19º FICV 2012

Durante los primeros días de Octubre, más específicamente, desde el 2 al 7 de Octubre, se realizó el Festival de Cine de Valdivia, en la mágica ciudad del sur de Chile, fue mi primera vez asistiendo y fue una de las mejores semanas que he tenido: viendo cine, pasándolo bien con amigos, corriendo de cine a cine, terminando cansado cada noche, tirándonos a la cama a reflexionar sobre todo lo visto. Si no hiciera el mes del terror en Octubre, les aseguro que habría podido hacer una crónica diaria (la cual hice, pero no de forma publicable) dando una pequeña crítica de cada película.
La cosa es que la visita al Festival, el Mes del Terror y todo el asunto, es decir, hablo principalmente del esfuerzo que puse durante 100 días de los últimos meses en darle entradas de calidad al menos decente para que puedan disfrutar, pero siguió la enorme cantidad de ausentismo en los comentarios, es decir, no ha habido reciprocidad en la presencia y escritura de las críticas. Es por eso que a partir del día de hoy he decidido cerrar este blog, principalmente porque escribir blogs sobre cine, literatura o cualquier otro tema en español, ya se ha transformado en un asunto de nicho, un nicho que ya no puedo llenar ni puedo perseguir. Es por eso que me he visto, de alguna manera, obligado a realizar el salto a Wordpress y finalmente a lo que denominamos la crítica y el mundo blogger en inglés. Espero tener más suerte a la hora de entrar y realizar mis trabajos ahí.
Una vez más quiero darles las gracias a todos los que me apoyaron, comentaron o visitaron este blog durante sus casi 4 años de historia (un record personal para mí) y espero que podamos seguir leyéndonos, sobre todo ustedes hablantes del inglés, para que sigamos comentando de cine y de todos esos temas que nos interesan tanto.
Esto no significa un cambio temático, ni mucho menos, es una continuación de Exodus, con el mismo espíritu y el mismo enfoque, sólo en inglés y en otro sitio:

http://overlookhotelfilm.wordpress.com

 Los espero ahí, pero antes de irme, los dejo con mi lista de las películas que vi, ya había visto o que vi después de visitar el Festival Internacional de Valdivia, esto es, en orden de preferencia con un rating al final. Muchas de ellas dan links a críticas hechas previamente en este blog, mientras que otras dan la posibilidad de entrar al nuevo blog y ver mis miradas sobre aquellas películas que aún no he criticado. No todas tienen crítica propia, sólo las que la merecen de acuerdo al foco de Exodus y ahora de Overlook.

Sin mucho más que decir, los dejo con la lista, y los veo del otro lado:

1. Evil Dead II (1987,Sam Raimi) (Totalmente Salvaje) (crítica) *****
2. ¿Quién puede matar a un niño? (1976, Narciso Ibáñez Serrador) (Totalmente Salvaje) (crítica) *****
3. Eating Raoul (1982, Paul Bartel) (Totalmente Salvaje) (crítica) *****
4. Holy Motors (2012, Léos Carax) (Gala) ****1/2
5. Where the Condors Fly (2012, Carlos Klein) (Competencia Largometraje Chileno) (crítica) ****1/2
6. Tres tristes tigres (1968, Raúl Ruiz) (Eventos Especiales) ****1/2
7. Don't Look Now (1973, Nicolas Roeg) (Totalmente Salvaje) (crítica) ****1/2
8. La chica del sur (2012, José Luis García) (Panorama Latinoamericano) ****1/2
9. Re-Animator (1985, Stuart Gordon) (Totalmente Salvaje) (crítica) ****1/2
10. De jueves a domingo (2012, Dominga Sotomayor) (Competencia Largometraje Internacional) (crítica) ****
11. Nadie dijo nada (1971, Raúl Ruiz) (Eventos Especiales) ****
12. Sibila (2012, Teresa Arredondo) (Ventana del Cine Chileno) (crítica) ****
13. Entre chiens et loups (2008, Jean-Gabriel Périot) (Foco Jean Gabriel Periot) ****
14. No (2012, Pablo Larraín) (Ventana del Cine Chileno) ****
15. 11·25 jiketsu no hi: Mishima Yukio to wakamono-tachi (2012, Kôji Wakamatsu) (Gala) ****
16. Al final: La última carta (2012, Tiziana Panizza) (Nuevos Caminos) ****
17. 25 Watts (2001, Juan Pablo Rebella, Pablo Stoll) (Foco Pablo Stoll) ****
18. Eût-elle été criminelle... (2006, Jean-Gabriel Périot) (Foco Jean Gabriel Periot) ****
19. Leviathan (2012,Véréna Paravel, Lucien Castaing-Taylot) (Competencia Largometraje Internacional) ****
20. Conversaciones con Camila Vallejo (2012, Manuel Anselmi, Luciano Usai) (Disidencias) ****
21. #68 (Tomatoes) (2012, Jean-Gabriel Périot) (Foco Jean Gabriel Periot) ****
22. Remitente: Una carta visual (2008, Tiziana Panizza) (Nuevos Caminos) ***1/2
23. 20000 fantômes (2007, Jean-Gabriel Périot) (Foco Jean Gabriel Periot) ***1/2
24. Dear Nonna: A film letter (2004, Tiziana Panizza) (Nuevos Caminos) ***1/2
25. La Chupilca del Diablo (2012, Ignacio Rodríguez) (Competencia Largometraje Chileno) ***1/2
26. Miguel, San Miguel (2012, Matías Cruz) (Eventos Especiales) ***1/2
27. Avant j'étais triste (2003, Jean-Gabriel Périot) (Foco Jean Gabriel Periot) ***1/2
28. I lupi (2011, Alberto de Michele) (Disidencias) ***1/2
29. Under Twilight (2006, Jean-Gabriel Périot) (Foco Jean Gabriel Periot) ***1/2
30. Undo (2005, Jean-Gabriel Périot) (Foco Jean Gabriel Periot) ***1/2
31. Dies Irae (2005, Jean-Gabriel Périot) (Foco Jean Gabriel Periot) ***1/2
32. We Are Winning Don't Forget (2004, Jean-Gabriel Périot) (Foco Jean Gabriel Periot) ***1/2
33. Les barbares (2010, Jean-Gabriel Périot) (Foco Jean Gabriel Periot) ***1/2
34. A primera hora (2012, Javier Correa) (Competencia Largometraje Chileno) ***1/2
35. La santa (2012, Mauricio López) (Disidencias) ***1/2
36. L'art délicat de la matraque (2009, Jean-Gabriel Périot) (Foco Jean Gabriel Periot) ***1/2
37. 21.04.02 (2002, Jean-Gabriel Périot) (Foco Jean Gabriel Periot) ***1/2
38. Joven y alocada (2012, Marialy Rivas) (Ventana del Cine Chileno) (crítica) ***
39. Journal intime (2001, Jean-Gabriel Périot) (Foco Jean Gabriel Periot) ***
40. Gay? (2000, Jean-Gabriel Périot) (Foco Jean Gabriel Periot) ***
41. Sal (2011, Diego Rougier) (Ventana del Cine Chileno) ***
42. La casa (2012, Gustavo Fontán) (Panorama Latinoamericano) **1/2
43. Partir to live (2012, Domingo García-Huidobro) (Competencia Largometraje Chileno) *

