerado uno de sus mejores roles, aunque su papel podría confundirse por eye candy, su actuación en este clásico teatral es impresionante, pues logra hacerle el peso a su contraparte amorosa. La tensión sexual entre ambos se palpa y eso se debe a dos razones, a la enorme y complicada actuación de Liz y lo sexy que era ella, no vengamos con cosas.
1959: Suddenly, Last Summer. Ella hace de la novia del hombre que fue asesinado en un paìs lleno de salvajes... curiosamente, nuevamente està emparejado con un personaje cuya sexualidad no està enteramente definida, lo cual resulta una elecciòn tremendamente interesante, pues su cuerpo claramente es como para no equivocarse, ¿no creen ustedes? De todas maneras, esa escena final del relato indica una enorme potencia actoral, poderosa de veras.
1994: The Flintstones. La película de los Picapiedras no podría estar más lejos de las obras que se acaban de revisar, pero merece un lugar pues fue uno de sus últimos papeles, y hay que reconocer que no se ha visto más glamorosa que con una piel de dinosaurio encima. Auga.

Que descanse en paz.

Sam's Flick Picks #12 - Macabre (1958)

Tenemos entre nosotros la tercera película del director William Castle que he tenido el placer de ver en esta nueva sección de las Selecciones de Sam Juliano y que se pudieron leer en las semanas anteriores. En esta ocasión tenemos la primera película que se puede determinar como parte de su período de "Gimmicks", es decir, pequeños elementos que no pertenecen o son anexos a la película y que vienen a "mejorar" la experiencia de alguna manera. Generalmente estos elementos estaban relacionados con cosas que pasaban cuando uno la veía en el cine, así que han perdido algo de su encanto al pasar a DVD o VHS.
En esta cinta, tal como se ha sabido en libros acerca de William Castle, incluyendo su propia biografía, el truco en esta simple película, que tiene una estructura bastante curiosa y un final bastante inesperado, era que el precio de una entrada para ver la película implicaba que uno quedaba completamente asegurado por una firma inglesa en caso de morir de susto. Claro que esta oferta cambiaba con el tiempo o con los lugares en los cuales se mostraba, había veces en que simplemente se decía que tu entierro era gratis en caso de morir, nuevamente, de miedo. Claro que, de alguna manera, este fue el Gimmick más exitoso pues nadie murió y segundo por que no hay referencia al mismo dentro del cine (salvo por un aviso al principio que dice avisar a un médico en caso de sentirse alguien mal y otro al final pidiendo no revelar el final).

Porque de verdad la única desventaja de ver películas de Castle es que si se hace mucha referencia dentro de la misma a que existe un elemento que ya no funciona al tenerla en DVD disminuye su valor de alguna forma, como ocurre en "The Tingler" (1959), que William Castle mismo nos explica cómo funcionan los movimientos que no sentiremos a menos que lo hayamos visto el año en que fue estrenada, o alguien lo suficientemente loco haya recreado las condiciones. Pero bueno, hora de empezar a contar de qué se trata esta película.
La historia parte con un robo, el dueño de la funeraria le dice al policía que le han robado un ataud para niño de su tienda y que lo necesita. Luego, vemos a un Doctor, nuestro protagonista, quien conversa con el policía y le recuerda sobre la muerte de su esposa y la pequeña hija que tuvieron, de tres años de edad. Hay ahí una rencilla. Nuestro doctor se junta con su secretaria/enfermera en su estudio y deciden irse por el día, pero al llegar a casa, el doctor no encuentra a su hija de tres años en ninguna parte. El doctor sale a ver a su novia y cuando se encuentra afuera llaman por teléfono a la casa, su enfermera/secretaria contesta y se desmaya.

