100 Días de Terror - Nº8: Hausu (1977)

Eyecandy, por Jaime Grijalba.

Imaginen todo eso por hora y media. Durante los primeros 40 es cool y entretenido, increíble. Pero luego, se vuelve un poco cansador y la verdad es que me molesta que las protagonistas de esta película no hayan hecho nada malo para despertar o enojar o provocar sus continuadas muertes. Se siente, a medida que avanza, como un proto-slasher de los años 80... sin mucho sentido, sólo queremos ver las muertes. Pero el color, la fotografía y mucho del humor funciona en demasía. Vale la pena verla, en una de esas, la soportan mejor de lo que yo pude.

8/10

100 Días de Terror - Nº7: Der Student von Prag (1913)

William Wilson, por Jaime Grijalba.
Basado en un cuento poco conocido de Edgar Allan Poe ("William Wilson"), pero exageradamente adaptado a la pantalla y muy interesante en cuanto a su trama y posibilidades estéticas (tal vez esa es la razón, duh). La historia original trata de un personaje que desde su niñez ha sentido la presencia extraña de un otro, de alguien que se llama igual que él y con quien todos lo confunden, y quien parece perseguirlo en cada paso que da. Obviamente tenemos acá el concepto del doppelganger, la aparición doble "maligna" que realiza bromas o cosas pesadas o crímenes para dejar mal a la versión "buena" de la persona. Una especie proto-Jekyll y Hyde, pero de forma separada. Para cuestiones de este filme mudo de los años 10, se combina con un poema para darnos la trama de el estudiante de Praga, que hace un pacto con un brujo maligno para tener dinero y todo lo que quiera (a fin de conquistar a una miembro de la nobleza) a cambio de algo, que resulta ser su reflejo en el espejo.
La cinta se considera la primera película de terror en longitud de largometraje y también es la primera adaptación de un escrito de Edgar Allan Poe hecho para la pantalla grande. El filme, al estar hecho en la decada de los años 10 en Alemania, tiene mucho de Teatro Filmado del cine francés y poco del expresionismo alemán de los años 20. Eso juega a la desventaja en cuanto al posible interés que puede tener un largometraje que puede ser un tanto "plano" en cuanto a su composición, montaje y otros elementos, pero eso es a causa de la visión moderna, pero uno comprendiendo eso, puede disfrutar algunos momentos novedosos de la misma y que resultan sorprendente, como todo el juego de espejos y dobles que se realiza en los momentos más importantes de reacción y confrontación del maligno doble del pobre estudiante.
Pero aparte de esos pocos elementos, y de un final que en su tiempo pudo ser chocante y que ahora, aunque a algunos sorprende, puede resultar un tanto predecible, no queda mucho qué decir, la película no pasó a la historia como la mejor versión de esta historia (de la cual se harían al menos dos versiones más en alemán), pero por lo menos abrió al género al director y actor Paul Wegener, quien realizaría posteriormente una de las mejores películas de terror mudo de la historia: "Der Golem, wie er in die Welt kam" (1920).

7/10

100 Días de Terror - Nº6: Requiem for the Damned (2012)

De Reel Mala Onda, por Jaime Grijalba.
Basado en diferentes cuentos de Edgar Allan Poe, una serie de directores primerizos decide realizar una serie de cortos que serán compilados en una película de tamaño largometraje aceptable. Más que ser una oportunidad para mostrar los nuevos talentos que se acercan, pareciera que nos encontramos ante los próximos Uwe Bolls de la historia, porque sé que la calidad de una película compuesta por diversos cortos suele ser variada y el resultado general no muy excelente, pero es increíble la homogeneidad de los diversos cuentos, pues están todos tan mal dirigidos, mal iluminados, mal actuados, que pareciera ser un ejercicio de estilo, uno que ni siquiera se vuelve interesante, porque no hay estilo alguno (salvo una excepción que destacaré en su momento) y resulta desesperante ver cómo mancillan el nombre de Edgar Allan Poe con esta serie de fallidos cortometrajes que tienen el valor de llamarse adaptaciones "modernizadas" de "clásicos cuentos".
Para terminar de una vez con esta abominación, vamos a realizar una pasada por todos los cortometrajes, cada uno con su puntuación para terminar con un promedio. Vamos adelante y salgamos de este trámite:

· The Fall of the House of Usher (Robert Tinnell)
El cuento de la caída de la casa Usher de Edgar Allan Poe ha sido llevado varias veces al cine, pero es difícil capturar la verdadera esencia de esa terrorífica historia. Creo qeu es sensato decir que ninguna película le ha hecho el verdadero peso a la historia de Poe, ni siquiera "House of Usher" (1960) de Roger Corman, que aunque buena, no es excelente, y no captura el real elemento terrorífico que hay dentro de la historia, pero podemos hablar de esa película pronto otro día. Pero este corto... es lo más alejado posible a la historia original, con el peor grupo de actuaciones posible, y es increíble que traten de impresionar a las personas que compraron/arrendaron esta película poniendo este cortometraje primero. Parte con un tipo que busca a los herederos de una supuesta herencia que él debía tener, lo que lo lleva a la casa Usher... donde no ocurre nada interesante y de pronto tiene que arrancar por una razón que no se entiende y todo queda en nada. Inepto en todo sentido. (2/10)

· The Tell-Tale Heart (Aaron J. Shelton)
Hay cuentos de Poe que se inclinan más fácilmente a la comedia que otros, ya ven cómo la mezcla de Amontillado y el Gato Negro de Poe dio lugar a una divertida comedia de terror protagonizada por Vincent Price y Peter Lorre en el segmento del medio de la gran película que es "Tales of Terror" (1962). Pero hay otros cuentos que no pueden tener ningún ápice de comedia, debido a la seriedad del tema y de los personajes... es por eso que este cortometraje falla, pese a tener algunos elementos de interés, sobre todo en cuanto a la hora de encontrar un estilo. Aquí el corazón delator es el corazón dolido de la ex novia de un tipo, el problema es que el corazón no sólo late sino que le habla y le arruina las citas que quiere tener con esa nueva chica. Aún así el concepto es ridículo y nunca sabemos si ella está muerta o qué le pasa, o si algo tiene sentido o si todo es un sueño, por eso falla. (4/10)

