Ray Bradbury (1920 - 2012)

Es con cierto pesar que me pongo a escribir acerca del deceso de uno de los escritores más importantes de lo denominado como la era de oro de la ciencia ficción estadounidense, pero también era un escritor amplísimo, transitando en muchos géneros, públicos y formas de contar sus historias, cuentos cortos, obras de teatros, novelas, compilaciones, siendo uno de los principales innovadores y principiadores del fanatismo por la ciencia ficción y el género en general, siendo uno de los propulsores originales de lo que hoy conocemos como convenciones de fanáticos.
No voy a negar que me queda mucho por leer de este magnífico autor, pero decido hacer este obituario por dos cosas que él escribió y que simplemente me dieron vuelta el rostro en su momento y me dejaron fanático de por vida. Primero, cuando era muy chico, estaba "El Sonido del Trueno", un cuento sobre viaje en el tiempo y sus consecuencias, que ha sido homenajeado, tributado y parodiado en constantes ocasiones pues simplemente es una idea genial y no hay cómo decir que no, una historia con la prehistoria y un futuro extraño es una delicia.
La otra obra y mi favorita y en mi lista de mis cinco libros favoritos de todos los tiempos es Fahrenheit 451, una obra maestra en todo el sentido de la historia de la literatura. Una distopía pesadillesca con personajes memorables, tecnología curiosa, una mirada a la sociedad brava y que sigue siendo actual, especialmente en estos días de decaimiento de la cultura general. Ray Bradbury es un maestro a la hora de poder tocarnos el corazón en nuestras fibras más sensibles, tanto en su inicio, medio y final es una obra inolvidable en todo sentido. ¿Lo mejor de todo? Es corta, así que si usted no tiene conocimiento de este autor o de esta novela, simplemente vaya a San Diego y cómpreselo por dos lucas, me lo va a agradecer de por vida. Es una de las obras seminales de todo lo que creo y de lo que muchos consideran literatura de calidad.

Que descanse en paz.

Alfred Hitchcock Presents: Psycho (1960)

Esta es una entrada especial para la Blogathon "For the Love of Film" que en su tercer año se ha decidido preocupar y centrarse en la figura de Alfred Hitchcock, pues una de las primeras películas en las que participó (no como director) fue encontrada y será restaurada, como siempre ha sido el afán de esta blogathon, juntando dinero para poder realizar ese trabajo e ir a las instituciones que se dedican a restaurar las cintas que el tiempo ha deteriorado y que se creían perdidas.
Si quiere dejar algo de dinero usted puede donar haciendo click acá o entrando directamente a https://npo1.networkforgood.org/Donate/Donate.aspx?npoSubscriptionId=1001883&code=Blogathon+2012 Diga que viene de mi parte y mándele mis saludos a todos los que participan y donan, sobre todo porque yo no puedo donar debido al delicado momento económico que vivo, con el cortometraje y toda la cosa.
Finalmente, antes de entrar en materia, quiero agradecer y darle un grito de apoyo a quienes están manteniendo y llevando la blogathon de manera perfecta, en los sitios Ferdy on Films, The Self-Styled Siren y This Island Rod. Visite sus sitios y vea a los otros participantes de la blogathon, pero basta de introducciones, vámonos a la carne del asunto. Alfred Hitchcock.

Es de conocimiento popular para los estudiosos de Hitchcock y en específico de una de sus obras maestras, "Psycho" (1960), que usó el equipo y técnicas aprendidas durante la realización de episodios de su serie de sindicación televisiva "Alfred Hitchcock Presents", cuya presentación siempre realizaba él, con un tono siempre irónico y divertido sobre los casos más cruentos de asesinatos o crímenes horribles. La serie es recordada y querida hasta el día de hoy como una de las mejores series de historias individuales, de las cuales se hicieron muchas durante los años 50 y 60, siendo esta una de las más exitosas con 7 temporadas y 268 episodios, desde 1955 a 1962, contando con la dirección de Alfred Hitchcock en persona por 17 de sus episodios, casi por todas las temporadas e increíblemente cambiando siempre de género y estilo de filmación, 15 de cuyos episodios fueron grabados y transmitidos antes del estreno de la cinta de 1960.
La pregunta es cuál es la influencia real que tuvieron estos 15 episodios dirigidos por Hitchcock y vistos en televisión pudieron tener alguna clase de influencia en "Psycho" (1960), y es que se sabe que hubo ensayos y cosas que se repitieron en la cinta y que aparecen en este episodio, y que viene a reforzar aún más el mundo en el que nos vemos inmersos actualmente, donde la televisión parece tener un lugar más importante en el panteón audiovisual que el cine, teniendo al maestro Hitchcock como uno de los primeros visionarios que sabían del valor y la importancia de este medio, así mismo como la relación entre ambos y que no hay que desdeñar a uno en favor del otro, sino que son medios audiovisuales en los cuales siempre se puede innovar, pues mientras se tenga la oportunidad de contar una historia, el medio en el cual se realice finalmente, restricciones más o menos, es secundario.
Entonces lo que haré será revisar brevemente cada uno de estos quince episodios dirigidos por Hitchcock y mostrarles las referencias, o lo que sea que nos recuerde a "Psycho" (1960), ¿les gusta la idea? ¿No? Igual deje su comentario o su donación, mire que por mi culpa no se vaya a llegar a la meta, me muero.

· "Revenge" S1.E1
Bueno, hay algo claro con este episodio, el primero de esta magistral serie de historias de misterio, terror, muerte psicología y muchas otras cosas. El elemento principal de interés es la presencia de Vera Miles como la protagonista, que realiza una performance única e increíble como una mujer en estado de shock tras un claro intento de violación. Aunque con una actuación más pausada y relacionada con la mirada y qué es lo que mira el personaje en "Psycho" (1960), como la hermana de Marion Crane, Lila Crane. Siento que a lo largo de la serie también hay algo de un ensayo de fotografía para la cinta de 1960, y eso se nota en las tomas que son dentro del auto y realizadas con la fotografía en blanco y negro, y que en su sentido de escape y movimiento por lugares lejanos, escapando de un crimen, tienen algo que recuerda a los primeros minutos del filme de terror.


· "Breakdown" S1.E7
Hay algo en este episodio en primera persona que de verdad causa mucho terror y miedo, pudiendo considerarse como uno de los primeros ejercicios en terror puro realizado por Alfred Hitchcock antes de realizar la que sea la más famosa de sus cintas. Pero aparte del ejercicio de género, hay una cámara y fotografía que recuerdan a un momento central de "Psycho" (1960) en la expresión vacía de nuestro protagonista con los ojos abiertos recuerda a la toma magistral de Marion Crane en el suelo luego de ser asesinada en la ducha (digo, para qué vas a leer esto si no has visto la película). Esa inmovilidad y esos ojos que nos comunican muchas cosas, en casos distintos, claramente acá hubo un refuerzo estilístico repetido años después.