100 Días de Terror - Nº4: Noroi (2005)

Horror en forma documental, por Jaime Grijalba.
Uno pone una película en su DVD sin saber qué esperar... o aprieta play en youtube sin saber qué es lo que le espera, por eso el inicio de esta cinta es tan poderoso, porque parte con una profunda voz japonesa contándonos la historia de un investigador de lo paranormal que ha desaparecido hace algunos meses y que se dedicaba a realizar documentales en formato VHS sobre diversos eventos extraños ocurridos en todo Japón, por donde se movía con un afán periodístico del más alto nivel, consiguiendo las entrevistas, los materiales y los experimentos fílmicos más extraordinarios, demostrando irrefutablemente la existencia de fuerzas paranormales en nuestra realidad, y sobre todo en la sociedad espiritual japonesa. Cuando vemos ese rostro investigador, ya conocemos a este personaje y sabremos que no se va a detener y que nunca va a dejar de grabar aunque esté pasando por el momento más peligroso de su vida.
Luego, la voz nos muestra una cinta, el último VHS editado, dirigido y producido por nuestro investigador paranormal, Masafumi Kobayashi. El quizás más controversial e increíble de sus videos, "Noroi: The Curse", el último que se lanzara antes de su misteriosa desaparición. Luego la cinta pasa a mostrarnos el material grabado por Kobayashi y puesto en la cinta tal cual como está ahí, con los efectos de edición, el material de archivo, los textos, las investigaciones, las entrevistas, los experimentos y quizás la mayor aventura de la vida de Kobayashi, involucrando apariciones reales con fantasmas, rituales ancestrales, figuras demoníacas de un pasado perdido y una historia demasiado escabrosa como para poder creerla en un principio... pero que nos aseguran que es real, en un cien por ciento, o al menos así es como queremos tomarlo aquellos que estamos disponibles para suspender nuestras dudas ante algunos elementos poco lógicos de su historia... o por los efectos especiales...
Pero lo que de verdad es lo más efectivo de toda la película es que cuando termina la película hecha por Kobayashi... retrocedemos y volvemos a ver la consola donde se realizaba la reproducción de este VHS, como si todo este tiempo hubiéramos estado haciendo un zoom in hacia una pantalla digital viendo ediciones y entrevistas, material de archivo y reacciones de horror, siendo testigos por una doble pantalla de los hechos documentados, como si fuera necesario protegernos con una doble barrera de separación (la nuestra y la que reproduce el evento) de los horrores reales y cercanos a los cuales hemos sido testigos, como si ese VHS contuviera la maldición en sí y esta fuera de alguna manera contrarrestada a través de este elemento de la doble pantalla. Pero eso no es todo, sino que el recurso es utilizado para decirnos que eso no es todo lo que tenemos que ver, sino que hay más material, uno que viene a llenarnos de todo el miedo que tal vez esa cinta cuidadosamente editada no pudo lograr. Una toma secuencia, quizás la toma secuencia del género del terror más efectiva de toda la historia. Una que no resuelve, sino que hace más preguntas. Las que sólo se responderán en nuestras cabezas, debido a la incertidumbre acerca de la realidad de lo que acabamos de ver.

"Noroi" (2005) es uno de los filmes de terror más efectivos de la historia del cine japonés de terror, el cual tiene una amplia historia desde el cine mudo, pasando por las cintas de época samurai con fantasmas, ciencia ficción y llegando a esta, una de sus cumbres más altas, usando el método y la tecnología de las cintas de "metraje encontrado", nos encontramos con la obra maestra de este género del documental falso de terror (pero qué tan falso es, el elemento japonés nos entrega aún más inquietud, no podemos corroborar al 100% que todo es ficticio). Una obra que mezcla todos los elementos que hacen efectivas a estas películas: la sorpresa, la sensación de realidad, la actuación naturalista y las tomas en forma "amateur" (elemento que se ve disminuido en gran parte del metraje a causa de la profesionalidad con la cual se manejan algunas tomas, es decir, nos encontramos por primera vez con un camarógrafo que no nos marea cuando sigue movimientos traseros de personajes o cuando decide irse en una tangente de la investigación y explorar por su propia cuenta.
Hay un elemento tribal japonés que siempre me ha parecido demasiado interesante y que aquí se siente vivo, real, usado de su mejor forma, pero sin que nunca se muestre un ritual del cual participen nuestros protagonistas (sólo se ven atisbos de la tradición y el antiguo ritual en retazos de filmes de archivo, encontrados ya bastante avanzada la trama de la historia), o encontrando retazos de esos rituales, ya que el último se realizó hace varias décadas, y el único rastro de ese ritual se puede sentir en la carne de un par de personajes, que han quedado marcados por los mismos y que aún viven sus secuelas, y que finalmente son los verdaderos responsables de los eventos que ocurren en Japón y que está investigando nuestro sagaz reportero paranormal Kobayashi-san.

Uno de los elementos técnicos mejor logrados de la cinta es la gran variedad de lugares que son visitados y que son realmente importantes para la trama, y el gran detalle que se le da a la ambientación y caracterización de esos lugares, así como la gran labor de búsqueda de los lugares precisos: pueblos, campos, templos, donde deben ocurrir los eventos más importantes y asustadizos de la película. Es importante recalcar la película da miedo, mucho miedo, y es una gran película de terror tanto por lo que muestra como por lo que no muestra, y aunque suene tonto decir que es una película de terror que da miedo, pero es que en estos días modernos, tantas pocas cosas dan miedo, que es necesario decirlo sobre una película, pues es algo difícil de lograr.

Otro de los enormes logros es el pensar que todo "material de archivo" fue creado especialmente para la película, y se nota que este director tiene una gran experiencia y varios contactos con varios tipos de medios y mundos de diversos tipos, pues pudo grabar en varios estilos de distintos programas de televisión, de manera que resultan completamente realistas dentro del contexto de la televisión japonesa y la narración que se está llevando a cabo. Basta pensar que uno de los elementos que más miedo da de toda la película se da en el contexto brillante y colorido/divertido de un programa de televisión de variedades, donde se muestra un reportaje/experimento hecho con niños para demostrar sus poderes psíquicos, y la forma en que la niña más perceptiva falla es de lo más espeluznante que van a ver, además de tener una consecuencia hacia el final de la cinta que resulta completamente estremecedor, sobre todo cuando uno piensa en la amplitud del plan de un ser maligno como un demonio.

Creo que he dicho demasiado sobre la película. Véala. Ahora.

Cine Chileno del 2012 #7: Efectos especiales (2011)

(Chile 2011 75m) Cinépata

p Bernardo Quesney d Bernardo Quesney g Bernardo Quesney f Nicolás Durán ed Efraín Chinchilla

a Paola Lattus, Fernanda Toledo, Paulo Orrego, Bernardo Quesney, Nicolás Durán

Nuevamente tenemos acá una cinta que no tuvo un lanzamiento en cines, pero que tuvo un lanzamiento en internet oficial a través del sitio de Alberto Fuguet, Cinépata, pero que critico por dos razones, primero porque creo que es una de las mejores películas chilenas realizadas y lanzadas en al menos 7 o más años, y lo otro... ya que hice una crítica a una película que tuvo una avant premiere pagada en un homenaje asqueroso en el Teatro Teletón y que luego fue lanzada no oficialmente en Youtube, creo que puedo criticar una película que tuvo una Avant Premiere pobre en un salón de la Universidad Mayor, además de ganar un festival internacional, y que luego fue lanzada oficialmente en un sitio online para que sea vista, incluyendo los tan necesarios subtítulos en inglés de hoy en día.
Pese a eso, creo que esta cinta puede llegar a ser de nicho, pero siento que de alguna manera logra a una universalidad cómica, tal vez por lo natural y común de la mayor parte de las conversaciones, así como la gran calidad de la improvisación de los actores y no actores que se mueven dentro y fuera del plano fílmico. Realizada con un presupuesto mínimo y casi inexistente, Bernardo Quesney logra realizar una comedia que va más allá que las demás, porque no nos cuenta chistes o gags, sino que nos muestra un grupo de personajes con poco cerebro y un ego enorme y que simplemente no pueden congeniar entre sí. Creo que es una de esas películas genuinas que están en clave documental, o algo así, aunque se realice una ficción, pero se siente como un making off que salió mal, mezclado con metraje encontrado de un filme nunca terminado.
Antes de irnos a la trama, creo que debo hablar sobre el elefante en el cuarto: yo vi esta película antes de su estreno oficial online o incluso que su premiere en el auditorio de la Universidad Mayor, algo que de verdad lamento pero no pudo ser por falta de tiempo. La vi en una ocasión especial en que se hizo disponible para verla online a través de Vimeo por sólo una noche, y justo me encontraba en una situación similar a la que me encuentro en este momento: ad portas de un rodaje de un cortometraje, justo como el que se visualiza en la película, así que ahora ha redoblado su poder y mejorado aún más con todo el tiempo que ha pasado entre mis dos visionados. De hecho, fue la única película que llamé "obra maestra" del año 2011, sobrepasando a favoritas de la crítica como "A Separation" (2011) o "Melancholia" (2011). Fue tanto así que la nombré la "mejor película del 2011" en mi lista de las 20 mejores, diciendo:

"Creo que estamos entrando en una nueva era para el cine chileno, estamos ganando más premios que nunca y las películas están más interesantes, y lo que lo demuestra es el hecho de tener una película chilena en el primer puesto de mi lista de lo mejor del 2011. Una comedia sobre hacer una película que no es buena, así puede resumirse la genialidad de Quesney, una improvisación tras otra, una filmación fallida tras otra, un intento de camera ininterrumpida, una edición y unos chistes que te ponen en la piel de una filmación que no está yendo tan bien como se esperaba, y todo por culpa del imbécil de Bernardo Quesney (el personaje), que no puede dejar de cometer las mismas estupideces en las que caen todos los cineastas chilenos. Y en ese sentido esta película sirve como documento recriminatorio y un llamado a detenerse y no cometer los errores de este joven Quesney, a crear un cine nuevo, fresco, liberado de todos los clichés. Ese plano secuencia final es uno de los mejores en mi memoria reciente y creo que debe ser vista cuando tenga la oportunidad... yo la pude ver porque la vi online cuando el director la liberó por una noche y me pilló sin sueño. No me arrepiento."