· The Black Cat (Johnny Bones)
El Gato Negro debe ser otro de esos cuentos clásicos de Poe, quizás el más conocido, y el que más veces se ha adaptado y de las maneras más variadas y extrañas, y siempre con resultados más o menos competentes. Algunos se acercan más a la fuente original, otros se alejan completamente, eliminando toda mención a la complicada trama de relaciones maritales presentada por Poe en ese tiempo, como en la gran película de Universal "The Black Cat" (1934). En este caso nos encontramos con el que sea, quizás, el cortometraje más largo de todos, y tal vez por eso, el mejor de todos. Pero no sólo la posibilidad de desarrollar una trama más extendida, sino porque lanza un estilo propio que es difícil de superar una vez que se mira el conjunto, y le da su propio giro a la historia, contándola de manera poco convencional (a estas alturas la ya convencional narración desde la cárcel una vez que los hechos ya han sido cometidos), y con fondos completamente digitales, siendo todo grabado con pantalla croma-key, mezclando eso con un maquillaje expresionista sacado de las mejores películas alemanas de los años 20, así como claymation para darle a todo un toque gótico/extraño que le da a este corto que mezcla elementos de Jekyll y Hyde con Poe, algo de valor propio. Pese a todo, hay actuaciones muy sobreactuadas, y la falsedad de todo el asunto puede resultar un poco molestoso para muchos. (7/10)

· The Murders in the Rue Morgue (Anthony Vingas)
Lesbianas asesinas que se visten o se transforman en gorilas, sin detectives a la vista. Un desastre. (2/10)

· The Pit and the Pendulum (Tony Baez Milan)
El Pozo y el Péndulo es uno de los cuentos más difíciles y nuevamente, uno de los más conocidos de Edgar Allan Poe. Su mezcla de horror de época y crítica social lo hacen una lectura difícil en este mundo contemporáneo, entonces el director de esta cinta decide irse por el lado contrario, ambientándola en un futuro infernal, donde unas máquinas gigantes lanzan lava al cielo en una ciudad destruída y llena de cenizas. La trama es ínfima, pero queda mejor como trabajo de efectos especiales y maquillaje, pero poco más allá, casi no hay elementos de la trama original, salvo, quizás, algunos textos o discursos del cuento, que tal vez fueron modernizados para nuestro calvo y supuestamente poderoso protagonista. (5/10)

Bueno, eso es, bastante horrible en general. La puntuación final termina esta crítica.

4/10

100 Días de Terror - Nº5: The Brides of Dracula (1960)

El Link Perdido, por Jaime Grijalba.
James Rolfe todos los años, durante octubre realiza en su sitio Cinemassacre.com la famosa serie de videos "Cinemassacre's Monster Madness", donde lanza un video diario sobre una película distinta, la cual crítica y habla por un período de tiempo suficiente como para tener una idea completa sobre el filme en sí, entregando las mejores clases de cine de terror que he tenido el placer de encontrar en el Internet, él es una autoridad en el tema. Tanto así, que él ha sido la principal inspiración a la hora de mi fanatismo por las cintas de este tan vilipendiado género, por lo cual decidí hace ya tres años ir todos los días de Octubre viendo una película al día, generalmente la película que James Rolfe criticó en su video, para criticarla en mi blog antes de que dieran las doce de la noche. El año pasado, James Rolphe tomó el tema de las series de películas, las originales con sus secuelas/remakes lo cual le dió un total de 4 series completas que criticó en 31 días. Yo hice, casi, lo mismo, pues ya había visto algunas de las mismas, pero eso me dio la oportunidad de criticar toda la serie Hammer de Drácula (protagonizada por Christopher Lee). Sin embargo, esta película fue saltada (y mencionada a propósito) por Rolfe por el hecho de no contar con el tan afamado actor, y por no seguir realmente la trama de la cinta anterior, salvo por la aparición del gran Peter Cushing en el papel de Van Helsing. Ahora, ya fuera de esas barreras y fuera del tiempo de Octubre, pude ver hace algunos meses esta secuela que no fue criticada en su momento... y qué mal que no lo haya sido, porque es de las mejores secuelas de la original "Dracula" (1958) si es que tomamos en cuenta la calidad técnica del guión, la actuación y no simplemente la impresionante e intimidante figura de Christopher Lee en escena.
Nos encontramos en un lugar de la Europa profunda, seguramente el mismo donde podíamos encontrar a nuestro Drácula personal. A ese lugar llega una bella dama, sola, que busca refugio por la noche, el cual lamentablemente no le pueden dar los dueños de la cantina a la cual llega. Sus pedidos de ayuda llegan a los oídos de una vieja baronesa/señora de mucha riqueza, que le indica que su casa está abierta para recibirla, si es que lo necesita. Obviamente, todos tratan de detenerla, pues saben que no muchas personas vuelven de aquel malvado castillo, pero ella va y decide hacerlo de todas formas, ahí conoce al hijo de la condesa, del cual ella no le había hablado, misteriosamente... claro, porque se trata de un vampiro, que ha caído enamorado ante los encantos de nuestra joven protagonista, que sin saber, libera al vampiro para que vaya libre por los campos alimentándose de la sangre de jóvenes vírgenes inocentes. En eso llega Van Helsing al pueblo, que ya huele los problemas (o pareciera que los problemas se le apegan como si él fuera un imán), así que decide salvar a la joven y buscar al vampiro para poder derrotarlo finalmente.
Qué más decir que esta cinta es técnicamente una belleza, es de Hammer Pictures después de todo, con una fotografía y ambientación de época simplemente magistral, con colores vivos que saltan en la pantalla y la llenan de color y vividez, propia de la sensualidad de las vampiras mujeres, de las cuales hay muchas en esta cinta. Lo otro primordial y espectacular de la cinta es la gran presencia que tiene Peter Cushing en su clásico papel como Van Helsing, el cual interpreta a la perfección, como ya dijo alguien más sabio que yo, sin importar lo ridículo que sea, Peter Cushing le da a todo la gravedad y la capacidad actoral que la mejor obra de Shakespeare se merece. Hay secuencias impresionantes, como la batalla final en el granero, que incluye fuego y rituales demoníacos, así como una gran batalla mano a mano entre Cushing y el vampiro maestro. Sin embargo, hay momentos débiles y puntos de la trama que no se sienten tan interesantes, como todo el asunto del casamiento de nuestra protagonista, o el claustro en el cual entra para protegerse, el cual resulta bastante ridículo cuando sus leyes son revertidas tan fácilmente y entre una escena y la siguiente. Pese a todo, es una gran entrega, entretenida y que tiene genuinas partes de terror, la mejor secuela de la gran obra de la Hammer que es "Dracula" (1958).