Bueno, pues lo que sucede es que esta niña está desaparecida, probablemente ha sido enterrada viva en el cementerio por algún maniático que quiere vengarse por la muerte de la esposa del Doctor, que era bastante querida en el pueblo. En esto también se empieza a involucrar el padre de la esposa muerta, cuya otra hija también ha muerto recientemente y que va a ser enterrada a medianoche, como a la hora en la cual la hija moriría por falta de oxígeno. Todo esto se distribuye de excelente manera y con un cast realmente impresionante en la calidad de sus actuaciones. Luego está la estructura que sigue, que puede resultar bastante convencional, pero en esta película tan corta resulta refrescante.
La película se interrumpe en dos ocasiones para realizar dos flashback que cuenta la historia de las dos hermanas muertas, recurso necesario para poder entender toda la historia y las complicadas redes que los conectan, así como para llenarnos de sospechas acerca de quién podría llegar a ser el culpable de tan horripilante acto de maldad contra una niña. Lo otro que debo destacar es la fotografía, que se destaca en la noche entre la bruma y en el día, cuando el sol golpea los rostros de los personajes, dándole a la película una calidad técnica y una profundidad que merece ser analizada con más cuidado.

Finalmente es una película sin muchas aspiraciones, no quiere ser mucho más que entretenimiento y sorprendente con un final que te sorprenda, pero su elevada calidad técnica la hace destacarse por sobre ejercicios similares. Sobre el DVD que Sam mandó, no tengo idea qué es ni de dónde viene, pero no tiene extras, sé que hay uno nuevo, pero no creo que tenga mejor calidad que la excelente que tengo en mis manos.

8/10

Creature from the Black Lagoon (1954)

Renoir y Bergman, por Jaime Grijalba.
Ya ha pasado algo de tiempo desde que vi por primera vez este clásico de la Universal, y una de las últimas películas de monstruos de esta compañía en su edad de oro, y me había parecido competente, entretenida, obviamente un tanto ridícula, valía la pena verla, pero no era lo mejor que había hecho este equipo. Debo decir con toda claridad que me había olvidado completamente de ella al poco tiempo de haberla visto, pero a los dos meses, o algo así, pude ver unas escenas en la televisión nuevamente y... quedé hipnotizado.
Era una de las escenas que ocurren bajo el agua, creo que la primera. La chica linda de la película se pone su apretado traje de baño y empieza a nadar... no, no fue la figura de esta mujer la que me mantuvo hipnotizado, aunque sí era bella, no era algo para quedarse embelesado mirando, hay cosas mejores a un click en internet. La cuestión es que debajo de ella se pueden ver las movedizas algas que acarician los pies de la mujer y a la vez esconden a la horrorosa criatura, que estaba siendo interpretada en ese momento por Ricou Browning, un experto en estos temas.
No sé cuánto dura la secuencia, pero es como un trozo de oro rodeado de carbón, que también es útil, pero no tan bello. Esa secuencia bajo el agua, la primera, en la cual vemos por primera vez al monstruo mientras esta mujer nada es una de las mejores escenas de la historia del cine, fácilmente. La manera en que está coreografeada y editada es simplemente una belleza, como sacado del mejor cine arte europeo, y eso incluye el diseño del monstruo. Hay algo que atrae en esta película y se encapsula en esa pequeña escena. Jean Renoir hizo algunos arreglos para el guión, después de todo estaba en ese momento en Estados Unidos realizando películas, y eso le pudo dar cierto nivel.
Luego tenemos el conocido hecho de que Ingmar Bergman, reconocido como uno de los mejores directores de la historia del cine, la veía todos los días de su cumpleaños. Tal vez había algo en la fotografía, algo en ese blanco y negro, en esa piscina de estudio que hizo de ese río de las Amazonas había una perfección que se transformó en inspiración para estas personas y para muchos directores jóvenes que vieron en esto la posibilidad, la inspiración, la capacidad de hacer algo que se acercara a lo que los haya hipnotizado cuando niños.

8/10

Noticias de "Kiseki" (2011) #2

Hay excelentes noticias sobre la nueva película de Koreeda, "I Wish" (2011), primero tenemos un nuevo trailer en japonés, aún sin subtítulos, que nos muestra los personajes y la historia un poco más detallada, además de poder ver algo de la excelente fotografía de la película. Aquí les dejo el trailer.