También hablé de la película cuando la revista "Senses of Cinema" cuando pidió a críticos de todo el mundo que dieran su lista de las mejores películas del 2011, la cual inicié con esta película en primer lugar y con una foto:

"This is a little independent no-budget Chilean film that has been making rounds in certain underground and major film festivals here. But this was made available to watch online for one night, and that’s how I ended up seeing one of the best movies of the year and one of the best Chilean films ever made. Going barely beyond the hour mark, this film mixes the poetic tone of modern Latin American cinema with the cynicism of the meta-filmic experience the plot concerns. Making fun of all the clichés that plague student and professional films made in Chile, and even independent cinema all over the world, this movie is about the making of a movie, filmed in long takes as the movie progresses and the actors get more and more confused with the improvisational character of the film and the director, who seems to know what he’s doing yet at the same time does everything that shouldn’t be done when you’re directing a film. The movie itself progresses as a comedy, but ends as a mystery, with the enraging nature of the director and a final long take that lasts over 15 minutes that will remind you more of Asian art cinema than any Latin American film you’ve ever seen. This is a masterpiece of comedy and has deep implications. The director of the fake film is played by the director of this film, so that should tell you a lot about it."

¿Acaso pueden dudar de todo el tiempo que he llevado felicitando y dando loas a esta cinta? He pasado los últimos dos días promoviendo el visionado de "Efectos Especiales" (2011) no sólo entre mis amigos sino a mis conocidos internacionales que siempre se han mostrado muy curiosos cuando hablo sobre esta pequeña película que pudo ganar mi corazón. Lo que no sé es si procede, después de todo esto, hacer una crítica, más vale que la vean y yo me quede callado, tienen ahí dos párrafos anteriores en los que hablo sobre la película. Véala hoy en Cinépata, como yo lo hice, y pásesela a sus amigos, véala de nuevo, yo ya me estoy tentando a reirme con cada uno de los excelentes momentos que tiene esta cinta con un aire a que la alegría ya viene para el cine chileno, de mano de directores como Bernardo Quesney.
Antes de irme debo recordarles que la película se llevó 4 Frank Awards, más que ninguna otra película, siendo los premios a Mejor Director para Bernardo Quesney, a Mejor Película Chilena, al Mejor Momento Cinematográfico (por la toma final que dura 15 minutos) y a la Mejor Película del año 2011. Así que le viene con premio, véala maldita sea, no me haga enojar.
Mi rating... duh.

10/10

Alfred Hitchcock Presents: Psycho (1960)

Esta es una entrada especial para la Blogathon "For the Love of Film" que en su tercer año se ha decidido preocupar y centrarse en la figura de Alfred Hitchcock, pues una de las primeras películas en las que participó (no como director) fue encontrada y será restaurada, como siempre ha sido el afán de esta blogathon, juntando dinero para poder realizar ese trabajo e ir a las instituciones que se dedican a restaurar las cintas que el tiempo ha deteriorado y que se creían perdidas.
Si quiere dejar algo de dinero usted puede donar haciendo click acá o entrando directamente a https://npo1.networkforgood.org/Donate/Donate.aspx?npoSubscriptionId=1001883&code=Blogathon+2012 Diga que viene de mi parte y mándele mis saludos a todos los que participan y donan, sobre todo porque yo no puedo donar debido al delicado momento económico que vivo, con el cortometraje y toda la cosa.
Finalmente, antes de entrar en materia, quiero agradecer y darle un grito de apoyo a quienes están manteniendo y llevando la blogathon de manera perfecta, en los sitios Ferdy on Films, The Self-Styled Siren y This Island Rod. Visite sus sitios y vea a los otros participantes de la blogathon, pero basta de introducciones, vámonos a la carne del asunto. Alfred Hitchcock.

Es de conocimiento popular para los estudiosos de Hitchcock y en específico de una de sus obras maestras, "Psycho" (1960), que usó el equipo y técnicas aprendidas durante la realización de episodios de su serie de sindicación televisiva "Alfred Hitchcock Presents", cuya presentación siempre realizaba él, con un tono siempre irónico y divertido sobre los casos más cruentos de asesinatos o crímenes horribles. La serie es recordada y querida hasta el día de hoy como una de las mejores series de historias individuales, de las cuales se hicieron muchas durante los años 50 y 60, siendo esta una de las más exitosas con 7 temporadas y 268 episodios, desde 1955 a 1962, contando con la dirección de Alfred Hitchcock en persona por 17 de sus episodios, casi por todas las temporadas e increíblemente cambiando siempre de género y estilo de filmación, 15 de cuyos episodios fueron grabados y transmitidos antes del estreno de la cinta de 1960.
La pregunta es cuál es la influencia real que tuvieron estos 15 episodios dirigidos por Hitchcock y vistos en televisión pudieron tener alguna clase de influencia en "Psycho" (1960), y es que se sabe que hubo ensayos y cosas que se repitieron en la cinta y que aparecen en este episodio, y que viene a reforzar aún más el mundo en el que nos vemos inmersos actualmente, donde la televisión parece tener un lugar más importante en el panteón audiovisual que el cine, teniendo al maestro Hitchcock como uno de los primeros visionarios que sabían del valor y la importancia de este medio, así mismo como la relación entre ambos y que no hay que desdeñar a uno en favor del otro, sino que son medios audiovisuales en los cuales siempre se puede innovar, pues mientras se tenga la oportunidad de contar una historia, el medio en el cual se realice finalmente, restricciones más o menos, es secundario.
Entonces lo que haré será revisar brevemente cada uno de estos quince episodios dirigidos por Hitchcock y mostrarles las referencias, o lo que sea que nos recuerde a "Psycho" (1960), ¿les gusta la idea? ¿No? Igual deje su comentario o su donación, mire que por mi culpa no se vaya a llegar a la meta, me muero.

· "Revenge" S1.E1
Bueno, hay algo claro con este episodio, el primero de esta magistral serie de historias de misterio, terror, muerte psicología y muchas otras cosas. El elemento principal de interés es la presencia de Vera Miles como la protagonista, que realiza una performance única e increíble como una mujer en estado de shock tras un claro intento de violación. Aunque con una actuación más pausada y relacionada con la mirada y qué es lo que mira el personaje en "Psycho" (1960), como la hermana de Marion Crane, Lila Crane. Siento que a lo largo de la serie también hay algo de un ensayo de fotografía para la cinta de 1960, y eso se nota en las tomas que son dentro del auto y realizadas con la fotografía en blanco y negro, y que en su sentido de escape y movimiento por lugares lejanos, escapando de un crimen, tienen algo que recuerda a los primeros minutos del filme de terror.


· "Breakdown" S1.E7
Hay algo en este episodio en primera persona que de verdad causa mucho terror y miedo, pudiendo considerarse como uno de los primeros ejercicios en terror puro realizado por Alfred Hitchcock antes de realizar la que sea la más famosa de sus cintas. Pero aparte del ejercicio de género, hay una cámara y fotografía que recuerdan a un momento central de "Psycho" (1960) en la expresión vacía de nuestro protagonista con los ojos abiertos recuerda a la toma magistral de Marion Crane en el suelo luego de ser asesinada en la ducha (digo, para qué vas a leer esto si no has visto la película). Esa inmovilidad y esos ojos que nos comunican muchas cosas, en casos distintos, claramente acá hubo un refuerzo estilístico repetido años después.