· "The Case of Mr. Pelham" S1.E10
Esto es territorio desconocido para Alfred Hitchcock. Siempre entregado a la intriga y a las personas que se confunden con otras, identidades mezcladas, aquí nos presenta un misterio impresionante que tratamos de resolver a cada segundo, sólo para darnos cuenta que la respuesta más simple era la más adecuada, aunque esa respuesta simple implique adentrarnos en el terreno de lo sobrenatural, algo que nunca ha sido abordado directamente en la filmografía de Hitchcock hasta ese momento. Lo mismo sucede cuando pensamos en la legendaria "Psycho" (1960), que a su vez resultaba un ejercicio en un género que aún no había sido explorado por el británico director.


· "Back for Christmas" S1.E23
En esta comedia/thriller se caracteriza por dos cosas impresionantes que la conectan directamente con la cinta a la cual se dirigiría Alfred Hitchcock el año 1960. Primero es la importancia del sótano, y específicamente de un "cellar" dentro de la historia, siendo en ambos casos depositorio de la muerte y de un ser más o menos similar, además de contar con un clímax que se replica en el mismo lugar para ambas narrativas, con un intento de asesinato por parte de alguien que no quiere que la mujer a la cual están matando exista pues les molesta para su sanidad mental. El otro elemento que sorprende es la gran cantidad de planos-secuencia continuos sin corte que podemos encontrar en la segunda mitad de este episodio, algo que se replicaría con gran éxito en la escena de la limpieza del cuarto en "Psycho" (1960). Aunque no ajeno a los planos-secuencia, es extraño verlos en televisión tan seguido para un formato que no era en vivo y no era una sitcom. Claramente podemos ver aquí una preparación para "Psycho" (1960).


· "Wet Saturday" S2.E1
Hitchcock le da el puntapié inicial a la segunda temporada de esta serie con un episodio no muy emocionante, pero sí muy interesante en cuanto a su contenido en perspectiva a la cinta "Psycho" (1960), pues tenemos el acto de esconder un cadáver, algo que ocurre varias veces en la posterior cinta, así como el asesino que se quiere inculpar no es el correcto, pero el tono es muy comédico para recordarnos completamente a "Psycho" (1960), aunque la asesina original si nos puede recordar un poco al asesino encubierto de esta cinta que nos vendría a cambiar el rostro del horror.


· "Mr. Blanchard's Secret" S2.E13
Un capítulo de ingenio e imaginación es lo que nos presenta este capítulo simple y a veces cómico por su personaje principal. En las conjeturas que realiza esta joven escritora acerca de la vida de sus vecinos recuerda a muchas cintas de Hitchcock y que han tomado su inspiración para realizarlas, pero a su vez recuerda al personaje de Arbogast cuando realiza sus investigaciones y suposiciones al teléfono. Otro elemento de fascinación es la mención de un sótano como un lugar donde el Señor Blanchard estaría guardando a su esposa para algún día quemarla, lo que recuerda al estado de la Sra. Bates en su sótano de fruta respectivo. Otro elemento que se repite, aunque no hay reflejo visual, es el de la casa con una luz prendida sola, y que para nuestra protagonista puede dar a entender tanto la presencia de alguien como la inexistencia o muerte de esa misma, algo que resulta conmovedor cuando comparamos con la visión tétrica de la casa Bates con aquella luz única encendida, justo en la pieza de la Sra. Bates que tanta intriga causó en su tiempo.


· "One More Mile to Go" S2.E28
Para cualquiera que haya visto este capítulo resultará gratamente sorprendido por los elementos que se replican y que recuerdan claramente a las mejores secuencias de "Psycho" (1960), partiendo por la silente introducción que contiene una gran serie de planos secuencias de la limpieza de un lugar del crimen, sin que el protagonista diga una sola palabra hasta muy avanzado el relato, como ocurre con el personaje de Anthony Perkins una vez que se decide a esconder el cadáver de Marion Crane, limpiando la escena del crimen, en un perfectamente sincronizado plano secuencia, que seguramente se ensayó en este capítulo. Luego tenemos la intriga del policía, la persecusión inocente y la postura del cadáver en la maleta del automóvil también son elementos que se vieron replicados en la misma cinta, en cuanto al inicio de la misma con el escape y el juego con el mismo policía que ocurre en el trayecto de Marion Crane, las sospechas y juegos de informaciones que se tiene a cabo y que resulta magistral. El cadáver en el maletero puede ser no mas que una coincidencia, pero así es el juego que estoy jugando, aquí veo una forma de filmar parecida a la de "Psycho" (1960).


· "The Perfect Crime" S3.E3
No sabía esto y por eso me alegro: Vincent Price y Alfred Hitchcock trabajaron juntos. Creo que eso hace de este un episodio espectacular, simplemente con la presencia del actor más querido por todos aquellos que adoramos las voces estrambóticas y las performances teatrales. Sin embargo, a lo que nos trae este asunto, es que si bien este episodio es de mucho bla-bla sí es interesante en cuanto al discurso que usan estos dos abogados e investigadores es similar al que se usa en la penúltima escena de la cinta, en que un psicólogo y los policías, así como los afectados, tratan de explicar la conducta y el cómo lo hizo de nuestro criminal favorito.


· "Lamb to the Slaughter" S3.E28
No sé si sea cierto, pero creo que este debe ser uno de los episodios que más debería ser mencionados tanto entre los mejores de la serie y entre los que más clara influencia tuvieron sobre el producto final que fue "Psycho" (1960). Todo esto, principalmente, por el plano final del episodio, que se replica casi a la perfección con el penúltimo plano de la cinta de 1960 del mismo director, con un track-in hacia el culpable, que se está haciendo pasar por inocente, con una pequeña (o gran) sonrisa al final que los delata completamente en cuanto a su verdadera naturaleza asesina. Hay otros elementos de confusión policíaca y de interrogatorios que serían levantados desde aquí y replicados en la figura de Norman Bates y Arbogast con las constantes preguntas y el engaño al cual se ve sujeto, así como las sospechas. También hay algo en la reflexión silenciosa de la protagonista de cómo encubrir su crimen y la mirada de Norman cuando está limpiando la escena del crimen.


· "Dip in the Pool" S3.E35
Lamentablemente este episodio no lo he podido ver para motivos de este post, lo lamento mucho.

· "Poison" S4.E1
Aunque el episodio no tiene muchas resonancias estilísticas con respecto a trama, sí tiene algo de la fotografía con esas sombras duras contra la pared, además de ser un ejercicio en un género de terror, ahora mucho más arriesgado e incluso con una criatura. Impresionante episodio por sí mismo de todas maneras.


· "Banquo's Chair" S4.E29
Aunque en un tono más sobrenatural, comparándolo con el resto de las historias de esta serie, este pequeño episodio gana mucho gracias al elemento tétrico que contiene en conjunto con las grandes actuaciones que se nos presentan. Aquí la presencia de la muerta que viene a atormentar al vivo y sobreviviente familiar, en este caso quien la asesinó, recuerda mucho, aunque de manera más corporal, a la relación entre la Señora Bates y Norman Bates.


Sobre el resto de los episodios, ni rastro, deben estar por ahí, pero no tengo tiempo ni el espacio para hablar de ellos, pero creo que comprenden la idea de que "Psycho" (1960) hubiera podido funcionar como un clásico episodio de Alfred Hitchcock Presents, claro que en una televisión que permitiera tantas muertes gráficas. Bueno, recuerden de donar y nos vemos pronto.

The Avengers (2012)

Esta es la primera crítica del año a una de mis 10 películas más esperadas de este 2012. ¡Vamos adelante!