La película, recordando, trata de dos hermanos que viven separados a causa de una ruptura matrimonial, pero la construcción de una línea de tren les dará la esperanza de que algo podría pasar, un milagro, que lleve a todos a ser un poco más felices.
La otra buena noticia es que la película se estrenará en Japón el 11 de Junio y tiene su propio sitio web, en japonés, que pueden revisar aquí.

Michael Gough (1917 - 2011)

Tengo la mala noticia de comunicarles acerca de la muerte de este increíble actor, ya veterano, pero que aún se mantenía, de alguna manera, activo en ciertas cintas. Nacido en Malasia, fue un actor que se desarrolló principalmente en el cine y la televisión inglesa para poder llevar esa personalidad, en sus últimos años, al cine estadounidense.
Haré mi clásico obituario cronológico acerca de este gran actor:

1958 - Dracula. Realizó el papel de Arthur, el ayudante de Van Helsing, en este clásico del terror Hammer. Con esto empezó una relación con la compañía que daría excelentes frutos con los años.
1989 - Batman. Aquí hizo el papel por el cual quizás todos lo recuerdan, el de ArthurPennyworth, el mayordomo de Batman en las primeras cuatro películas hechas en Hollywood basadas en este personaje. Todos queremos a este personaje y muchos lo recordarán por su increíble y humilde actuación.

1999 - Sleepy Hollow. En su actuación como el Notario Hardenbrook, nos demostró que era posible para él interpretar un hombre bueno por fuera, pero lleno de culpa por dentro. Impresionante.

2005 - Corpse Bride. En esta película de Burton, le dió la voz al graciosísimo personaje del viejo sabio llamado Gutknecht. Uno de los más memorables de una excelente película.

2010 - Alice in Wonderland. Uno de los últimos papeles que realizó fue en esta película de Burton, en la cual hace la voz del pájaro Dodó, uno de mis personajes favoritos de la animada original, pero que aquí no fue tan importante, pero fue bueno escucharlo.
Que descanse en paz.

Sam's Flick Picks #11 - Horror Express (1972)

Durante los créditos iniciales de esta película, tuve una epifanía. Supe que la película me iba a gustar de tan sólo ver los créditos, sabía que iba a tener colores hermosos, personajes memorables, encuadres extraños y descoordinación entre lo que la boca decía y los movimientos de la misma. Fue de sólo ver los nombres de todos los técnicos, que eran todos españoles, que me di cuenta que esta película es una producción española con actores principales norteamericanos, pero cuyos otros actores serían doblados después.
¿Por qué tanta confianza? Pues tengo un poco de experiencia, mínima si se puede decir, pero todas las películas de terror españolas han estado muy bien en los ámbitos en que nombré, de hecho, "¿Quién puede matar a un niño?" (1976) es una de mis películas favoritas de todos los tiempos y justamente en esa sangre roja contra los desérticos parajes es una de las razones por la cual lo es. Aquí mi predicción resultó correcta, el rojo de la sangre contra el blanco de los ojos de los muertos (aparentemente) es una de las principales razones por la cual esta película me enamoró y me entretuvo.

La historia parte con Christopher Lee en China, en unas montañas nevadas, donde encuentra el horripilante cuerpo congelado de un hombre-mono que vendría a comprobar la evolución a partir del mono. La criatura es puesta en una caja y llevada a la estación de trenes para llevarla en el Transiberiano a Europa y luego Londres. Al llegar a la estación, Lee se encuentra con Peter Cushing, que se encuentra allí por motivos que o no logré entender o simplemente no se explican, pero me da lo mismo, con tal de tenerlos a los dos en escena soy capaz de aceptar que está ahí porque es Peter Cushing y nada más. Ellos se conocen y no se explica bien qué hay, pero es sospechoso y la química es instantánea, ya sea de viejos amigos, enemigos o amantes... ¿puede ser, no?