8/10

100 Días de Terror - Nº4: Noroi (2005)

Horror en forma documental, por Jaime Grijalba.
Uno pone una película en su DVD sin saber qué esperar... o aprieta play en youtube sin saber qué es lo que le espera, por eso el inicio de esta cinta es tan poderoso, porque parte con una profunda voz japonesa contándonos la historia de un investigador de lo paranormal que ha desaparecido hace algunos meses y que se dedicaba a realizar documentales en formato VHS sobre diversos eventos extraños ocurridos en todo Japón, por donde se movía con un afán periodístico del más alto nivel, consiguiendo las entrevistas, los materiales y los experimentos fílmicos más extraordinarios, demostrando irrefutablemente la existencia de fuerzas paranormales en nuestra realidad, y sobre todo en la sociedad espiritual japonesa. Cuando vemos ese rostro investigador, ya conocemos a este personaje y sabremos que no se va a detener y que nunca va a dejar de grabar aunque esté pasando por el momento más peligroso de su vida.
Luego, la voz nos muestra una cinta, el último VHS editado, dirigido y producido por nuestro investigador paranormal, Masafumi Kobayashi. El quizás más controversial e increíble de sus videos, "Noroi: The Curse", el último que se lanzara antes de su misteriosa desaparición. Luego la cinta pasa a mostrarnos el material grabado por Kobayashi y puesto en la cinta tal cual como está ahí, con los efectos de edición, el material de archivo, los textos, las investigaciones, las entrevistas, los experimentos y quizás la mayor aventura de la vida de Kobayashi, involucrando apariciones reales con fantasmas, rituales ancestrales, figuras demoníacas de un pasado perdido y una historia demasiado escabrosa como para poder creerla en un principio... pero que nos aseguran que es real, en un cien por ciento, o al menos así es como queremos tomarlo aquellos que estamos disponibles para suspender nuestras dudas ante algunos elementos poco lógicos de su historia... o por los efectos especiales...
Pero lo que de verdad es lo más efectivo de toda la película es que cuando termina la película hecha por Kobayashi... retrocedemos y volvemos a ver la consola donde se realizaba la reproducción de este VHS, como si todo este tiempo hubiéramos estado haciendo un zoom in hacia una pantalla digital viendo ediciones y entrevistas, material de archivo y reacciones de horror, siendo testigos por una doble pantalla de los hechos documentados, como si fuera necesario protegernos con una doble barrera de separación (la nuestra y la que reproduce el evento) de los horrores reales y cercanos a los cuales hemos sido testigos, como si ese VHS contuviera la maldición en sí y esta fuera de alguna manera contrarrestada a través de este elemento de la doble pantalla. Pero eso no es todo, sino que el recurso es utilizado para decirnos que eso no es todo lo que tenemos que ver, sino que hay más material, uno que viene a llenarnos de todo el miedo que tal vez esa cinta cuidadosamente editada no pudo lograr. Una toma secuencia, quizás la toma secuencia del género del terror más efectiva de toda la historia. Una que no resuelve, sino que hace más preguntas. Las que sólo se responderán en nuestras cabezas, debido a la incertidumbre acerca de la realidad de lo que acabamos de ver.

"Noroi" (2005) es uno de los filmes de terror más efectivos de la historia del cine japonés de terror, el cual tiene una amplia historia desde el cine mudo, pasando por las cintas de época samurai con fantasmas, ciencia ficción y llegando a esta, una de sus cumbres más altas, usando el método y la tecnología de las cintas de "metraje encontrado", nos encontramos con la obra maestra de este género del documental falso de terror (pero qué tan falso es, el elemento japonés nos entrega aún más inquietud, no podemos corroborar al 100% que todo es ficticio). Una obra que mezcla todos los elementos que hacen efectivas a estas películas: la sorpresa, la sensación de realidad, la actuación naturalista y las tomas en forma "amateur" (elemento que se ve disminuido en gran parte del metraje a causa de la profesionalidad con la cual se manejan algunas tomas, es decir, nos encontramos por primera vez con un camarógrafo que no nos marea cuando sigue movimientos traseros de personajes o cuando decide irse en una tangente de la investigación y explorar por su propia cuenta.
Hay un elemento tribal japonés que siempre me ha parecido demasiado interesante y que aquí se siente vivo, real, usado de su mejor forma, pero sin que nunca se muestre un ritual del cual participen nuestros protagonistas (sólo se ven atisbos de la tradición y el antiguo ritual en retazos de filmes de archivo, encontrados ya bastante avanzada la trama de la historia), o encontrando retazos de esos rituales, ya que el último se realizó hace varias décadas, y el único rastro de ese ritual se puede sentir en la carne de un par de personajes, que han quedado marcados por los mismos y que aún viven sus secuelas, y que finalmente son los verdaderos responsables de los eventos que ocurren en Japón y que está investigando nuestro sagaz reportero paranormal Kobayashi-san.

Uno de los elementos técnicos mejor logrados de la cinta es la gran variedad de lugares que son visitados y que son realmente importantes para la trama, y el gran detalle que se le da a la ambientación y caracterización de esos lugares, así como la gran labor de búsqueda de los lugares precisos: pueblos, campos, templos, donde deben ocurrir los eventos más importantes y asustadizos de la película. Es importante recalcar la película da miedo, mucho miedo, y es una gran película de terror tanto por lo que muestra como por lo que no muestra, y aunque suene tonto decir que es una película de terror que da miedo, pero es que en estos días modernos, tantas pocas cosas dan miedo, que es necesario decirlo sobre una película, pues es algo difícil de lograr.