Espectáculo, por Jaime Grijalba.
Todos teníamos la duda. Todos esperábamos la película. Todos sentíamos algo de miedo. Todos queríamos verla apenas la estrenaran. Es que eventos como este no se repiten todos los años, y sin embargo, todos teníamos miedo del resultado final del producto que durante tantos años nos iban anunciando: la final y esperada reunión de los personajes más conocidos y que han recibido cintas producidas por Marvel desde el año 2008; y pese a todos nuestros miedos, problemas, sustos y otros que nos puede dar la posibilidad de una explosión de personajes tan diversos y que tengan que luchar juntos contra una amenaza que puedan derrotar fácilmente antes de llegar a cenar a la noche. Y Joss Whedon cumplió con lo prometido, dándonos no una pieza aceptable, sino un verdadero espectáculo para el corazón, la mente y los ojos: la mejor cinta basada en comics de los últimos 4 años.
La historia per se puede tener un solo problema y lamentablemente es el inicio de la película. Incluso yo que me he visto todas las películas que Marvel ha sacado en preparación para este magno evento (que ya revisé en un post exactamente anterior a este) y aún así me resultó difícil ingresar a la trama de la cinta, ya que parte con una velocidad de información y exposición tremenda que me dejaba a mitad de camino a cada segundo, sin poder dejarme disfrutar de la presencia de Stellan SKarsgård haciendo nuevamente su papel del doctor Selvig, que realizó e hizo tan entretenido en "Thor" (2011), hasta que se estaba escapando y recién me di cuenta que era ese personaje. La enorme cantidad de texto en la pantalla dicho por los personajes en esta secuencia pre-créditos iniciales y pre-título, hace complicado el ingreso, pero después de eso... vas con el flujo, man.
Toda la secuencia inicial nos habla sobre como la amenaza del fin del mundo se nos establece en pocos minutos y es necesario juntar a un equipo de personas para que puedan detenerlos... no, no son los Avengers, porque ese grupo ha sido cancelado (eso es, según lo que vemos en la película, a mí también me tomó por sorpresa) por hacer cosas mucho más interesantes con la energía encontrada en el Tesseract (y que fue recuperado por el Capitán América en su película, o eso creo, porque no me acuerdo de mucho). La cosa es que suben a varios de nuestros amigos superhéroes en una nave increíble con el fin de detener el plan de Loki, el hermano de Thor, y es aquí donde se me sale el favoritismo, pero creo que no eligieron mejor trama y personajes para seguir que los de "Thor" (2011). Aparte de ser los más cósmicos y los más entretenidos, le dan a la película un sentimiento de universalidad, y disfruté de todos los pequeños guiños hechos a la cinta del año pasado.
Pero aparte de todo eso, la película es un espectáculo del más alto nivel, y no sólo de entretenimiento, sino también para los ojos y para los oídos. La fotografía tiene un nivel estupendo y hay una riqueza visual en los decorados así como en los colores usados para cada una de las secuencias, para los efectos especiales, los trajes y todo da un sentimiento como de naturaleza viva, que se mueve y retuerce dentro de los personajes que vemos moviéndose. La banda sonora nos ayuda a movernos siempre, nos da un ritmo incesante con el cual seguir la acción a cada segundo que pasa, así como los ricos efectos de sonido que nos llenan los oídos, la veamos o no en 3D súper espectácular (al cual yo no le veo el asunto, habiéndola visto en 2D). Y finalmente, el espectáculo de los efectos especiales, sin duda de lo mejor que se ha visto y es porque es detallado, se entiende lo que se ve, la destrucción tiene una finalidad más allá que la de ser destrucción, aquí vemos consecuencias, vemos emoción, vemos el peligro, se siente real, y eso es genial para una película que antes de salir fue comparada con las Transformes en su nivel de destrucción de la ciudad, y compararse con Transformers nunca es una buena herramienta de márketing para mí.
Pero el otro espectáculo que nos da es el actoral y el de la química actoral/de personajes. Cuando uno junta al poderoso y supervisor de S.H.I.E.L.D. Nick Fury junto con el agente Coulson al mando de un grupo de inadaptados sociales y/o completos imbéciles como Tony Stark (Iron Man), Thor, Bruce Banner (Hulk), Capitán América, Natasha Romanoff (Black Widow), Hawkeye... lo único que podemos esperar es diversión y más diversión. Hay momentos en que la tensión entre los personajes es tanta que uno no puede dejar de sentirse inmerso en una obra de Shakespeare o está riéndose tanto que uno parece estar viendo la última cinta del comediante más gracioso del planeta. La principal fuente del humor entre estos personajes lo encontramos por las enormes diferencias y los mundos enteramente diferentes en los cuales se desenvuelven, siendo Capitán América un tipo que no entiende nada, lo mismo que Thor, pero que pueden llegar a entender cosas diferentes, o Stark, que es un genio, pero lo único que sabe es burlarse de otras personas, pudiendo congeniar solamente con Banner, que tiene a un monstruo dentro al cual parece no poder controlar.
Finalmente, cuando llegamos a la batalla campal final que todos esperan, la guerra, ya queremos a todos estos personajes, queremos ver que triunfen y que lo haga cada uno a su manera particular, y manteniendo esa diversión constante que nos vienen dando desde hace ya más de una hora de metraje, y eso es difícil cuando quieres tener un espectáculo visual de destrucción en conjunto con una trama que debe avanzar y unos personajes que deben brillar cada uno en su momento particular. Por eso es que Joss Whedon logró algo totalmente increíble con esta cinta y es un milagro que todo no se haya ido a la basura en el tercer acto, porque muy bien podría haber pasado y haberse transformado en una monótona batalla campal. Pero no, y se agradece.
Aunque Whedon sea el director, y a quien le agradecemos toda la fluidez de la pantalla, hay que agradecerle que no se haya puesto muy Whedon para sus cosas. No me malinterpreten, una de mis películas/cortometrajes favoritos de todos los tiempos es "Dr. Horrible's Sing-Along Blog" (2008), y eso es Whedon puro, con superhéroes, y me encanta, pero esto es otra cosa, este es un trabajo al cual le puso toda su energía, energía vivaz y propia de sus proyectos, pero sin el toque Whedon, y creo que eso es para aplaudir. Brillantes actuaciones, brillantes secuencias de acción, brillantes diálogos, esta es una película que hay que ver... y qué importa si gana 1 billón de billones de dólares, quiero más películas como esta, llenas de corazón y de inteligencia, así como de humor... y creo que con un billón de billones vamos a tener más como esto... y mucho más de Whedon, obviamente... ¿quién le va a querer cancelar una serie ahora?

9/10

El Camino que nos lleva a "The Avengers"

Ya se estrenó "The Avengers" (2012), una de las películas más esperadas del año, y pronto tendrá su crítica individual en este mismo blog, pero antes, creo que es necesario darle una mirada a las películas que depredaron y antecedieron, así como nos hicieron camino para tener la oportunidad de ver la obra de Joss Wheddon en pantalla grande. Iremos de forma cronológica por todas las cintas que antecedieron a esta, tendrán su propio párrafo crítico así como una nota final sobre 10, como se acostumbra en este blog. ¿Listos? ¡Pues que nos juntamos en el cine a ver "The Avengers" (2012!