· "The Case of Mr. Pelham" S1.E10
Esto es territorio desconocido para Alfred Hitchcock. Siempre entregado a la intriga y a las personas que se confunden con otras, identidades mezcladas, aquí nos presenta un misterio impresionante que tratamos de resolver a cada segundo, sólo para darnos cuenta que la respuesta más simple era la más adecuada, aunque esa respuesta simple implique adentrarnos en el terreno de lo sobrenatural, algo que nunca ha sido abordado directamente en la filmografía de Hitchcock hasta ese momento. Lo mismo sucede cuando pensamos en la legendaria "Psycho" (1960), que a su vez resultaba un ejercicio en un género que aún no había sido explorado por el británico director.


· "Back for Christmas" S1.E23
En esta comedia/thriller se caracteriza por dos cosas impresionantes que la conectan directamente con la cinta a la cual se dirigiría Alfred Hitchcock el año 1960. Primero es la importancia del sótano, y específicamente de un "cellar" dentro de la historia, siendo en ambos casos depositorio de la muerte y de un ser más o menos similar, además de contar con un clímax que se replica en el mismo lugar para ambas narrativas, con un intento de asesinato por parte de alguien que no quiere que la mujer a la cual están matando exista pues les molesta para su sanidad mental. El otro elemento que sorprende es la gran cantidad de planos-secuencia continuos sin corte que podemos encontrar en la segunda mitad de este episodio, algo que se replicaría con gran éxito en la escena de la limpieza del cuarto en "Psycho" (1960). Aunque no ajeno a los planos-secuencia, es extraño verlos en televisión tan seguido para un formato que no era en vivo y no era una sitcom. Claramente podemos ver aquí una preparación para "Psycho" (1960).


· "Wet Saturday" S2.E1
Hitchcock le da el puntapié inicial a la segunda temporada de esta serie con un episodio no muy emocionante, pero sí muy interesante en cuanto a su contenido en perspectiva a la cinta "Psycho" (1960), pues tenemos el acto de esconder un cadáver, algo que ocurre varias veces en la posterior cinta, así como el asesino que se quiere inculpar no es el correcto, pero el tono es muy comédico para recordarnos completamente a "Psycho" (1960), aunque la asesina original si nos puede recordar un poco al asesino encubierto de esta cinta que nos vendría a cambiar el rostro del horror.


· "Mr. Blanchard's Secret" S2.E13
Un capítulo de ingenio e imaginación es lo que nos presenta este capítulo simple y a veces cómico por su personaje principal. En las conjeturas que realiza esta joven escritora acerca de la vida de sus vecinos recuerda a muchas cintas de Hitchcock y que han tomado su inspiración para realizarlas, pero a su vez recuerda al personaje de Arbogast cuando realiza sus investigaciones y suposiciones al teléfono. Otro elemento de fascinación es la mención de un sótano como un lugar donde el Señor Blanchard estaría guardando a su esposa para algún día quemarla, lo que recuerda al estado de la Sra. Bates en su sótano de fruta respectivo. Otro elemento que se repite, aunque no hay reflejo visual, es el de la casa con una luz prendida sola, y que para nuestra protagonista puede dar a entender tanto la presencia de alguien como la inexistencia o muerte de esa misma, algo que resulta conmovedor cuando comparamos con la visión tétrica de la casa Bates con aquella luz única encendida, justo en la pieza de la Sra. Bates que tanta intriga causó en su tiempo.


· "One More Mile to Go" S2.E28
Para cualquiera que haya visto este capítulo resultará gratamente sorprendido por los elementos que se replican y que recuerdan claramente a las mejores secuencias de "Psycho" (1960), partiendo por la silente introducción que contiene una gran serie de planos secuencias de la limpieza de un lugar del crimen, sin que el protagonista diga una sola palabra hasta muy avanzado el relato, como ocurre con el personaje de Anthony Perkins una vez que se decide a esconder el cadáver de Marion Crane, limpiando la escena del crimen, en un perfectamente sincronizado plano secuencia, que seguramente se ensayó en este capítulo. Luego tenemos la intriga del policía, la persecusión inocente y la postura del cadáver en la maleta del automóvil también son elementos que se vieron replicados en la misma cinta, en cuanto al inicio de la misma con el escape y el juego con el mismo policía que ocurre en el trayecto de Marion Crane, las sospechas y juegos de informaciones que se tiene a cabo y que resulta magistral. El cadáver en el maletero puede ser no mas que una coincidencia, pero así es el juego que estoy jugando, aquí veo una forma de filmar parecida a la de "Psycho" (1960).


· "The Perfect Crime" S3.E3
No sabía esto y por eso me alegro: Vincent Price y Alfred Hitchcock trabajaron juntos. Creo que eso hace de este un episodio espectacular, simplemente con la presencia del actor más querido por todos aquellos que adoramos las voces estrambóticas y las performances teatrales. Sin embargo, a lo que nos trae este asunto, es que si bien este episodio es de mucho bla-bla sí es interesante en cuanto al discurso que usan estos dos abogados e investigadores es similar al que se usa en la penúltima escena de la cinta, en que un psicólogo y los policías, así como los afectados, tratan de explicar la conducta y el cómo lo hizo de nuestro criminal favorito.


· "Lamb to the Slaughter" S3.E28
No sé si sea cierto, pero creo que este debe ser uno de los episodios que más debería ser mencionados tanto entre los mejores de la serie y entre los que más clara influencia tuvieron sobre el producto final que fue "Psycho" (1960). Todo esto, principalmente, por el plano final del episodio, que se replica casi a la perfección con el penúltimo plano de la cinta de 1960 del mismo director, con un track-in hacia el culpable, que se está haciendo pasar por inocente, con una pequeña (o gran) sonrisa al final que los delata completamente en cuanto a su verdadera naturaleza asesina. Hay otros elementos de confusión policíaca y de interrogatorios que serían levantados desde aquí y replicados en la figura de Norman Bates y Arbogast con las constantes preguntas y el engaño al cual se ve sujeto, así como las sospechas. También hay algo en la reflexión silenciosa de la protagonista de cómo encubrir su crimen y la mirada de Norman cuando está limpiando la escena del crimen.


· "Dip in the Pool" S3.E35
Lamentablemente este episodio no lo he podido ver para motivos de este post, lo lamento mucho.

· "Poison" S4.E1
Aunque el episodio no tiene muchas resonancias estilísticas con respecto a trama, sí tiene algo de la fotografía con esas sombras duras contra la pared, además de ser un ejercicio en un género de terror, ahora mucho más arriesgado e incluso con una criatura. Impresionante episodio por sí mismo de todas maneras.


· "Banquo's Chair" S4.E29
Aunque en un tono más sobrenatural, comparándolo con el resto de las historias de esta serie, este pequeño episodio gana mucho gracias al elemento tétrico que contiene en conjunto con las grandes actuaciones que se nos presentan. Aquí la presencia de la muerta que viene a atormentar al vivo y sobreviviente familiar, en este caso quien la asesinó, recuerda mucho, aunque de manera más corporal, a la relación entre la Señora Bates y Norman Bates.


Sobre el resto de los episodios, ni rastro, deben estar por ahí, pero no tengo tiempo ni el espacio para hablar de ellos, pero creo que comprenden la idea de que "Psycho" (1960) hubiera podido funcionar como un clásico episodio de Alfred Hitchcock Presents, claro que en una televisión que permitiera tantas muertes gráficas. Bueno, recuerden de donar y nos vemos pronto.

Imagen-Tiempo, el Vacío y Halloween

¿Por qué "Halloween" (1978) es una obra maestra?


Hay algo en el vacío de la mirada de la máscara que lleva Michael Myers que lo vuelve infinito, como si detrás de él no hubiera nada y a la vez todo, como si esos ojos negros, oscurecidos por la máscara. Ese mismo vacío, infinito, presente de Michael Myers se repite en los planos finales de la película.

Planos largos, fijos y vacíos, la presencia de la ausencia prolongada, con el sonido de la respiración de Myers de fondo, su presencia está ahí, pero no se ve, él nos espera, y ese sentimiento de que estamos siendo observados es impenetrable, es seguro y da mucho miedo.