Otro de los enormes logros es el pensar que todo "material de archivo" fue creado especialmente para la película, y se nota que este director tiene una gran experiencia y varios contactos con varios tipos de medios y mundos de diversos tipos, pues pudo grabar en varios estilos de distintos programas de televisión, de manera que resultan completamente realistas dentro del contexto de la televisión japonesa y la narración que se está llevando a cabo. Basta pensar que uno de los elementos que más miedo da de toda la película se da en el contexto brillante y colorido/divertido de un programa de televisión de variedades, donde se muestra un reportaje/experimento hecho con niños para demostrar sus poderes psíquicos, y la forma en que la niña más perceptiva falla es de lo más espeluznante que van a ver, además de tener una consecuencia hacia el final de la cinta que resulta completamente estremecedor, sobre todo cuando uno piensa en la amplitud del plan de un ser maligno como un demonio.

Creo que he dicho demasiado sobre la película. Véala. Ahora.

100 Días de Terror - Nº3: The Toxic Avenger (1984)

El Verdadero Culto, por Jaime Grijalba.
Llegué tarde a la fiesta. Así es como puedo clasificar la mayor parte de mis aventuras viendo películas producidas por esa genial compañía llamada Troma. No me crié cuando joven viéndolas, entonces ya no puedo ser aquel ser humano que siempre verá al cine como algo simple y que todos pueden hacer (pienso eso aún, pero que siento que es mucho más complicado de lo que la mayoría de las personas piensan), y no creceré para amar todas las películas de Troma, sino que solamente las realmente buenas y bien hechas, como es el caso de esta primera entrega de la legendaria serie de cintas sobre el superhéroe americano más radioactivo de todos los tiempos: Toxie, el Vengador Tóxico. Porque sí, es una buena película, es competente, es divertida, es sangrienta y es audaz para los tiempos que corrían, aquí es cuando podemos decir que realmente se hizo oro a partir de carbón, se creó una obra que supera todas las expectativas y que se mantiene hasta nuestros días como una figura y una serie que entrega dinero a sus creadores: Lloyd Kaufman y Michael Herz.

Pese a no criarme con Troma como muchos estadounidenses y chilenos, debido a mi tardío interés en el cine, y aún más tardío afán por las películas de terror, y el aún posterior descubrimiento de las cintas Troma... aún puedo disfrutar la diversión enorme que entrega esta primera película de la serie. Primero, porque es una historia de origen, que nos muestra cómo nace este superhéroe poco convencional: gracias a un barril de material nuclear, al cual cae nuestro nerd protagonista debido a una broma hecha por los fortachones del gimnasio para el cual trabaja (en esos tiempos todavía estaban estereotipados los roles de nerd y fortachón en una lucha eterna, mientras que ahora los bullies son figuras risibles y también dignas del cliché, pero no con la eterna personificación de ser el fuerte que va a los gimnasios). Nuestro mutante tóxico empieza inmediatamente a deformarse y encontrarse despojado de todo lo que era suyo: su familia, su trabajo, todo... hasta que encuentra el mal en las calles de Nueva York, y es entonces donde decide lucharlo para poder vengarse y hacer que su caso no vuelva a repetirse.

Todo es genial, porque al ser un superhéroe con una moralidad ambigua, es decir, está lleno de rabia a causa de lo que le han hecho los fortachones, cuando se decide a luchar contra los delincuentes, simplemente se dedica a descuartizarlos en pedacitos con sus propios brazos, gracias a la nueva fuerza mutante que le han dado los desechos tóxicos, dando lugar a secuencias espectaculares, siendo la más cruenta y genial la que ocurre en un Diner que es asaltado y el cual es salvado por Toxie, quien saca brazos y destroza cabezas con rápidos movimientos, pudiendo salvar a una linda ciega que estaba siendo atormentada y a punto de ser violada por los maleantes. Es aquí de donde sale la fuente del humor, de la relación que nace entre Toxie y la ciega, ya que como no puede ver, da lugar a chistes buenos y malos sobre su situación, siendo ya un clásico la forma en que tienen sexo y ella grita que puede ver, simplemente irresistible la risa que brota dentro tuyo en esos momentos.

Claro que llegamos a la parte mala o no tan genial de la película, que es cuando decide tomar venganza de los fortachones que le hicieron esto... no sé, la película no es tan interesante, y cuando es cierto que toda la película hemos esperado ese momento en el cual el "Vengador Tóxico" decide vengarse, todo resulta pueril y poco satisfactorio, pues sentimos que al menos habría aprendido algo de todo el asunto y que la ley está por sobre todo y que ellos realmente no cometieron ningún crimen, salvo el de ser unos pesados que hicieron mutar a un pobre nerd... pero bueno, más razón para que mostremos a niños ricos siendo despedazados y destrozados por las manos fuertes de nuestro gran héroe americano. Sangre y tripas por doquier, este es el culto hecho película, el inicio del éxito de una compañía productora y de todo un estilo propio que habría de revolucionar nuestros estómagos y convenciones. Troma en estado puro.

8/10

100 Días de Terror - Nº2: [REC]³ Génesis (2012)

Amor, por Jaime Grijalba.