· Iron Man (2008, Jon Favreau)
La cinta que inició todo, insospechadamente hasta que la gente se quedó hasta el final de la película y después de los creditos pudieron ver a Samuel L. Jackson haciendo un cameo impresionante preguntando acerca de la iniciativa Avengers. Aparte de eso, la película es bastante entretenida, pero que tiene el problema de toda cinta de origen de esos años... una fatiga de origen, donde ya no queremos saber cómo nació detalladamente cada superhéroe, para eso ya tenemos "Batman Begins" (2005) y ahí tenemos a la perfección. Sin embargo, acá se logran cosas muy impresionantes como un tremendo rango actoral de parte de todos los participantes, partiendo por la chispeante (aunque nada meritoria de premios) actuación de Robert Downey Jr. como el idiota, egocéntrico e insoportable Tony STark, o a Jeff Bridges haciendo del maligno compañero de trabajo de Stark. Los efectos especiales son buenos y el conjunto resulta entretenido aunque un poco superfluo pues carece de un clímax real. (8/10)

· The Incredible Hulk (2008, Louis Leterrier)
Hay algo en esta película que es especial. Primero contamos con quizás los dos mejores actores no-tan-reconocidos de todo _Hollywood: Edward Norton, alguna vez la luminaria en la época de "Fight Club" (1999), y Tim Roth, elegido recientemente como cabecera de un jurado del Festival de Cannes de este año, así que sabemos que hay una enorme calidad. Luego, tenemos que la cinta nos cuenta el origen y la situación de Hulk en un minuto máximo, lo cual nos pone en el medio de la acción y en quizás la mejor media hora inicial de una película de superhéroes de la historia del cine, en serio, no bromeo, esa primera media hora es perfección pura, una mezcla de acción y buena actuación, así como colores creativos, fotografía exquisita y planos interesantes. El resto... bueno, se puede vivir sin el resto, sobre todo cuando nos ponemos a pensar que Edward Norton no va a volver a hacer el papel de Bruce Banner ni de Hulk en la cinta que se acaba de estrenar, sino que ha sido reemplazado por la extraña decisión de Mark Ruffalo. Veamos qué tal sale. (8/10)

· Iron Man 2 (2010, Jon Favreau)
Quizás el más debilucho de los largometrajes que ha sacado Marvel y su equipo de filmadores en este camino hacia los Avengers, y es principalmente por culpa de Robert Downey Jr. El problema es que supuestamente Iron Man tiene un problema, y nos debe interesar su problema, tenemos nuevamente el mismo tipo de enemigo que ha copiado la estructura y poder del traje de hierro que todos queremos tener, interpretado por Mickey Rourke, quizás lo mejor de la película. Pero aparte de eso, el personaje no avanza, no evoluciona, por lo que nos sentimos aburridos y finalmente chatos con el personaje de Tony Stark que se nos hace monótono y completamente aburrido en cada nivel que nos están tratando de mostrar. Ojalá de verdad se pongan las pilas para la tercera parte y logren que el alcohol sea el gran problema, como lo es en los comics... pero claro, ahora que Disney es dueño de Marvel, quizás qué será lo que vayamos a ver en un futuro mucho más cercano del que esperamos. (7/10)

· Thor (2011, Kenneth Branagh, Joss Wheddon)
Escribí una crítica sobre esta, la mejor de las películas que ha sacado Marvel en camino a "The Avengers" (2012), así que les dejo el link. (9/10)

· Captain America: The First Avenger (2011, Joe Johnston)
Esta es una película que se ve y suena muy bien, pero que al final del día su problema principal es el concepto mismo de Capitán América como un héroe creado no para luchar sino para algo más, y aunque ese patetismo inicial que resulta divertido por un momento se torna triste cuando nos damos cuenta que es evidente que va a terminar comandando alguna especie de pelotón especial que va a derrotar al malísimo más malo de todos. También sentí que la época le daba y le quitaba a la película, le daba un estilo, mientras que a su vez le quitaba algo de inmediatez, así como fáciles chistes acerca de los tiempos que corren. Finalmente, se siente mucho como una precuela de "The Avengers" (2012), mientras que debió haberse centrado más en su interesantísimo personaje principal y explotar la moralidad de la cinta en cuanto al uso que se le da al personaje de Capitán America. El hecho que no recuerde casi ninguna escena de acción, a contrario de la mayor parte de las otras cintas, habla mucho sobre qué es lo que pienso. (7/10)

Y falta la grande, la que todos esperan... la cual tendrá su crítica muy pronto, esperen.

Cine Chileno del 2012 #4: El eco de las canciones (2010)

(Chile 2010 71m) Cine Arte Alameda

p Leonora González d Antonia Rossi g Antonia Rossi, Roberto Contador f Pedro Micelli, Antonia Rossi ed Roberto Contador, Antonia Rossi m Roberto Contador, Jorge Cortés, Francisco Flores

He estado criticando todas las películas chilenas que han salido a cines durante el 2012, ya sean los grandes éxitos de la crítica, como las grandes esperadas, las modestas cintas, las coproducciones internacionales, y también las rezagadas de años pasados (como la de la crítica que tenemos hoy, que ha pasado por festivales desde el 2010), pero lo que más me interesa es acercarme no a las películas de las cuales todos hablan en la calle, en las redes sociales, con los amigos o las que han conseguido grandes e importantes distribuciones, sino que a esas cintas pequeñas, generalmente documentales y principalmente de muy bajo presupuesto, y que se dan en una o máximo dos salas en todo el país. Películas que no muchas personas ven, y que si me gustan, podrían llegar a más personas con una crítica... o tal vez no, pero si tan sólo una persona tomara la decisión de ir y verla a causa de lo que escribo, creo que agradeceré ello, pues algún día necesitaré lo mismo, que vean lo que hago, y una recomendación puede hacer la diferencia.

Me alegra, por eso, decir que esta película que ahora está sólo en el Cine Arte Alameda en un estreno exclusivo, es la mejor película chilena del 2012 hasta ahora, no voy a decir del año, porque este no ha acabado, pero es la que se siente más genuina y cercana al cine verdadero y puro de las emociones proporcionadas directamente por las imágenes y no por los personajes, además de acercarse demasiado a una clase de cine que encuentro muy interesante y cercano a mis sensibilidades artísticas. Hablamos de un documental que se acerca mucho a un trabajo de la memoria, el montaje y sobre todo del found footage, un modo de realizar cine que me fascina y al cual espero algún día dedicarme completamente. Mezcla tanto material grabado en el presente como material de archivo de noticias de Chile durante los 70-80, así como video clandestino tomado en Chile durante las protestas o en las calles, material grabado personal en 8mm o material similar, y cintas de animación de carácter completamente indistinguible. La directora y los montajistas logran darle una unidad semi-coherente a toda esa enorme cantidad de material para dar a conocer no un mensaje sino una experiencia sensorial y mental.