La imagen-tiempo implica que la acción no justifica ni termina la imagen, sino el tiempo que transcurre, y en estos planos podemos ver cómo pasa el tiempo de la peor noche de Halloween en mucho tiempo, vemos los espacios antes llenados por los vivos ahora muertos. Son el perfecto ejemplo de la imagen-tiempo.







Él está ahí afuera, en el vacío, listo para arrastrarte ahí mismo. Él es la personificación de la muerte y el vacío que viene después. Pensándolo muy bien, "Halloween" (1978) es una cinta muy nihilista... sólo por esos planos finales.

Akmareul boattda (2010)

Este es mi segunda colaboración para la Korean Cinema Blogathon 2012, que trata de que durante una semana, del 5 al 11 de Marzo, no se hable más que de cine coreano en las webs de cine y de cultura en general. La Blogathon es organizada por New Korean Cinema y CineAwesome, para que vayan y tengan más información sobre los posts y eventos que se llevarán a cabo durante esta semana. Ahora me he inclinado por uno de esos post tributo-libres que hago cuando una película entra entre mis favoritas, así que vamos.

Dos Caras, por Jaime Grijalba.
Hay algo dentro de I Saw the Devil que se asimila y a la vez se diferencia de las otras cintas de venganza que pueden encontrarse dentro del cine coreano. Lo que la asemeja es el tema, obviamente, se trata de un hombre que busca venganza del asesino que ha matado a su novia, y en su construcción está lleno de giros, momentos increíbles e impresionantes de lucha y suspenso, que brillan por su excelente fotografía e impecable montaje. Sin embargo, a la vez es distinta, porque mientras que en las cintas de venganza siempre buscamos y la esperamos, generalmente esta no ocurre de la manera que creemos, y estamos esperando hora y media o dos horas para que llegue el momento de la venganza y nos sintamos por fin satisfechos, pero no acá. El problema es que nuestro agente de venganza no se demora más de media hora o cuarenta y cinco minutos de película en encontrar al autor de ese y otros múltiples crímenes parecidos y violentos contra mujeres, pero aún así nos mantenemos en suspenso durante las dos horas que dura la película y la razón es que estamos viendo un juego, el juego más macabro del que seremos testigos, mucho mejor que cualquiera de las versiones de Saw, un juego de venganza en el cual la muerte es el final, pero nunca es el fin.

El momento en el cual Byung-hun Lee y Min-sik Choi se ven por primera vez debe ser uno de los momentos más tensos en la historia del cine, no por el evento en sí (que de por sí ya es suficientemente tenso cuando notamos que finalmente se encontraron), sino por la reacción del público, por un segundo pensamos que la película es floja y ha adelantado la venganza, pero la mirada de Lee y su posición enmarcada en la entrada, entre hileras de plantas en un invernadero donde las peores atrocidades homicidas se han cometido. En un momento, con un segundo de encuadre más de lo necesario, con una mirada fija y una frialdad absoluta, el momento se vuelve tenso y se repite hacia el infinito por el puro hecho de contar con la participación del público, somos testigos del empezar de un juego demencial e infernal, porque sabemos que Lee no lo va a matar, porque lo hubiera podido hacer rápidamente, así que tememos y nos ponemos tensos ante la perspectiva de que se van a convertir en monstruos y van a sacar a relucir lo peor de lo peor que hay dentro de sus almas. Es violento, hace daño, es increíble.

Hay algo en el montaje y el ritmo de la cinta en general que resulta curioso. Es pausado, tremendamente pausado, pero no de forma lenta como para latear al espectador, sino como si las cosas sucedieran, al más puro estilo de la imagen-tiempo, tanto los planos como la cámara y las situaciones suceden y se dejan estar por el tiempo necesario que necesitan estar. Por ejemplo, hay una escena en la cual nuestro psicópata (el original, no el que ha creado la circunstancia) se dispone a violar a una enfermera que lo ha tratado de las heridas que le ha hecho el hombre que se quiere vengar de él. Entonces nuestro querido psicópata (haciendo de un Oldboy mucho más desesperado y sin ningún afán más que el de su propia satisfacción) empieza a pedirle a la enfermera que se desvista y se prepare para ser violada, que es bella y le gusta mucho, todo esto sin ningún tipo de montaje paralelo que nos venga a anunciar qué es lo que viene, estamos viendo siempre la desesperación en el rostro de ella, la tranquilidad y excitación en Choi que aumenta a medida que ella parece resisitirse más y más a todo lo que sucede. Estamos siendo torturados por una visión de la cual no podemos escapar, y eso indica una enorme cualidad en las manos del director Jee-woon Kim, que con esta cinta se ha consagrado y vuelto uno de los mejores directores coreanos (cosa que se venía anunciando con sus anteriores películas como "Joheunnom nabbeunnom isanghannom" (2008), "Dalkomhan insaeng" (2005) y "Janghwa, Hongryeon" (2003), todos ejercicios de género, incluído este del cual estamos hablando) trabajando actualmente. Sin embargo, cuando la cinta se va acercando a lo genital, y como estamos en Corea y la película se estrena en Corea, no podemos mostrarlo, y aquí viene lo impresionante: la presencia de Lee desde atrás que viene a detener la acción depravada que está ocurriendo en un plano bellísimo donde la luz entra y vemos a nuestro personaje con un martillo en la mano (haciendo una clara referencia a "Oldeuboi" (2003) ) y podemos terminar ese nuevamente tenso momento que nos tenía preparados.

Creo que hay algo en mostrar la violencia tan crudamente en una cinta que no es estrictamente de terror (es casi tanto de terror como puede ser un policial, esto se asemeja más a un thriller de persecusión sin final) y se debe a que estamos viendo a dos monstruos con el mismo rostro, luchando, olvidando y mezclándose de manera indefinida debido a sus métodos de poder hacerle ver al otro quién es el que tiene la mejor mano en este juego diabólico. Son dos caras, dos rostros iguales (y no me refiero a que se parezcan, porque no se parecen), dos formas iguales de ver una forma en la cual la sociedad se ha educado: vemos representada la competencia, las ansias de ser legendario, de ser famoso por algo, de hacer algo importante, de la necesidad de parecer el héroe, de eliminar a los competidores, todas enfermedades de la sociedad capitalista en la cual hemos sido inculcados. ¿Qué otra cosa podemos esperar de una cinta en la cual uno de sus personajes tiene un amigo que come carne humana, la seca y la procesa como si fuera el mejor de los cortes? El hombre es el lobo del hombre dicen por ahí, y aquí, aunque se vuelve explícito, es cierto como mensaje para esta cinta.

Es una película que no es recomendada para la gente sensible, porque no tiene límites, es algo que está más allá del bien y el mal, sin considerar el fin de la venganza, no podemos más que sentir lástima ante la ejecución final. Y eso es algo que sólo puede hacer una de las mejores películas coreanas.

Frank Awards 2011 Segunda Parte: Guiones, Actuaciones, Películas y Otros

Y seguimos premiando lo mejor del 2011, aquí entramos en tierra derecha y nos encontramos con las joyas del año recién pasado.