Hay series (o franquicias) que se mantienen haciendo lo mismo una y otra y otra vez, y así es como manteniendo alguna suerte de "espíritu" creen mantener el negocio andando y a la gente contenta, ese es el caso de la serie de Viernes 13, donde más o menos se sigue la misma fórmula una y otra y otra vez, con resultados mezclados, generalmente resultando en un desastre, pero que al menos resulta entretenido. Otras series se dedican a introducir giros, elementos e incluso géneros nuevos a su serie, que mantiene una capacidad intelectual detrás que hace que mantengan el nombre de pertenecientes a una misma serie de películas, tal es el caso de las tres películas que conforman la trilogía de Evil Dead, dirigida en su totalidad por Sam Raimi. Creo que las series que tienen más éxito y que resultan más interesantes en su totalidad son las que cambian y nos entregan más elementos, porque finalmente cuando tienes una serie de películas bastante similares entre sí, generalmente la única que resalta por sobre las demás es la primera, por la originalidad de su concepto y que fue la que, finalmente, dió origen a un personaje o concepto que queremos seguir a lo largo de muchas películas, o al menos eso es lo que piensa el estudio encargado dueño de la franquicia (porque finalmente en eso es lo que termina siendo).
Finalmente, podemos decir que la diferencia entre la franquicia y la serie es el amor. Generalmente las franquicias pasan de mano en mano, de director en director, incluso de productora en productora, mientras que las series de películas se mantienen en el tiempo con un grupo creativo detrás (en su mayor parte) intacto, que ama a los personajes que está creando, o el estilo que se ha impuesto y quiere expandirlos, y por eso mismo es que no quiere repetirse constantemente con lo mismo, y es por eso miso que las películas de las franquicias que más resaltan (aparte de la primera) son aquellas que ingresan un cambio de tuerca superior e increíble, que da vuelta completamente lo establecido hasta el momento... pero, esas suelen ser las menos exitosas, porque la gente seguramente no quiere algo distinto sino que quiere más de lo mismo y lo mismo vende, pero para mí y para un grupo selecto (jajaja) no nos compran tan fácilmente. Es con esta tercera parte que los creadores, Jaume Balagueró (director en solitario en esta ocasión) y Paco Plaza (actuando en esta ocasión como productor), que su serie [REC] es un producto de amor y de una serie, no una franquicia.
Soy un fanático de la primera película de esta serie, "[Rec]" (2007), la cual vi en el cine gracias a una recomendación de un amigo, es una de mis películas favoritas de terror de todos los tiempos y no sólo eso, sino también una de las mejores películas de la década recién pasada. "[Rec]²" (2009) no fue tan querida ni admirada por los fanáticos de la primera película, creo que por la razón por la cual para mí "[Rec]" (2007) era una obra maestra es por los elementos diferentes a toda otra película de zombies, es decir, el elemento maléfico seudo cristiano y malévolo/demoníaco/posesión onda El Exorcista que se puede vislumbrar hacia el final y que le da a toda la cinta un tono mucho más nihilista y pesimista en cuanto a una perspectiva sobre el final del mundo. Ese elemento fue explotado de la mejor manera en esta vilipendiada secuela del 2009, con la presencia del cura y de múltiples puntos de vista, lo cual le dio cierta frescura a esta secuela que yo si aprecié, a contrario de la gran mayoría, al parecer. Ahora, nuevamente con esta "[REC]³ Génesis" (2012), nos vemos frente a un visionado un tanto conflictuado por el lado de la crítica y de los fanáticos, que nuevamente se sientes decepcionados, ¿por qué?
Quiero decir, no es que sea una película perfecta, porque primero que todo es una comedia de terror en el mejor estilo de cintas como las dos últimas partes de la serie Evil Dead de Sam Raimi, y aunque eso por un lado resulta estupendo, por el otro lado, la comedia española siempre tiene algo de exageración y chistes internos que no siempre funcionan (aunque mi estadía en twitter me ha dado más que contexto suficiente para entender la mayor parte de los mismos, sobre todo el de CANON). Pero, aparte de eso, estamos frente a una película que parte ya en otro tono desde su inicio parecido a un DVD de un casamiento (el de nuestros protagonistas, Koldo y Clara) que nos muestra su historia personal al son de "Gavilán o Paloma", luego mostrándonos en el más claro estilo REC, tres (o más) puntos de vistas subjetivos sobre el casamiento y posterior banquete y baile, que es donde todo empieza a salir mal y salen los zombies demoníacos y todo el estilo REC es tirado por la borda por algo más fresco y entretenido: filmación en cine.
Obviamente distinto a todo lo que se ha construído con las anteriores REC, esta filmación normal es abandonada paulatinamente, de manera muy inteligente, siendo mostrado de forma dinámica en un principio y con una fotografía sorprendente, así como un ping-pong constante y preliminar entre ambos puntos de vista, para luego ser abandonado completamente y dejándonos arrojados en una trama de amor y violencia, así como de personajes estrafalarios, algunos queribles y otros no, pero los que de verdad importan: Koldo y Clara, son los mejores actuados y los más impresionantes en cuanto a lo que están dispuestos a hacer por el amor que sienten el uno por el otro, esto acompañado de una brutalidad y grandes cantidades de sangre, lo cual vuelven entretenida y terrorífica al mismo tiempo.
Hay escenes que sobresalen demasiado, como todo lo que involucra a la motosierra y Clara, pero basta decir que casi todas las escenas son pequeños mundos que hacen avanzar la trama, nos entrega o nuevos personajes, o más historia sobre los mismos, o nos entrega una toma graciosa, algo con lo cual reflexionar, o simplemente algo tremendamente increíble que no podemos dejar de creer hasta que nuestra barbilla toca nuestros genitales (jajajaja, no puedo creer lo que estoy escribiendo) de la sorpresa. La película, pese a ser más... jovial, o entretenida o incluso cómica si es que se le quiere poner un calificativo rápido y sin pensarla mucho, pero eso no quita que no sea una película de REC porque abandone algo de su lenguaje técnico que le da su nombre a la serie, pues finalmente creo que más que películas de cámara subjetiva o "metraje encontrado", es el nihilismo implícito en cuanto al destino de sus personajes, es decir, no tiene miedo de darle el peor destino a personaje que hemos crecido para querer... lo cual no quiere decir que siempre los personajes principales mueran, pero otros personajes más queribles sí pueden sufrir y mucho.
Qué más queda decir sino que esperar con ansias la próxima entrega de esta majestuosa serie que ahora se ha consagrado como una verdadera serie de películas al entregarnos la variedad y la otredad que tanto necesitábamos para no cansarnos de tanta subjetiva. Es una película entretenida y asustadiza, a la cual hay que entrar con la mente abierta y dispuesta a sorprenderse en cada vuelta que da y para querer a estos personajes. Qué claro nos queda el amor que tienen estos directores/productores/escritores por esta serie cuando vuelven el amor verdadero de una pareja, y su día más importante, el punto central de su tercera entrega, un verdadero regalo para nosotros, los fanáticos del terror, la fantasía y los zombies, un poco de amor es justo lo que andábamos necesitando.