La historia de la directora es la historia de muchas personas que nacieron en los inicios o los finales del período de la Unidad Popular en Chile, que tuvieron su crianza y mayor cantidad de memorias no sobre nuestro país, sino sobre un lugar del extranjero, ya que sus padres habían sido exiliados, y con ese exilio parte la película y parte el viaje de nuestro personaje, un viaje interior que trata de comprender muchas cosas y a la vez sin mucha conclusión definitiva salvo la de los hechos que sí pasaron, dejando con la sensación muy humana y válida de que lo único de lo cual uno está seguro es que no fue criado donde debía, que sus padres tenían nostalgia de un país que no conocían realmente, y que todo simplemente sucedió y no puede hacer nada al respecto, menos aún buscar alguna razón o explicación para todo. Y creo, que mientras la misión del documental era una reflexión que finalmente no llegaría a una conclusión fija, la audiencia se siente de alguna manera traicionada o desilusionada, pues se ha dedicado a prestar atención a todos los materiales puestos en escena a lo largo del innovativo y creativo montaje de atracciones que se ha llevado a cabo, pero el hecho que finalmente ninguna ideología salga a relucir, da algo de lata.

La película nos muestra imágenes familiares e imágenes nuevas puestas en un contexto lo suficientemente familiar como para que ninguna de ellas quede al azar o como un capricho de los montajistas. La narración es amena, aunque cae en ciertas ocasiones en cierta repetición y establecimiento de cosas aparentemente obvias. Sin embargo, creo que es necesario aplaudir la calidad del montaje y del discurso puesto, aunque no sea el perfecto, y creo que es necesario que sea vista por más gente. Yo la fui a ver y estaba completamente solo en la sala, para que vean la crisis del buen y más complejo cine chileno. Para algunos el tema es agua pasada, para mí no, y aunque no logró emocionarme, sí logré conectarme y me gustó harto. Vaya a verla antes de que salga, me lo agradecerá.

8/10

Inicio Pre-Producción Cortometraje "Se Buscan"

Les dejo la semilla que inició el argumento y la idea, así como la imagen (más o menos) que iniciará el cortometraje que co-dirigiré y escribiré llamado "Se Buscan". Es una idea original mía y me encuentro muy emocionado porque he salido elegido para poder llevar a cabo mi idea.
Espero que les llame la atención y que sigan las noticias, les avisaré cuando pasen cosas importantes. Nos vemos.

Mi Primer Videoclip: Chistelle - ESG

Ahí les dejo mi primer videoclip, hecho para el ramo de Taller de Videoclip, un trabajo de remontaje de uno de los primeros cortometrajes de George Lucas. Disfruten.

Cine Chileno del 2012 #3: Joven y alocada (2012)

(Chile 2012 96m) Cine Hoyts La Reina

p Juan de Dios Larraín, Pablo Larraín d Marialy Rivas g Marialy Rivas, Pedro Peirano, Sebastián Sepúlveda, María José Viera-Gallo f Sergio Armstrong ed Sebastián Sepúlveda, Andrea Chignoli

a Alicia Rodríguez, Aline Küppenheim, María Gracia Omegna, Felipe Pinto, Alejandro Goic, Ingrid Isensee, Pablo Krögh, Hernán Lacalle, Andrea García-Huidobro, Camila Hirane, Luis Gnecco, Javiera Mena, Catalina Saavedra

No sé, hueón, no sé. Hay algo que tiene esta película que me da mala espina o que simplemente me hace rechazarla, pero nunca de pleno o hasta el nivel de llamarla una "mala película" (preferiría decir que es una película "fallida" más que "mala", porque, después de todo, hay un cierto nivel técnico que me sorprendió y creo que es el fuerte de la película), pero no lo suficiente como para recomendarla totalmente. Diría "vela, si querí, pero a mi no me gustó la hueá", eso es lo que puedo decir, pero no haría campaña de indignación contra la inmoralidad de los personajes o por mi punto de vista religioso, que no se vió tocado en ningún momento, menos si la religión de la cual se burla es una a la cual no me siento adscrito (los canutos cuicos), pese a que tengamos un mismo Dios, mi perspectiva es diferente. Pero, puta, la cosa es que el principal problema de la película, desde mi punto de vista es su amoralidad, que en otra película aplaudiría, pues le daría alguna especie de valor a los personajes en su afán de no transformarlos ni en buenos ni en malos, si no en seres humanos como tú o como yo... pero es que esa amoralidad viene de un desinterés en la moral, lo cual es castigable desde mi punto de vista, pues si cada uno hiciera lo que quisiera en el sentido moral del sobre-interés personal (algo que es puesto en la boca de un predicador como para decirnos "ohhh, la verdad es que el sobre-interés personal es bueno porque él dice que es malo") no tendríamos sociedad, y no hablo de una moral religiosa, sino de una moral social, algo que nos impide despedazarnos el uno al otro (y aunque yo considere que viene desde una fuente divina). No creo que esté bien el justificar ese punto de vista y de vida, pues siendo una película bastante liberal en cuanto a lo sexual, es lo más egoista en el sentido fascista de la palabra. El único que importa soy yo y mi placer personal, nos dice la película, y debo decir que me terminaron cayendo mejor los canutos ridiculizados que la protagonista.
Otra hueá que molesta es la voz de la protagonista durante las narraciones, porque puta que es monótona la hueona, se pasa, en serio, para estar hablando de eso muestra algo de interés en la hueaita, y de verdad me enoja eso, porque una cosa es darle como un desinterés a todo lo que hablai, pero otro es parecer roboc leyendo cosas como "madurasaund" o "choriflay" sin ninguna emoción, como si no fueran tus propias palabras. Eso no viene a quitar algún peso de la actuación de Alicia Rodríguez, fácil lo mejor de la película junto con las referencias visuales en cuanto a esos momentos de narración o ex cursus de la historia, porque recuerdan a todas las técnicas de edición, de muestra de texto, y generalmente también en el uso de algunos planos al cine de Jean-luc Godard, pero lo único que hizo es que me dieran ganas de ver la filmografía completa de Godard. Aplaudo las decisiones estéticas y la referencia, creo que si la película es valiente es en eso, y no en el mostrar genitales o extractos de escenas de películas pornográficas.
Aparte de eso, poco me sorprendió, incluso ahora, tres días después de haberla visto, me cuesta acordarme de la hueá, es como difícil, porque como no hay una trama completamente lineal, sino como hueás separadas en el espacio, y esas hueás son tan nada que al final no acumulan a nada. Hay películas sobre nada y con eventos aislados y que son obras maestras, porque cada unidad tenía un peso y valor, con una idea detrás que terminaba por unir todos los elementos para que uno dijera "aah, chucha, era sobre esto, puta la hueá buena". Pero no, acá nos quedamos en el sexo y la religión, y no creo que profundice en mucho más, es como la versión filmada de los First World Problems, o eso parecía en las reflexiones que se hacían al aire. Otra cosa que me sorprendió harto fue la forma en que se aparecían los comentarios en el blog, y es lo más gracioso de la cinta, aparte.
Al final de la película, puta, pensé que era una película pa puro provocar no más, obvio que se ganó premios en Sundance y toda la onda, pero a veces todos nos equivocamos, y aunque puede que para algunos el guión era el fuerte, pues para mí, era lo contrario. Con cuatro escritores mas bien parece que trataron de salvar un guión completamente insalvable y sin estructura clara y con claras fallas que se notan, como cuando una anécdota de la niñez aparece de repente sin ninguna conexión posible a lo que está viviendo la protagonista en el momento. Y puta, pa qué me voy a poner a escribir sobre la trama, vaya a otra parte donde puedan tratar de sacarle sentido a la hueá, quédense con mi nota y vaya a verla, si quiere.