Pero alrededor de la caja que contiene el espécimen, que Christopher Lee insiste en llamar fósiles, ocurren cosas siniestras: un ladrón muere tratando de abrirlo (queda ciego y sangrante) y somos testigos cómo el guardián de la bodega del tren abre la caja (tras el influjo de Cushing) y ve a la criatura salir de la misma, viva y goteando, con un ojo rojo que se enciende y empieza a hacerle lo mismo que le sucedió al ladrón.
Lo que hace a esta película sencillamente genial son dos cosas. La primera son la cantidad de personajes memorables que tenemos arriba de este Transiberiano, tenemos un monje loco que aconseja espiritualmente a un viejo conde y a una flirtuosa condesa, que tiene algo que quiere la espía internacional, que es perseguida por la guardia del lugar, comandada por un oficial de policía bastante cuerdo, a quien se le agrega un ingeniero que tiene unas mil caras dentro de su carácter, pues tiene la potencialidad de ser malvado, bueno, coqueto, tímido... muchos creerán que es una mala caracterización, pero yo digo que es el personaje más humano en toda la película, lleno de contradicciones.

El otro elemento que hace a esta película tan buena, se divide a su vez en dos partes. Por una, tenemos que la película referencia muchas cosas que el terror de su tiempo estaba volviéndose de moda, como los zombies de "Night of the Living Dead" (1968), el giallo italiano con sus colores fuertes, Hammer con la elección de sus actores, el clásico lugar del tren como el escenario de un asesinato en serie cuyo culpable podría ser cualquiera de los presentes.

Y por otro lado está la cantidad de películas que vendrían, tal vez no necesariamente influenciadas por esta, pero que sí de alguna manera las anuncia, hablo de elementos de ciencia ficción mezclados con el horror que se pondrían de moda del modo presentado acá en "Alien" (1976), el slasher que sería popularizado de mala manera en "Friday the 13th" (1980), la paranoia y el problema de la identidad expuesto en "The Thing" (1980) y muchos otros elementos que se me vienen a la mente y que hablan de una película que fue escrita y filmada para ser vista hoy como un objeto de culto, que tal vez no tuvo necesariamente los elementos base, pero sí los supo identificar a tiempo.

La película sólo sirve para demostrar la enorme capacidad actoral de Cushing y Lee, además de su química constante y que siempre nos deja con un sabor dulce en la boca. La película bien podría ser una obra maestra, pero le falta prolijidad y ser más asustadiza para poder lograrlo. El DVD que me mandó Sam es realmente impecable, el color es fuerte y la copia excelente. El menú tiene la opción de escuchar del doblaje en español así como una opción que nunca había visto: escuchar sólo la música y los ruidos ambiente, no estoy seguro que esta película, cuyo sonido es sólo foley, necesite esto, pero sería bonito encontrarlo en otras películas, como las de Lynch. La recomiendo mucho y se puede ver ahora.

9/10

Noticias de "Scenes from the Suburbs" (2011) #3

El nuevo cortometraje de Spike Jonze, inspirado en la música de Arcade Fire, "Scenes from the Suburbs", tiene un nuevo trailer. Es emocionante y tiene una primera mitad que impresiona lo suficiente como para pensar en que tenemos entre nosotros algo mejor que "I'm Here" (2010), pero su segunda mitad con la música de los aún poco interesantes Arcade Fire vuelve esas esperanzas a la tierra y las ata con una cuerda gruesa alrededor de una estaca. Pueden verlo a continuación:

El corto será lanzado en DVD en mayo o junio. Ya tuvo su estreno en el Festival de Berlín y ahora se estrena en Estados Unidos en el festival SXSW esta semana.

The Mummy (1932)

Estas son parte de mis críticas a las películas de terror de la Universal en sus primeros años. ¡Atentos que viene una más después de esta!