9/10

100 Días de Terror - Nº1: The Penalty (1920)

Bienvenidos una vez más a la locura más grande que puede haber en su vida: mi mente y sus ideas. Sé que no es Octubre, pero la verdad es que soy honesto y no puedo esperar, son 100 días a contar de hoy hasta el 31 de Octubre y me he puesto como meta criticar 100 películas de terror, una diaria, en este blog, de la manera en que lo sienta conforme y de acuerdo a mis capacidades. Pueden haber video-críticas, algunas más sofisticadas que otras, pueden ser un montón de screenshots, lo que mi cuerpo me diga, porque no estoy bajo los 31 días de horror de Octubre de Halloween, donde sigo una fórmula específica (crítica escrita o video-review simple "en el estilo" de la película), eso es porque sigo un guideline específico dado por la Cinemassacre's Monster Madness realizada por James Rolphe todos los años en Octubre, donde me he visto sujeto a ver una película de terror diaria, la que él diga. En esta ocasión, y para estos primeros días (antes de entrar de lleno en Octubre) no veré una película diaria, sino que postearé lo que se me venga a la mente, ya sea de las críticas que tengo en stand-by de películas de terror que vi hace tiempo o de lo que haya pillado últimamente en mi constante visionado al azar al que me veo sujeto día tras día.

Obviamente que si hay que escribir otro tipo de crítica o algo por el estilo, se posteará el mismo día... encima o debajo, quedará a criterio del nivel de las dos.
Para el día de hoy, y sólo para recordar viejos tiempos, he decidido empezar por la película de terror más vieja que aún no he visto, así que acá les dejo la crítica.

"The Penalty" (1920) es una de esas películas que tuvieron alguna vez el término "de terror" pero que dejaron de serlo hace mucho tiempo, no porque dejen de dar miedo (porque aún es posible tener algo de terror en algunas escenas), sino porque incluso la misma cinta es políticamente incorrecta al tratar de "bestia" a un hombre a quien le cortaron ambas piernas cuando niño y, supuestamente, ese visionado de una persona sin sus dos piernas era horroroso en un tiempo en el cual este tipo de personas eran generalmente retirados de la sociedad si es que no tenían una considerable cantidad de dinero o fama cuando les ocurren estas atrocidades. Aparte, ser interpretado por Lon Chaney le da a toda la performance una maldad y un terror que debe haber sido bastante poderoso en las mejores escenas de la película.
La cinta, dirigida por el experimentado Wallace Worsley (director de la ya criticada anteriormente "The Hunchback of Notre Dame" (1923) también con Lon Chaney), no es de las más conocidas del ciclo de terror de Lon Chaney en los años 20, tal vez por su falta de escenas icónicas o realmente memorables, pese a tener una de las actuaciones más fuertes de la carrera de este icónico actor del cine mudo. Creo que tampoco se hizo más conocida porque se hizo antes de que empezara su colaboración con Tod Browning, quien hizo las más famosas y exitosas películas con Chaney, lo cual es curioso considerando esta película y la característica de su personaje principal (amputado de ambas piernas) y los personajes que protagonizan "Freaks" (1932), posterior cinta de Browning, obra maestra que tiene a varios personajes de similares características al de "The Penalty" (1920).
Bueno, la historia es que Lon Chaney interpreta a este discapacitado, que se hace llamar Blizzard, que quiere apoderarse de todo el crimen de la ciudad, además de tener un plan para poder sacarle hasta el último centavo a la ciudad (algo complicado, que involucra sombreros y trabajadores extranjeros... por favor, divulguen esta película en algunos países y tal vez algunos tomen algunas ideas que terminen por destruír un par de ciudades), pero que además quiere vengarse del doctor que le cortó las piernas por una equivocación, a través de su hija, una fallada artista plástica que quiere hacer al menos una buena escultura y cree que una de Satanás le traerá suerte. Entonces Chaney se ofrece de modelo para hacer de Satanás (pareciéndose demasiado a Boris Karloff en "The Black Cat" (1934) ), con el fin de acercarse y obtener su venganza y sus piernas de vuelta.
Es obvio que Blizzard no sabe lo que es tener mucho en su plato, porque el que esté tratando de llevar a cabo dos planes es la razón para que se acerque más a fallar que a obtener un éxito rotundo en los mismos. Eso, aparte de ser un filme norteamericano de los años 20 nos impide ver (salvo en unos bastante ridículos trozos de imaginación) la tremenda invasión que nos tiene preparada y mucho menos una operación de cambio de piernas, lo cual le quita todo el sabor y todo el interés al filme, que se torna poco interesante a medida que avanza, sólo alcanzando cierto momentum cuando él es descubierto en el estudio de la hija del doctor que le cortó las piernas, de ahí en adelante es una gran continuidad de llamadas y amenazas al mejor estilo de los años 20, pero que termina de la peor forma posible.
Pese a todo eso, esta debe ser de las mejores performances actorales de Lon Chaney Sr. que he visto, así que esa es la gran fuerza de la película, además de pensar en todo el dolor y sufrimiento que tuvo que pasar Chaney para poder realizar su papel de manera realista. Yo recomiendo verla, apenas, sólo por Chaney, pues el resto puede no existir y todo sería mejor. Nunca tanto, pero igual creo que el horror presente acá ya no hace el efecto que uno quisiera.

7/10

Cine Chileno del 2012 #9: Las mujeres del pasajero (2012)