6/10

Santo Viernes 13

¿Cada cuántos años es que un Viernes Santo cae una semana antes de un Viernes 13? Creo que no es una ocasión muy común, por lo cual he decidido llamar este día el Santo Viernes 13, lo cual me llevará a hablar de mi franquicia slasher/de terror favorita de todos los tiempos, la saga de aventuras y desventuras de jóvenes y jovencitas enfrentados a la omnipotente y siempre presente figura de Jason Vorhees.
Ahora, ¿por qué esta saga? Creo que la saga de Viernes 13 sabe lo que es un slasher, lo define y lo personifica, sin Viernes 13 no creo que tengamos el género slasher para partir. Mientras que ninguna de sus cintas sean obras maestras (cosas que sí podemos encontrar en las primeras versiones de otras sagas de terror), sí mantienen un tremendo nivel de calidad a medida que las secuelas van apareciendo a lo largo de los años. Mientras que para algunos pueden ser repetitivas, siempre estos slashers contenían elementos que lograban llevarla a un ejercicio estético de repetición enormemente valorable que hace del conjunto algo memorable en verdad.
Entonces, la forma en que viajaremos por este periplo del horror y de Jason y la sangre es a través de la cronología de las cintas, con un poco de opinión y un ranking final sobre 10, como siempre.

· Friday the 13th (1980, Sean S. Cunningham)
¿Quién habría pensado que una inocente y calmada variación de "Halloween" (1978) podría llegar a dar a luz a una de las mejores sagas de terror de la historia del cine? Por que hay que admitir que esta primera cinta, grabada con cierta seriedad que gradualmente se iría perdiendo con los años, está llena de efectos especiales de primer nivel, sustos genuinos, así como una presencia verdaderamente fantasmal en la forma de un acosador que se esconde en el bosque (lo cual se repetiría en toda la saga, pero aquí sin nunca mostrarnos completamente la contraparte de esa mirada, mientras que en las posteriores, el cuerpo del asesino toma predominancia), pero pese a todo, no es más que un correcto ejercicio de traslado de una trama como la de "Halloween" (1978) a un lugar mucho más juvenil que una noche de asesinatos de niñeras. Sin embargo, este material se eleva por la tecnicidad y las actuaciones, impresionantemente decentes para una cinta de terror. Esta es, sin duda, la mejor de la serie. (8/10)

· Friday the 13th Part 2 (1981, Steve Miner)
La continuación directa de la cinta anterior parte con la que sea quizás la mejor escena inicial de una película en la historia de siempre, y eso es difícil de superar, pues lo que sigue no es tan interesante como eso. Partimos con la única sobreviviente de la primera película, siendo asesinada por Jason, quien se ha venido a vengar por todo lo que hizo en la primera cinta. Ahora, esta película sigue una estructura similar, donde varios personajes variopintos (y a veces muy sobresexualizados) llegan a Camp Crystal Lake (o Camp Blood para los que siguen la leyenda) a pasar un rato. También acá es donde la figura de Jason hacia el final se vuelve realmente presente e importante, como un bruto con una fuerza más allá de lo posible, además de contener una enorme cantidad de sustos impresionantes (así como muertes que uno simplemente no esperaba), y un elemento realmente perturbador hacia el final en cuanto a la forma de sobrevivir que tiene nuestra última chica. Sigue con los aires de la original, repite una fórmula exitosa, nos da un nuevo personaje y tiene grandes escenas, otra de las mejores. (8/10)

· Friday the 13th Part III (1982, Steve Miner)
El mismo director pero no el mismo éxito. Es aquí cuando se puede notar de qué era capaz la serie cuando tomaba malas decisiones, pues tenemos aquí un ejercicio de reiteración que resulta interesante solamente en retrospectiva, pues nos aburrimos de muerte cuando es mirado por primera vez, pues las escenas y situaciones son tan similares y especulares a las de la primera cinta, que mas bien parecemos estar frente a un remake, pero con características de secuela. La gracia de esta cinta no llegó a mis ojos en el momento en que tuve el DVD en mis manos: que fuera en 3D. Pero de todas maneras como ejercicio slasher es memorable por el hecho de que Jason toma acá la máscara que lo hará mundialmente famoso, así como jugar un juego de roles, donde repite todos los eventos de la primera cinta, pero cambiando a la madre por Jason y a Jason por la madre. Resulta interesante en el papel, pero en escena, solamente tenemos escenas en las cuales ocurren cosas en altura y con yoyós para justificar el 3D, el resto, nada interesante. (6/10)

· Friday the 13th: The Final Chapter (1984, Joseph Zito)
Vaya, revisamos dos cintas de Joseph Zito en muy poco tiempo, siendo la anterior la mediocre "The Prowler" (1981), pero esto es harina de otro costal, y para muchos la mejor película de la serie, iniciando a su vez una nueva serie de cintas, pese a que en su nombre está la palabra "FINAL", pero no nos olvidemos que Jason es inmortal, sin importar las veces que sea ahogado, asesinado, acuchillado, decapitado, quemado, entre tantas, tantas otras. Aunque yo no sea de la opinión generalizada de que esta sea la mejor de la saga (sin duda me quedo con las dos primeras, lejos), sí es excelente y mucho mejor que la anterior, por que simplemente entretiene y divierte mucho más, presentándonos a Corey Feldman interpretando al mejor personaje de toda la serie después de Jason Vorhees y su madre, el niño Tommy Jarvis, quien volvería a aparecer en otras secuelas como un personaje con una línea de conflicto muy loca. Aquí se pela y se conecta psíquicamente con Jason, además de ser un nerd que crea sus propios efectos especiales (tremendamente profesionales para estar hechos por un niño en el bosque). La cinta se mueve por una fina línea entre la diversión total, las muertes ridículas y cosas completamente fuera de lugar (el perro suicida viene a mi mente como una cosa que me hizo pensar que esta era una mala película), pero todo mejora gracias a la interpretación de Crispin Glover como uno de los jóvenes que cae víctima de Jason, un año antes de su magistral interpretación como el joven padre de Marty McFly en "Back to the Future" (1985). (7/10)

· Friday the 13th: A New Beginning (1985, Danny Steinmann)
Una bocanada de aire fresco, un nuevo comienzo, algo diferente y completamente nuevo es lo que vemos ahora en la pantalla. Con un comienzo espectacular, contando con la participación especial de Corey Feldman haciendo del mismo papel de la cinta anterior, donde ve cómo la tumba de Jason es abierta por dos impertinentes justo en el momento en que este decide volver de la muerte y matar a estos dos, mientras el pobre Tommy Jarvis grita y despierta como un adolescente, perdido e internado en un lugar para enfermos mentales debido al frágil estado de su mente luego de los eventos de la cuarta película. Cuando es trasladado a un lugar más seguro en el bosque y al aire libre, conoce a un montón de gente, tan loquita como él, lo cual da lugar a secuencias muy graciosas y tristes de interacción genuina mental deforme. Luego de la muerte de uno de los pacientes a manos de otro (en la que quizás sea una de las mejores escenas de la historia de la saga), una serie de asesinatos, cometidos bajo una figura similar a la de Jason, pese a que Jarvis sabe que este está muerto. Esta película es brutal debido a la enorme cantidad de muertes y cuerpos tirados al viento, así como secuencias tremendamente psicodélicas y graciosas. Es un filme distinto, con un Jason que puede que no sea Jason, pero qué importan, creo que es lo mejor que tiene la cinta, que no trata de seguir el patrón de siempre: nos da una historia más original, nos da personajes queribles, así como un final prometedor que no fue aprovechado en las secuelas siguientes. Esta es para muchos la más odiada, pero para mí es una de las mejores por su frescura y acercamiento sin miedo a la violencia sangrienta de la peor clase, sucia y revuelta en el suelo. (8/10)