Cómo consagrarse en 5 pasos, por Jaime Grijalba.
Boris Karloff fue un gran actor. El hecho de que pudiera actuar y sentir su actuación incluso bajo enormes capas de maquillaje lo hace destacable por sí mismo. Desde "Frankenstein" (1931) pasando por "The Raven" (1935), "The Man They Could Not Hang" (1939) hasta llegar a filmes como "Frankenstein - 1970" (1958) y "The Terror" (1963), tenemos a su haber una tremenda cantidad de papeles pertenecientes a la ciencia ficción y el terror, ámbito en el cual era un verdadero experto, pues sabía tanto asustar como actuar asustado.
Pero hay una película en la cual podríamos decir que Boris se consagró, se volvió el ícono de terror y a la vez pudo demostrar su enorme poder actoral para todos, "condenándolo", de alguna manera, a permanecer dentro del género (pero curiosamente no dentro del mismo tipo de personaje, como le pasó hasta entonces). Obviamente me refiero a "The Mummy" en la cual realizó el papel del sacerdote Imhotep que sale de su sarcófago buscando a su amor verdadero, perdido y reencarnado en una joven señorita.
Pero, ¿qué hace que esta actuación haya sorprendido a tantos y se haya convertido en su consagración para el género? Aquí cinco claves:

1. Buena Primera Impresión: La primera aparición de Imhotep es inolvidable, y no hablo de cuando vemos a la momia en su tumba, arrugada. Hablo de cuando la expedición inglesa que visita Egipto recibe la visita de Ardath Bey, la momia misma en su versión más humana y aceptable a la vista. La composición de estas tomas también ayudan. Primero es un plano medio-general del cuerpo de Bey en la entrada, luego un primerísimo primer plano del arrugado rostro de esta momia junto a sus ojos nublados y ciegos buscando. Esa es la mejor forma de presentar un personaje.
2. Levántate y habla: Boris Karloff tiene, seguramente por primera vez, más diálogo que ningún otro personaje de la película, y el descubrimiento de su profunda voz lo llevará al estrellato. Después de roles sin hablar como los de "Frankenstein" (1931) y "The Old Dark House" (1932), el verdadero poder actoral se demuestra con los estupendos diálogos y monólogos que tiene que realizar acá y que lo llevarán a ser recordado como una de las grandes voces del horror junto a Vincent Price.
3. Eres malo, pero te amo: Imhotep es un personaje malvado, es una momia que ha despertado después de milenios, capaz de hacer lo que sea con tal de recuperar su amor perdido, incluso matar. Pero el personaje, pese a todo, resulta ser lo más querible en toda la película, debido a que ese amor que lo mueve, y que resulta ser el motor de toda la película, es verdadero y sentimos que podría llegar a ser posible si es que esto se diera en un universo en que las momias no se descompusieran con el tiempo y su rostro fuera tan lozano como el de su querida. El amor se siente real gracias a ese largo flashback mostrado hacia la mitad del filme... hablando de eso...
4. Muéstrame tu cara... o caras: Sobre ese largo flashback, se ve a Boris Karloff haciendo el mismo personaje que hace ahora, salvo que menos viejo y más... bueno, si se puede decir eso. Vemos su cara de horror y susto cuando es enterrado vivo en el sarcófago, demuestra amplitud al compararlo con su rostro apretado del presente que apenas demuestra la emoción de suave pesar que lo inunda constantemente, a la vez que su amenazante postura que hace temblar a sus enemigos. La amplitud del abanico es lo que hace aquí memorable a Karloff.
5. Dame tu Fuerza, Momia: Mientras que la película en sí misma puede llegar a tener un legado muy importante, tanto entre las películas de terror de Universal, como en sus seguidillas espirituales como "The Mummy" (1999) o las múltiples secuelas y remakes con los mismos temas... la mayor influencia se encuentra en la interpretación de Boris Karloff, pues sus rostros de venganza y escueta emoción han sido repetidos no solamente por actores que interpretan momias o personajes malvados, sino también protagonistas que se vengan de quienes le han hecho daño, como ocurre en el cine coreano.

¿Sobre la película? Es imprescindible verla para los fanáticos del terror y de Universal.

8/10