Mejor Guión Adaptado
El ganador del año pasado del Frank Award fue Alex Garland por su guión de la bellísima "Never Let Me Go" (2010), basada en la novela de Kazuo Ishiguro. Este escritor no realizó nuevos trabajos durante el 2011, y no ha sido adaptada una nueva obra del impresionante escritor británico/japonés a la pantalla grande.
Para este año tenemos legados e inspiraciones impresionantes para obras de guión de gran y complejo nivel. Tenemos el guión de Agustín y Pedro Almodóvar para la película española "La Piel que Habito" (2011), basada en la novela francesa "Tarántula" de Thierry Jonquet. Basada en la novela "La Invención de Hugo Cabret" de Brian Selznick, John Logan escribe el guión de la mágica cinta de Martin Scorsese, "Hugo" (2011). Kevin Williamson realiza un ejercicio de meta lenguaje al décimocuarto nivel con la continuación de la saga Scream en "Scream 4", que se considera adaptado al ser una secuela. Steven Zaillian toma el primer libro de la saga Millenium, "Los hombres que no amaban a las mujeres" se Stieg Larsson para transformarlo en el exquisito y pausado guión de "The Girl with the Dragon Tattoo" (2011) de David Fincher. Zaillian también está nominado junto a Stan Chervin y el anterior nominado a un Frank Award por "The Social Network" (2010) (en la misma categoría), Aaron Sorkin, le dan palabras a un libro complejo como "Moneyball: The Art of Winning an Unfair Game" en la magnífica cinta "Moneyball" (2011). Los nominados, entonces, son:

· Agustín Almodóvar y Pedro Almodóvar por "La piel que habito", basada en la novela "Tarántula" de Thierry Jonquet
· John Logan por "Hugo", basado en el libro "La Invención de Hugo Cabret" de Brian Selznick
· Kevin Williamson por "Scream 4", siendo una secuela
· Steven Zaillian por "The Girl with the Dragon Tattoo", basada en la novela "Los hombres que no amaban a las mujeres" de Stieg Larsson
· Steven Zaillian, Aaron Sorkin y Stan Chervin por "Moneyball", basada en la novela "Moneyball: The Art of Winning an Unfair Game" de Michael Lewis

Y el/los ganador/es es/son:

Kevin Williamson logró escribir los mejores diálogos, las mejores situaciones, las mejores secuencias del cine de terror del año 2011, junto con lograr unos niveles impresionantes de metalenguaje a niveles insospechados, lo cual siempre es bueno de destacar en una cinta tan impresionantemente excelente como "Scream 4", la mejor de la saga.
Así tenemos a dos nuevos perdedores de los Frank Awards, con Steven Zaillian y Aaron Sorkin, ambos con dos nominaciones y ningún Frank Award.

Mejor Guión Original
El ganador del Frank Award del año pasado es el distinguidísimo director y guionista Christopher Nolan por el complejo e intrincado, laberíntico e impresionante guión de "Inception" (2010). Durante el 2011 no escribió, pero esperen a que saque la película que tiene preparada este año, uf.
Los nominados en esta ocasión vienen de todas partes del mundo, así que tenemos una gran cantidad de talentos nuevos en esta ocasión. Partiendo por Asghar Farhadi, el director y guionista iraní que realizó la cinta "Jodaeiye Nader az Simin" (2011), conocida como A Separation para oidos menos iraníes, que combina personajes estupendos y una trama misteriosa e intrincada. Lászlo Krasznahorkai y Béla Tarr relatan el fin del mundo, el fin del cine o el fin de la vida de una familia en "A Torinói ló" (2011), o The Turin Horse, basándose en una anécdota de los últimos días de Freud, siendo episódico y a la vez profundo en sus escasos diálogos. Los hermanos Park, Chan-kyong y Chan-wook, escriben y dirigen el cortometraje "Paranmanjang" (2011), o Night Fishing, que tiene tremendas implicaciones sobrenaturales y de niveles de conciencia, la vida y la muerte, etcétera, mejor cuando Chan-wook Park ya ha sido nominado por mejor guión original por "Bakjwi" (2009) en un Frank Awards anterior. La improvisación es primordial en la cinta chilena "Efectos especiales" (2011), así que el guión, si es que se le puede dar ese nombre, tiene el trabajo de Bernardo Quesney, Paola Lattus, Fernanda Toledo, Paulo Orrego y Nicolás Durán; impresionantemente divertido. Lars von Trier, el niño terrible del cine europeo, gana su primera nominación a los Frank Awards por su excelente película "Melancholia" (2011), que nos cuenta el fin del mundo desde una perspectiva peculiar y espectacular, sin alejarse de lo más importante. Los nominados, entonces son:

· Asghar Farhadi por "Jodaeiye Nader az Simin"
· Lászlo Krasznahorkai y Béla Tarr por "A Torinói ló"
· Chan-kyong Park and Chan-wook Park por "Paranmanjang"
· Bernardo Quesney, Paola Lattus, Fernanda Toledo, Paulo Orrego y Nicolás Durán por "Efectos especiales"
· Lars von Trier por "Melancholia"

Y el/los ganador/es es/son:

Asghar Farhadi ha realizado una cinta que es la delicia de todos los que la ven. Es una intrincada propuesta de relaciones familiares conjunto con las laborales, así como la idiosincracia, las leyes y las costumbres de la gente de Irán. Así, se transforma en una película con un guión muy profundo y calculado, una belleza y un merecido premio para "A Separation".

Mejor Actriz de Reparto
La ganadora del año pasado fue la maravillosa Marion Cotillard por su papel de Mal en la maravillosa "Inception" (2010), y durante el 2011 realizó varios proyectos, de los cuales vi la mayoría, como su papel principal bailarín en "Lady Grey London" (2011), por lo cual fue nominada a la mejor coreografía bailarina femenina, su papel de Adriana en "Midnight in Paris" (2011), que es bastante similar al de Mal en "Inception" (2010) como objeto de fantasía, también como la secuestrada (y con muy poca aparición) Dr. Leonora Orantes en la magnífica "Contagion" (2011) y en otro cortometraje/comercial de John Cameron Mitchell "L.A.dy Dior" (2011) que no he visto.
Las nominadas en esta ocasión son poderosísimas e importantes, de diversas nacionalidades a su vez. La actriz española Elena Anaya hace de la misteriosa Vera Cruz en la cinta de Almodóvar "La Piel que Habito" (2011), con una actuación que cuenta con los mejores momentos del año, con dos escenas con una mirada que viene de otro planeta, y de un alma torturada. La iraní Sareh Bayat realizá el papel de una necesitada madre de una pequeña hija de cinco años que defiende a su esposo y es enormemente creyente en cada aspecto de su vida, sus miradas, gritos y discursos hacen de su papel como Razieh en "Jodaeiye Nader az Simin" (2011) una pequeña obra maestra en forma de actuación. La francesa Charlotte Gainsbourg hace una performance en inglés como la hermana de Kirsten Dunst en "Melancholia" (2011), Claire, que tiene un proceso de comprensión, pena, desilusión, rabia y aceptación de forma increíble y correcta. Algunos la nominarón como mejor actriz principal, yo la nomino como mejor actriz de reparto a la americana Rooney Mara por el papel de la hacker Lisbeth Salander en "The Girl with the Dragon Tattoo" (2011), con una performance contenida y poderosa. La actriz japonesa Makoto Togashi hace de la madura escritora y profesora de poesía Mitsuko Ozawa en el filme japonés de Sion Sono "Koi no tsumi" (2011), otra de las grandes películas del año, conocida más como Guilty of Romance. Entonces, las nominadas son:

· Elena Anaya como "Vera Cruz" en "La piel que habito"
· Sareh Bayat como "Razieh" en "Jodaeiye Nader az Simin"
· Charlotte Gainsbourg como "Claire" en "Melancholia"
· Rooney Mara como "Lisbeth Salander" en "The Girl with the Dragon Tattoo"
· Makoto Togashi como "Mitsuko Ozawa" en "Koi no tsumi"

Y la ganadora es:

Sareh Bayat es la mejor actriz de "A Separation" y lo mejor, aparte del guión, de la premiada película iraní. Algo a lo cual tener atención en el futuro, aparte si googlean su nombre podrán ver lo bella que es realmente.

Mejor Actor de Reparto
Rob Brydon fue el ganador del Frank Award el año pasado por la miniserie "The Trip" (2010) y no tuvo otras participaciones actorales (salvo su Rob Brydon show) aparte del uso de su voz en un corto animado para televisión llamado "The Gruffalo's Child" (2011), donde hizo de Snake, una serpiente.
Este año tenemos un grupo muy interesante y ecléctico de nominados. Partimos con el ya conocido actor Kevin Bacon que nos entrega su mejor actuación en años en la película de superhéroes "X-Men: First Class" (2011) como el científico Sebastian Shaw, logrando elevar una película que se siente algo cansada en su estructura y ganas de ser una película de orígenes, siendo fácilmente lo mejor de la cinta. Jonah Hill se lleva su primera nominación a un Frank Award por una actuación tremendamente entretenida (y seria a la vez) en la excelente "Moneyball" (2011) en el papel de Peter Brand, basado en una figura experta en estadísticas. El siempre excelente, veterano y siempre perfecto John Hurt se roba "Tinker Tailor Soldier Spy" (2011) en su papel como el ex jefe de la asociación de espías británicos que es reemplazado por Smiley, siendo Control relegado al retiro y la muerte, en una performance llena de tristeza y energía al mismo tiempo. El adolescente Ezra Miller es la figura del mal y la personificación de todo lo que no es recomendable criar en "We Need to Talk About Kevin" (2011) donde hace del oscuro y malvado personaje del título, Kevin cuando joven. Finalmente tenemos al chileno Bernardo Quesney que hace de un director de cine joven, cuico y lleno de los clichés del cine chileno llamado Bernardo... claro, que no hace de sí mismo, pese a que él mismo hace del director de la cinta, pero se manda una actuación memorable y graciosísima, la mejor de la cinta "Efectos especiales" (2011). Los nominados, entonces, son:

· Kevin Bacon como "Sebastian Shaw" en "X-Men: First Class"
· Jonah Hill como "Peter Brand" en "Moneyball"
· John Hurt como "Control" en "Tinker Tailor Soldier Spy"
· Ezra Miller como "Kevin Joven" en "We Need to Talk About Kevin"
· Bernardo Quesney como "Bernardo" en "Efectos especiales"

Y el ganador es:

Ezra Miller es el Mal Personificado en "We Need to Talk About Kevin", un personaje poderoso y frío, con contradicciones interiores debido a la psicosis y muchos otros elementos que hacen del personaje una delicia de ver y escuchar en cada momento.