· Jason Lives: Friday the 13th Part VI (1986, Tom McLoughlin)
Y volvemos. Pese a tener quizás la mejor escena inicial después de la de la segunda parte, donde vemos cómo Tommy Jarvis va a la tumba de Jason para rematarlo de una vez por todas, sólo para que le caiga un rayo encima y reviva con ganas de asesinar, ahora sí como una máquina imparable e inmortal, un zombie, el zombie más fuerte de la historia del cine (y seguramente de la ficción), que no puede morir y no será nunca derrotado. Lamentablemente, este es el sector que menos me gusta de la serie, pues como zombie es demasiado poderoso, entonces sé que algo extraordinario debe pasar para derrotarlo, y aquí volvemos a una fórmula de jóvenes que llegan a Crystal Lake para ser asesinados, mientras Tommy Jarvis trata de convencer al jefe de policía de que la amenaza de Jason es real, pese a que lo consideren loco, algo que ya en 1986 era un recurso muy viejo para hacer retardar la evidente pelea entre Jarvis y Jason, la única cosa que terminaría con la derrota de Jason, eventualmente. Esto hace que las cintas se vuelvan muy repetitivas y predecibles, pero acá hay algunas tomas interesantes en la carretera, así como la enorme cantidad de desastres y destrucción que Jason puede hacer con un simple y bello machete. Aunque ya debe haber sucedido, es aquí cuando la popularidad de Jason en Estados Unidos y el mundo explota, y con eso mi interés falla. (6/10)

· Friday the 13th Part VII: The New Blood (1988, John Carl Buechler)
Aquí tenemos una de las pocas cintas interesantes de esta segunda etapa de Jason zombie, y es por la inclusión de un personaje con un elemento lo suficientemente fuerte como para hacerle frente a Jason de igual a igual. Hablo de la telekinesis, que seguramente en la época en la cual se hizo esta cinta, estaba de moda, con chicas telekinéticas por doquier. Una de estas chicas vive en Crystal Lake y ahora se ha dado cuenta del verdadero poder que tiene y que lo puede llevar a salvar al nuevo grupo de adolescentes que están acampando cerca del clásico camping, tierra de Jason Vorhees. La película es interesante en su paleta de colores y en los efectos especiales que pone en juego para mostrar en primer plano los colores cálidos y fríos en contraposición de estos dos personajes, algo que se retomará en otra cinta de la serie (de alguna manera). Sin embargo, además de la técnica, tenemos las actuaciones, que son sorprendentes y muy aplaudibles de parte de nuestra protagonista como de los otros personajes. Además, Jason está más feo que nunca, una que hay que ver sí o sí. (7/10)

· Friday the 13th Part VIII: Jason Takes Manhattan (1989, Rob Hedden)
¿Por qué? ¿Cómo es que alguien puede destruir la mitología de una serie tan reconocida y legendaria como la de Jason? Quiero decir que esta película se ha ganado una fama especial por destruir todo lo bueno que había en la saga, transformándola en una serie de chistes de mal gusto, bromas autoreferenciales que no tienen ningún sentido, así como simplemente malas decisiones, como es llevar a Jason lejos de Crystal Lake, o que parte un barco desde un lago y lo lleve al océano (creo que lo explican, pero es tan ridículo que no me lo creo). Creo que sólo puedo decir que hay una buena escena en toda la película... bueno, tal vez dos, pero una es tan ridícula que resulta genial. Hablo de la escena en que Jason anda por Manhattan y patea una radio, simplemente increíble. La otra es un asesinato, donde Jason simplemente le vuela la cabeza a un pobre joven de un puro golpe, la cabeza luego rodando y llegando a un tarro de basura (Comedia). El problema principal de la película es que pasa demasiado tiempo en el bote, en un relleno que da lata y donde matan a la mayor parte de los personajes, dejando poco juego para el supuesto plato fuerte: Nueva York. El final debe ser el peor final de toda la serie, con una lógica y tomas extrañísimas, así como algo que remite a la primera cinta de la peor forma posible y con los peores efectos especiales vistos en el planeta. Simplemente, algo que es mejor evitar. (4/10)

· Jason Goes to Hell: The Final Friday (1993, Adam Marcus)
Hay varias razones para que me guste y varias razones para que no me guste, pero esta secuela (la novena película de Jason) es lejos de ser la peor de la serie (ni siquiera es la más mediocre), basta con mirar la cinta anterior para darse cuenta de ello. Me parece interesante cómo la figura de Jason es determinada como algo simplemente maligno, maldad pura, y es transformado en una especie de parásito que empieza a poseer a las personas, pasando de cuerpo en cuerpo, pero todo eso se tira al garete cuando al final logra recuperar su cuerpo original y se pone nuevamente la máscara y sale adelante con fuerza. Pese a eso, tiene guiños interesantes a la serie de Evil Dead de Sam Raimi, como la presencia del Necronomicón en la supuesta casa de Jason (otro error), y el final cuando el guante de Freddie Krueger lo toma de la cara para arrastrarlo al infierno, dando una pista a lo que seguía, un crossover de ambas franquicias, algo que no pasaría hasta que pasaran 10 largos años, y fueron bien esperados, pues nos dieron algo mejor que esto que está mal pensado, dos de cada tres escenas no funcionan, las actuaciones son realmente asquerosas y todo se ve tan campestre que da rabia la resolución tan simple que llevan a cabo para terminar con Jason "para siempre". Ojo, que esta es otra película que dice "FINAL", pero no es el final de Jason, divertido, ¿no?