(Chile 2012 45m) Fidocs+Cinépata Online

d Patricia Correa, Valentina Mac-Pherson f Denis Arqueros ed Catalina Marín

Hay veces en que uno no puede sino caer ante la grandeza de un trabajo corto, ya sea cortometraje o mediometraje (en este caso particular, lo segundo), y no es porque uno espere menos de trabajos de este tipo, sino mas bien todo lo contrario: espera que con ese corto tiempo de duración puedan lograr tal vez no contar una historia, sino crear una sensación especial, dejar un sabor en la boca, algo difícil de lograr para cualquier director, guionista o artista de cualquier clase. La gracia ahora es que pocas veces eso se puede lograr con un mediometraje documental chileno, pero este lo logra a la perfección. Claro que si fuera una sola sensación no alcanzaría mucho más que una clasificación, la gracia de este documental es que deambula por varios momentos y sensaciones, por una erotización que puede incitar reacciones corporales, una tristeza por la vida de las protagonistas, alegría y risa cuando nos cuentan sus historias, asco cuando descubrimos visualmente algunos detalles... y la sensación de ser espías y cómo los directores con su dirección y encuadre logran ponernos dentro del lugar y darnos la sensación de ser unos espías, unos metiches, que nos estamos inmiscuyendo demasiado en la vida de desconocidos que sólo buscan su privacidad.
El documental nos retrata el trabajo que realizan las personas encargadas de la limpieza en un hotel pasajero, o más conocido vulgarmente como motel parejero, un lugar donde cualquier pareja (y con el precio adecuado) puede tener un momento de privacidad en un lugar con las comodidades adecuadas para realizar el acto de amor más bello de toda la historia... claro, que la presencia del amor en un lugar como este es siempre discutible y hasta uno puede realizar una tesis sobre su inexistencia, pero basta ver este documental para darse cuenta que en este mundo y en este país hay de todo, y en tan sólo 45 minutos logramos una comprensión impresionante sobre la idiosincracia y del amplio abanico de personalidades y personajes sexualmente activos (o no) que se encuentran en esta cinta, y todo gracias al acceso especial que tenemos gracias a estas dignas trabajadoras que se esfuerzan diariamente, queriendo o no su trabajo, queriendo o no las circunstancias o las mismas ocurrencias que se producen en su entorno de trabajo. A través de ellas podemos reconstruir diferentes tipos de actos, curiosos o espeluznantes que ocurren tras las paredes y puertas de la privacidad de todos los chilenos: drogadicción, lujuria, sadomasoquismo, engaños y amor, pese a todo lo que lo rodea, hay veces en que un amor verdadero sólo tiene la posibilidad de expresarse en un lugar como este. Las trabajadoras son sujetos impresionantemente interesantes, con diversas actitudes y formas de hablar, lo cual también alimenta el discurso de la diferencia y cantidad de aristas en nuestra querida sociedad mundial, o en este caso, chilena, que va más allá de las decisiones que tomamos o del color de nuestra piel, sino sobre lo que nos gusta hacer en el momento en el que estamos más solos que nunca.
Como documento antropológico triunfa de manera excepcional, porque, como ya queda dicho, tenemos un vistazo (incluso a veces profundo) a una faceta que antes sólo ha quedado ridiculizada por las dañinas mentes de empresarios busca dinero como el Rumpy o Boris Quercia, que dejan al sexo como algo entretenido y simplemente que busca la excitación del espectador, lo cual de alguna manera sucede en este documental en ciertos momentos, pero que queda en segundo plano frente a la cantidad de información extra que nos ofrece. Los mejores momentos de la cinta ocurren cuando nos convertimos en espías de esa intimidad, escuchando a través de las paredes, mirando los pies de quienes entran y salen de las piezas, con pasillos largos y preciosamente fotografiados. Las entrevistas y las historias de estas mujeres, que deben ser las únicas que no tienen sexo en este lugar, son entretenidas y grabadas de una manera original, mostrando las cualidades y características especiales de cada una de ellas. Como documental triunfa y como pieza de entretención, uf, aún más, así es como un documental debería ser.

9/10

Cine Chileno del 2012 #8: Balmes, el doble exilio de la pintura (2011)

(Chile 2011 90m) GAM

p Encarnación Martínez Azabarte, Pablo Trujillo Novoa, Damián Trujillo Aguilera d Pablo Trujillo Novoa g Encarnación Martínez Azabarte, Jorge Lozano, Pablo Trujillo Novoa f Claudia Serrano ed Jorge Lozano m Javier Guiñez Gahona

José Balmes debe ser el artista visual y pictórico más importante de toda la historia de Chile. Esto lo digo con la mayor cantidad posible de ignorancia que puede tener una persona acerca del arte de su propia tierra en particular y del mundo en general, sobre todo cuando hablamos del arte pictórico, soy un completo y total ignorante sobre sus movimientos y expresiones a lo largo de los años a excepción de las grandes obras que son de conocimiento popular y un par que no lo son tanto, pero que me gustan y que encuentro tienen un enorme valor personal y emocional para mi personalidad ignorante acerca de esos temas. Sin embargo, me basta ver las obras, cuadros presentes en este documental y un par de búsquedas en google para darme cuenta que no exagero demasiado cuando establezco eso, sobre todo cuando en el mismo documental nos hablan de todas las formas posibles de arte que hay en Chile, y nos enfrentamos a esto, completamente distinto a todo lo que estamos acostumbrados, y eso es algo que hay que agradecer cuando uno mira pinturas y espera algo más que circulitos, retratos, caballitos, puertos o cualquier porquería pegada a un lienzo y que se hace llamar arte.
El documental es una biografía ordenada y bien caracterizada cronológicamente sobre la figura del artista pictórico español/chileno José Balmes, desde su nacimiento, partiendo por su genealogía histórica, hasta llegar al momento en el que vuelve a Chile luego de su segundo exilio, pudiéndolo ver cómo se relaciona con nuestro país en estos días, con su familia y con su historia/obra, y creo que aquí está lo primordial y que hace más interesante la obra de este maestro pintor, es que es igualable y se puede comparar de manera interesante con su historia personal, su obra es su historia, y su historia es su obra, no le da miedo representar lo que hay y hubo en su interior en ciertos momentos especiales, de los cuales tuvo muchos gracias al doble exilio que ha tenido en su vida, como dice el título del documental, uno el exilio a causa de la Guerra Civil española que lo llevó en el Winnipeg a Chile, y luego a salir de Chile nuevamente debido al golpe de estado justo en el momento más álgido de su carrera artística en Chile, cuando se encontraba como rector de la carrera de Arte en la Universidad de Chile.
Este documental es correcto en el sentido de su utilidad para personas como yo, completamente ignorantes en el arte y sobre todo en la obra de José Balmes, pero pese a todo se siente como una oportunidad perdida en el plano visual. El documental se arma a partir de diversos materiales clásicos del documental biográfico, llegando a ser un poco cliché: el material de archivo (fotos de época, reproducciones de pinturas, audio, video, recortes de periódicos, etc.), el material paisajista filmado (que llevó al equipo de documental a filmar de manera precisa y bien encuadrada paisajes de Chile, España y Francia, lugares de la vida de Balmes, que en su contexto antropológico son mucho más interesantes que en su forma paisajista pura) y las entrevistas, principalmente tomando en cuanto que el objeto de la cinta, Balmes, aún está vivo y su verborréica discusión sobre elementos de su vida y de su pasado mezclando el español y el catalán resultan mareantes y fascinantes al mismo tiempo debido a la ausencia de subtítulos (principalmente por un respeto de los productores y director sobre la figura de este maestro de la pintura), así como otro tipo de entrevistas a diversos participantes (críticos, amigos, familiares, colegas, conocidos y desconocidos del mundo del arte y del mundo de la vida de Balmes). Todos estos elementos son filmados de manera muy convencional, lo cual le resta un tanto al ser un documental sobre arte y un artista tan particular en su estilo pictórico (ya es un cliché, pero creo que funciona cuando uno piensa que una película debe verse y sentirse como una pintura del artista, algo que aquí ni se intenta).
Finalmente, tenemos que es un documental que salva y resulta tremendamente fascinante para personas completamente ignorantes sobre su figura y sobre su historia, pasa más allá del ámbito del reportaje televisivo y se justifica como ejercicio cinematográfico por la calidad de la historia que se está contando. Pero los expertos, mejor que pasen de largo.