Mejor Actriz
La actriz Natalie Portman fue la ganadora del año pasado por su magistral actuación como Nina Seyers en la estupendísima (y aún mejor película del 2010 y del 2011, ja) "Black Swan" (2010). Durante el 2011 actuó en tres películas, de las cuales vi dos, "No Strings Attached" (2011), donde hace de Emma en una comedia romántica sosa y poco atrevida, mientras que en "Thor" (2011) hace un papel correcto pero no al nivel de la brillantez de la película que le hizo ganar su premio. Su tercera película es la muy discutida "Your Highness" (2011) que nunca tuve el interés de ver.
Las nominadas este año son tremendamente satisfactorias. Partimos con Kirsten Dunst, que representa la depresión, la melancolía, y una especie de conocimiento global que te hace pensar en lo futil de la vida humana y todo lo que nos rodea, la religión y todo lo demás, su interpretación como la novia despechada Justine en "Melancholia" (2011) es para atesorar. Jodie Foster es la mujer más histérica, a la defensa, irascible y peligrosa que conozco mientras interpreta a Penelope Longstreet en "Carnage" (2011), una performance muy fuerte y llena de comedia. La joven Megumi Kagurazaka interpreta el papel de una frígida ama de casa que con el tiempo irá descubriendo su propia sexualidad hasta llevarla a compararla con la muerte del espíritu, del amor y la muerte de la propia carne en "Koi no tsumi" (2011). La siempre excelente Tilda Swinton gana puntos por tratar de interpretar algo de nuestro mundo con su papel protagónico en la bella "We Need to Talk About Kevin" (2011) interpretando a la madre de Kevin, Eva Khatchadourian, llena de pena y culpa por algo que ella no ha hecho. Kate Winslet ha demostrado ser una actriz de enorme valor y su papel en la miniserie "Mildred Pierce" (2011) con su papel del mismo nombre está lleno de alegría, tristeza y orgullo, siendo impresionante la enorme cantidad de oportunidades que se le da al papel para crecer y ser un personaje completísimo. Las nominadas son:

· Kirsten Dunst como "Justine" en "Melancholia"
· Jodie Foster como "Penelope Longstreet" en "Carnage"
· Megumi Kagurazaka como "Izumi Kikuchi" en "Koi no tsumi"
· Tilda Swinton como "Eva Khatchadourian" en "We Need to Talk About Kevin"
· Kate Winslet como "Mildred Pierce" en "Mildred Pierce"

Y la ganadora es:

Kirsten Dunst es, irónicamente, de otro planeta en "Melancholia", donde nos muestra la mejor representación sobrenatural de la depresión y la melancolía hecha en cines en la historia de siempre, estoy bastante seguro de eso que digo.

Mejor Actor
El ganador del Frank Award del año pasado fue el actor español Javier Bardem por su excelente papel en "Biutiful" (2010), pero no realizó actuaciones durante el 2011.
Los nominados de este año son variados y muy interesantes. Primero tenemos al jovensísimo actor francés Thomas Dorel en el papel de Cyril Catoul en la cinta francesa "Le gamin au vélo" (2011) de los hermanos Dardenne, una performance principalmente física y basada en miradas y poses más que en los diálogos, en sus esfuerzos y peleas. El genial Paul Giammatti, que como he dicho, siempre compite por el puesto del mejor actor trabajando hoy en día, le da su personalidad al entrenador de lucha libre y hombre con problemas familiares Mike Flaherty en la divertida, triste y finalmente enternecedora "Win Win" (2011). El iraní Peyman Moaadi hace de un hombre que cree estar en lo correcto, pero todo le sale mal por todos los modos posibles y se ve obligado a ofender todo lo que cree que es correcto en "Jodaeiye Nader az Simin" (2011) como Naader. Gary Oldman nos atrae, nos succiona, no podemos hacer otra cosa más que mirarlo fijamente cada vez que habla, investiga y nos eclipsa con su actuación como el agente George Smiley en la pieza de meditación de espías "Tinker Tailor Soldier Spy" (2011). Por su parte, el anterior ganador de un Frank Award por "Inglourious Basterds" (2009), pero en la categoría de mejor actor de reparto, Christoph Waltz realiza una actuación tremendamente divertida como Alan Cowan en la tremendamente divertida "Carnage" (2011) como un padre orgulloso de la violencia de su hijo y sus constantes conversaciones con el teléfono son atesorables. Los nominados son:

· Thomas Doret como "Cyril Catoul" en "Le gamin au vélo"
· Paul Giamatti como "Mike Flaherty" en "Win Win"
· Peyman Moaadi como "Naader" en "Jodaeiye Nader az Simin"
· Gary Oldman como "George Smiley" en "Tinker Tailor Soldier Spy"
· Christoph Waltz como "Alan Cowan" en "Carnage"

Y el ganador es:

Thomas Doret es simplemente espectacular, una fuerza de la naturaleza, un niño travieso y salvaje en "The Kid with a Bike", una de las mejores actuaciones por un niño en mucho tiempo.
Christoph Waltz entonces acumula una nominación y un Frank Award.

Mejor Director
El año pasado el ganador del Frank Award fue Darren Aronofsky por su trabajo en "Black Swan" (2010), pero él no se ha dedicado a nada en especial durante el 2011.
Los nominados de este año son diferentes, distintos y peculiares así que sigamos. Asghar Farhadi, director de "Jodaeiye Nader az Simin" (2011) ocupa ventanas, desenfoques y encuadres naturales dentro de mismos encuadres en una dirección perfecta que nos difumina las relaciones entre los personajes separados. El chileno Bernardo Quesney debuta en los Frank Awards tras dos nominaciones, una en actuación y otra en guión, para terminar también en dirección, donde sabe a dónde debe apuntar la cámara en cada momento de improvisación y sabe cómo terminar una cinta de manera esotérica y perfecta en la dirección de "Efectos especiales" (2011). El maestro japonés Shion Sono debuta en estos Frank Awards de manera estrepitosa con su cinta grabada en digital "Koi no tsumi" (2011), una obra que mezcla la sexualidad y la muerte en un paquete perfectamente balanceado y con actuaciones demasiado bien dirigidas. Una codirección es primera vez que ha sido nominada en estos Frank Awards, así que es un placer que esto sea para los grandes maestros europeos que son Béla Tarr y Ágnes Hranitzky, que saben mantener la cámara durante el tiempo necesario, con sus necesarias y completamente perfectas 30 tomas, no hay nada mejor que la austeridad en esos encuadres perfectos y movimientos demasiado bien pensados para "A Torinói ló" (2011). Mezclando tres elementos distintos, tres eventos, un género cinematográfico como la ciencia ficción, así como un grupo de actuaciones de proporciones enormes, podemos decir que estamos ante una clásica y perfecta dirección de Lars von Trier para la cinta "Melancholia" (2011). Los nominados, un grupo internacional nuevamente, son:

· Asghar Farhadi por "Jodaeiye Nader az Simin"
· Bernardo Quesney por "Efectos especiales"
· Shion Sono por "Koi no tsumi"
· Béla Tarr y Ágnes Hranitzky "A Torinói ló"
· Lars von Trier por "Melancholia"

Y el ganador es:

Bernardo Quesney logra que la improvisación a la que estamos siendo sujetos constantemente se vea natural y perfecta, como si todo estuviera planeado... o como si todo fuera real. Ese control y retención, que viene de un trabajo arduo de dirección previa, sobre todo en una cinta tan parecida a un plano fijo, es estupendo. Un talento con "Efectos especiales".