· Jason X (2001, James Isaac)
¿Qué importa si es o no es Viernes 13? ¡Tenemos a Jason para hacer nuestra película! La verdad no quiero ni empezar a hablar sobre esta cinta, pues para mí no es tan solo la peor película de la serie de cintas de Viernes 13, sino que también es candidata a una de las peores películas de terror de la historia del cine. Completamente inútil, la película no sabe construirse ni ser ágil y mucho menos ser inventiva en su concepto. Jason Vorhees en el espacio es un concepto medianamente aceptable, pero un Jason con nano-máquinas es algo que ya debe empezar a preocuparnos acerca de su plausibilidad (sin importar la enorme cantidad de tiempo que pasa hacia el futuro). Es basura, es basura y es basura, no sé qué más decir. Todo en esta película está mal, no tiene el alma ni la diversión ni las ganas de ser algo medianamente bueno, sólo quieren hacer una cinta de ciencia ficción (que apenas logra su cometido por las enormes fallas científicas) con un asesino en serie de otra época, haciendo todo muy interesante con charlas que implican cosas más allá, pero que no son más que relleno para esperar las muertes que son aburridas y poco satisfactorias, y debo admitir que esta es la peor cara del slasher moderno. (3/10)

· Freddy vs. Jason (2003, Ronny Yu)
Todo lo que tenía que decir sobre la cinta lo dije acá. (7/10)

· Friday the 13th (2009, Marcus Nispel)
Este sí que es un remake de la película original, pero tomando los peores elementos de las peores secuelas de las originales. ¿Qué se puede decir? La cinta no tiene ninguna buena actuación y es tremendamente aburrida en sus últimos 45 minutos, pues se convierte en una seguidilla de sustos falsos y sustos que no asustan que no hacen más que rascarnos la cabeza hasta salirnos pus. ¿Desde cuándo que Jason toma rehenes? ¿Cuándo el slasher empezó a tomar pautas del cine de torture porn? Pues la respuesta está en los años en que vivimos donde no podemos tener un slasher sincero sin caer en las modas de hoy en día y lo que se considera miedoso o no. La cinta al menos tiene una divertida escena pre-créditos, donde nos muestra algo así como un cortometraje de Viernes 13, una simple y eficaz matanza de Jason, pero dentro de la estructura de la cinta no hay ninguna significación, no se nos informa de nada de lo que no vayamos a saber muy prontamente, es inútil y sólo sirve para decir "MIREN LO QUE PUEDO HACER". Una bazofia. (4/10)

The Prowler (1981)

Por ya tercer año consecutivo he decidido participar de la excelente y siempre diversa "White Elephant Blogathon" dirigida por Paul C. del sitio "Silly Hats Only", donde muchas personas se inscriben y esas entregan el título de una película que quieren que alguien más vea y critique. Este año la película que envié entró en algunos problemas, pero ojalá salga bien. A mí, personalmente, me tocó un slasher de principio de los 80, cuando el género empezaba a tomar una forma definida... y aburrida.

Esto es porque 1981 es un año importantísimo para este subgénero del terror, sobre todo porque viene a significar el principio de lo que se convertiría en una suerte de nueva explotación, la de las películas con un asesino que mata en serie a una serie de personajes bajo distintas y creativas formas, con la finalidad de divertir al público con estas muertes y al mismo tiempo con la posibilidad que tienen estas benditas víctimas de poder sobrevivir a las garras de tan temible asesino. Digo, los 70 tuvieron enormes oportunidades y géneros/elementos de los cuales hacer explotación: sexo, violencia, nazis, y una infinita, enorme e inconmesurable cantidad más. Los 80 no podían quedarse atrás, y mientras yo soy un fanático de este género,. debo admitir que muchas veces nos hemos quedado en la nada, y los slashers no muchas veces funcionan (siendo los únicos ejercicios estilísticos de repetición realmente valorables la serie Viernes 13), y cuando trataban de tener algo distinto, un elemento innovador que los llevaría más allá, fallaban por la mediocridad de ese nuevo concepto.
Cuando digo que 1981 es un año importante, es porque es el año donde aparecen varias películas que definirían de alguna manera lo que aún nos esperaba por delante. Primero, tenemos las primeras secuelas de los dos slashers seminales que iniciaron (no específicamente lo iniciaron, pero le dieron una forma) los años 80 y seguramente impulsaron a que salieran estas seguidillas de cintas, hablo de las importantísimas "Halloween" (1978) y "Friday the 13th" (1980), con sus respectivas secuelas "Halloween II" (1981) y "Friday the 13th Part 2" (1981), ambas con cierto valor y algo que decir acerca de sus originales, dando algo de esperanza a los ejercicios de estilo y repetición que vendrían con los años y acumularían entre ambas franquicias más de quince películas, entre secuelas, remakes y secuelas de remakes. Ese mismo año se estrenó la que sea la película de terror más influyente de la historia del cine, "The Evil Dead" (1981), que cuenta con una visionaria, hipnótica y vomitiva estructura y trama que depreda a cualquier slasher (al estar filmada a finales de los 70) además de incorporar una enorme cantidad de objetos, personajes, tomas de cámara, efectos especiales que luego serían tomados y vomitados a nuestros rostros como la novedad del año.
En 1981 también se estrenarían dos películas completamente distintas en su tono y ejecución. Primero tenemos la casi obra maestra italiana de Lucio Fulci "E tu vivrai nel terrore - L'aldilà" (1981), que combina ciertos elementos del slasher (seguramente trasladados desde el giallo italiano, pero ahora en una locación norteamericana) y de la cinta de zombies, junto con cierto arte que vuelve la película una experiencia estética, de estas tendremos pocas durante esta década, siendo esta seguramente la más impresionante visualmente (después de las cintas de la serie de Evil Dead). Y luego tenemos la cinta que nos convoca, "The Prowler" (1981), que vendría a ser un símbolo, un síntoma, un signo, una señal de lo que se nos vendría encima, porque contamos aquí con nuestro clásico slasher que se vuelve mediocre a causa de una trama completamente aburrida, un elemento de supuesto interés que le daría cierto valor, pero que falla completamente al no tener relevancia en el resultado final, un producto olvidable que sería lo que caracterizaría a una gran mayoría de las cintas slasher durante los años 80.
Y es que de verdad me encontraba en una encrucijada de enormes proporciones cuando terminé de ver esta película, de verdad no había nada de lo cual se podía llegar a hablar y que fuera interesante y relevante para esta tribuna que me da la blogathon del Elefante Blanco (y que generalmente me ha entregado la oportunidad de hablar sobre cintas que no vería de otra manera y que me han dado satisfacción de escritor). La verdad es que "The Prowler" (1981) viene a ser el ejemplo perfecto de una película con mucho valor técnico, pues está bien hecha, se ve bien, tiene cierto buen arte, ciertas buenas actuaciones, excelentes efectos especiales, pero en una trama que se vuelve aburrida, repetitiva y sin mucho sentido cuando finalmente se revela quién es el verdadero asesino de toda la cosa (ni siquiera sé quién es el asesino, así de poco fue el impacto que tuvo). Pero el problema es que la idea que pone en juego para hacer del slasher importante, que obviamente nace como híbrido de Michael Myers y la madre de Jason Vorhees, es interesantísima, pero es desaprovechada rápidamente para irnos a las muertes.
La historia nos trata de vender una suerte de prólogo que ocurre en 1945, justo después del fin de la Segunda Guerra Mundial, donde la mujer de un soldado es asesinado por un tipo vestido de soldado. Ahora, supuestamente ese mismo soldado ha vuelto, pues está dejando la misma marca en sus asesinatos a mujeres, una rosa roja. ¿Qué tiene de interesante eso? Pues lo del valor americano, los soldados, los héroes y que un asesino esté vinculado a eso, pero todo eso la película lo desecha y se va directo por los asesinatos en una fiesta de graduación (qué originalidad, dios mío).
La película aburre y es olvidable, sólo los efectos especiales hacen que esto no sea completamente desechable, pero no vuelve más que un producto mediocre todo lo que nos esforzamos en ver un slasher que queremos que sea entretenido.

6/10