8/10

Mini Cobertura FIDOCS 2012

El Festival de Documentales de Santiago en su versión del año 2012 ocurrió en días críticos para mi presente estudiantil. Gran parte del mismo se realizaba en tres días donde yo me encontraba grabando mi cortometraje "Se Busca" para el ramo de Ficción de mi carrera de Dirección Audiovisual. Pese a todo, tenía un interés limitado en la programación puesta en cartelera por los organizadores, además de una limitación en cuanto a las credenciales y packs de entradas (el año 2010, el año de mi otra cobertura de este genial festival internacional, compré una credencial para ver lo que yo quisiera de manera ilimitada por 7.000 y eso ya no existe, una pena), entre otras cosas. Pese a todo, pude ver varias películas que me interesaban y a continuación les daré una pequeña reseña, si es apropiado hacerlo, a cada una de ellas. Que disfruten:

· David Wants to Fly (2010, David Sieveking - Personajes y Dilemas)
Uno de los documentales más curiosos y polémicos fueron traidos a esta edición del FIDOCS, y este fue el primero que vi el día jueves antes de empezar a rodar en la sala grande del GAM. Es difícil tener una oportunidad de ver esta película, así que he quedado feliz con la experiencia de ser testigo de un documental introspectivo y a la vez crítico sobre todos los elementos que pone en escena, y no solamente el punto central de la trama, llegando a un momento en que se duda del sentido de la continuación del rodaje de la cinta hacia su punto medio. Narrado, protagonizado y dirigido por David Sieveking, se nos presenta como un director de cine frustrado por la falta de oportunidades que se le han presentado y que admira enormemente al director norteamericano David Lynch. Sieveking encuentra la oportunidad de conocer y entrevistar a su ídolo en el marco de una presentación de la meditación trascendental, el método que habría llevado a Lynch a la paz interior que lo pondría más en contacto con su creatividad y que le permitió terminar su debut. Obviamente, Sieveking se ve atraído lo suficiente como para empezar a introducirse él mismo en la institución de la meditación trascendental... claro, nada es lo que parece y comenzamos así un viaje que nos llevará varias veces a India, Estados Unidos, así como entrevistas con grandes ex-figuras de este movimiento semi-religioso que terminarán por mover todo lo que conoces y crees sobre lo que consideras la meditación. Muy Recomendable(9/10)

· El Salvavidas (2011, Maite Alberdi - Competencia Nacional)
Este documental tiene un significado especial en el sentido de que conozco, fui instruído y aún me saludo con Maite Alberdi, la directora de este documental. Ahora, eso no significa que le vaya a dar una ventaja o una desventaja, pero el asunto es que este documental venía muy bien comentado de instancias anteriores, como el Festival de Cine de Valdivia. Como ya tiene una fecha de estreno para el 15 de Noviembre, dejaré esta reseña hasta acá, pues tendrá su propia crítica cuando llegue ese día. Por mientras les dejo mi rating. Recomendable. (8/10)

· Palestina al Sur (2011, Ana María Hurtado - Competencia Nacional)
Este documental de casi una hora hace la crónica de la llegada y posterior estadía de varios inmigrantes palestinos que tuvieron que irse de su país debido a la constante amenaza israelí que les quitaba sus casas y trabajos, además de ser catalogados de terroristas por el gobierno simplemente por el hecho de pertenecer a una etnia o nacionalidad específica. El documental nos muestra su llegada a un pueblo chileno como el momento que más esperaban, pero que se presenta con la duda e incertidumbre sobre cómo van a poder vivir. Entre otras cosas, a través de entrevistas, nos enteramos de las promesas y cómo fue mostrado Chile en el extranjero para que decidieran este país para poder establecerse de manera más fija. También contamos con material de ellos en sus diversos trabajos, los cuales con el tiempo se van a ver cansados y finalmente aburridos, llegando a los extremos de arrepentirse de haber venido para este país en primer lugar. Se siente como un reportaje televisivo, un especial de media hora que se hace llamar documental, pero pese a todo el tema es interesante y se hace Mirable (7/10).

· Las mujeres del pasajero (2012, Patricia Correa, Valentina Mac-Pherson - Competencia Nacional)
Mi documental favorito de este FIDOCS es uno chileno y es aquí donde repito una y otra y otra vez que los cineastas chilenos deberían dedicarse sólo a dirigir documentales. Aparte de eso, este documental de menos de una hora logra capturar el espíritu y su sentido sin decaer nunca en cuanto a su discurso y la forma de encuadrar a su objeto de estudio: las limpiadoras y trabajadoras de un conocido motel de Santiago. Como es del 2012 y es chilena, he decidido que merece una crítica más extensa, en las que ya estoy haciendo para las que se estrenan este año. Les dejo mi rating y esperen mi crítica. Muy Recomendable (9/10)

· Balmes, el doble exilio de la pintura (2011, Pablo Trujillo - Personajes y Dilemas)
Una película que no pude alcanzar a ver en cines por cosas de la universidad, finalmente me dí la oportunidad de hacerlo (y más barato). Un documental sobre quizás el artista pictórico más importante de Chile en cuanto a su vanguardia e historia personal como exiliado por partida doble. Nuevamente, les dejo mi rating, porque esta película también le debo la crítica especializada e individual. Recomendable (8/10).

Eso es todo, esperemos que los festivales que se continúan por este año sean tan buenos o mejores que este. Saludos.

Dos Teasers de mi Cortometraje "Se Busca"

Aparte de cambiar de nombre de "Se Buscan" a "Se Busca", estoy en pleno rodaje, aquí les dejo dos tomas de los dos días anteriores.