Mejor Película Animada
La ganadora del año pasado fue la espectacular "Toy Story 3" (2011), no creo que haya película animada más grande que esa, pero vamos a ver quienes tratan de acercarse.
Partimos con las cinco nominadas a los Frank Awards 2011 al Mejor Película Animada, empezamos con el animé "Hoshi o ou kodomo" (2011), o más bien conocido con el largo nombre de Children Who Chase Lost Voices from Deep Below, un animé con espectaculares visuales de Makoto Shinkai. Luego tenemos el cortometraje animado co-dirigido por Spike Jonze "Mourir auprès de toi" (2011), hecha con texturas más que animación normal. La gran "Rango" (2011) de Gore Verbinski es un filme de animación que no es para niños, es una aventura western de ácido con grandes aventuras. La infantil "Rio" (2011) gana por sus creativos personajes y coloridas situaciones, así como un guión en su mayor parte competente. Finalmente tenemos el cortometraje animé "XI AVANT" (2011), que vi sin subtítulos, pero cuya belleza fue suficiente. Las películas nominadas son:

· Hoshi o ou kodomo
· Mourir auprès de toi
· Rango
· Rio
· XI AVANT

Y la cinta ganadora es:

"Rango" es la gran película animada del 2011, simplemente porque sus colores son animados y los actores que participan no sólo pusieron su voz sino su personalidad en la cinta.

Mejor Película Chilena
La ganadora del año pasado fue el documental "Nostalgia de la luz" (2010) de Patricio Guzmán, una bella cinta, que también ganó mejor documental.
Este año contamos nuevamente con cuatro nominadas en esta categoría. Primero está la graciosísima "Efectos especiales" (2011) que comenta sobre nuestro mismo cine de manera inteligente. Luego tenemos la aparentemente neutral "La Espera" (2011) sobre el aborto juvenil en Chile. Tremendamente recomendable es el documental de mi ex profesor con su esposa (Perut-Osnovikoff) sobre "La muerte de Pinochet" (2011). Querida por todos y con buenas actuaciones tenemos "Violeta se fue a los cielos" (2011) de Andrés Wood, que tiene a Francisca Gavilán de la mejor forma posible. Las nominadas son:

· Efectos especiales
· La Espera
· La muerte de Pinochet
· Violeta se fue a los cielos

Y la cinta ganadora es:

La cinta "Efectos especiales" debería indicar un nuevo comienzo para el cine chileno que se quiere proyectar al mundo, y este es el mejor ejemplo para ello. Una película chilena que habla sobre el cine chileno es lo mejor que nos puede haber pasado hoy en día.

Mejor Documental
El año pasado la ganadora de este premio fue nuevamente "Nostalgia de la luz" (2010), un poderoso documento audiovisual con tremendo poder teórico a la vez que emocional, una joya que debe verse.
Los documentales nominados varían en su extensión y temas a los cuales se refiere, veamos cuáles son. Tenemos la miniserie de Adam Curtis "All Watched Over by Machines of Loving Grace" (2011) de la BBC, que nos introduce la idea de que somos completamente indistinguibles de las máquinas que nos rodean y cómo nos controlan, escalofriante. Gracioso, triste y quedando uno con ganas de ver más son las reacciones que uno tiene ante la genialidad de Conan O'Brien en "Conan O'Brien Can't Stop" (2011), un documental sobre su gira por Estados Unidos cuando renunció a NBC. El mayor experimento y más hermosa razón para la existencia de youtube es el documental creado con los videos grabados alrededor del mundo en "Life in a Day", aparte de ser un enorme logro de montaje, es tremendamente emocionante a la vez. Un documental que funciona mucho más como pieza de arte duda de su valor como documental, cuando vemos una cosa como "Pina" (2011) de Wim Wenders no podemos evitar dudar y a la vez simplemente vernos sorprendidos ante la belleza de la danza presente. Finalmente tenemos el cortometraje "The Umbrella Man" (2011) de Errol Morris, una clase de edición, expectativas y cómo mantener el suspenso ante un dato que todos creemos desconocido, pero que finalmente siempre ha tenido una explicación lógica. Entonces, las cintas nominadas son:

· All Watched Over by Machines of Loving Grace
· Conan O'Brien Can't Stop
· Life in a Day
· Pina
· The Umbrella Man

Y la película ganadora es:

Emocionante, universal, cosmopólita, un logro de proporciones épicas, cómo es que esta pieza perfecta fue editada es una maravilla, es algo inimaginable cómo cada pieza encaja al final y cada momento tiene una belleza e importancia tremenda para cada una de las partes incomunicadas (aparentemente) alrededor del globo. "Life in a Day" es un documento que debería ser mostrado a los extraterrestres cuando lleguen y decir: "esto somos nosotros".

Mejor Escena o Momento Cinematográfico
El año pasado la escena ganadora del Frank Award fue de la película "127 Hours" (2010), donde James Franco nos entregaba su Buenos Días en su clásica escena "Good Morning". Las nominadas de este año serán puestas en video si están disponibles. Las escenas o momentos nominados son:

· "El Final" en "Life in a Day" (2011)

Este es el video original, no de la película, pero igual vale.

· "Lección de Cine" en "Hugo" (2011)

El inicio de una sección preciosa.

· "Siempre fui una mujer" en "La Piel que habito" (2011)
· "La Vida está sólo en la tierra" en "Melancholia" (2011)

No es el momento preciso, pero me refiero a toda esta conversación.

· "Final estático" en "Efectos especiales" (2011)

Y la escena ganadora es:

Es un final perfecto y completamente atonal al resto de la cinta. "Efectos especiales" (2011) parece hablar de mucho más que lo que parece con esta escena final, la cual no divulgaré para que todos vean esta película y se sorprendan con este final estático.

Mejor Película
La ganadora del año pasado fue "Black Swan" (2010), que no fue superada por ninguna cinta durante este año, pero veamos igualmente cuál va a ser la ganadora de este año.
Tenemos un representante europeo con "A Torinói ló" (2011), una cinta de poderes y relatos sobre el fin de una era. La representante chilena es "Efectos especiales" (2011) con su juego metalingüístico constante. La representante iraní es la maestra "Jodaeiye Nader az Simin" (2011), con su historia de verdades y mentiras en cada esquina. Lars von Trier dirige una de sus mejores cintas con "Melancholia" (2011), una ciencia ficción de proporciones apocalípticamente psicológicas. Finalmente tenemos el representante de los cortometrajes y del cine coreano con la impresionante "Paranmanjang" (2011), grabada en un IPhone 4. Las nominadas, entonces, son:

· A Torinói ló
· Efectos especiales
· Jodaeiye Nader az Simin
· Melancholia
· Paranmanjang

Y la película ganadora es:

¿Irónico? No lo creo. Genuino, tal vez. Claro que hay mejores películas, pero ninguna otra me movió como esta. Cuando haga la crítica individual, sabrán a lo que me refiero.

Y así terminan estos Frank Awards, veamos que onda cuántos gano cada uno:

· Efectos especiales: 4 Frank Awards
· Jodaeiye Nader az Simin: 3 Frank Awards
· Hugo: 2 Frank Awards
· Life in a Day: 2 Frank Awards
· Melancholia: 2 Frank Awards
· Rango: 2 Frank Awards
· The Artist: 1 Frank Award
· Contagion: 1 Frank Award
· Gokudô heiki: 1 Frank Award
· The Greatest Movie Ever Sold: 1 Frank Award
· Hanna: 1 Frank Award
· Harry Potter and the Deathly Hallows: Part 2: 1 Frank Award
· Le gamin au vélo: 1 Frank Award
· Pina: 1 Frank Award
· Scream 4: 1 Frank Award

HASTA LOS FRANK AWARDS 2012!
· Tinker Tailor Soldier Spy: 1 Frank Award
· The Tree of Life: 1 Frank Award
· We Need to Talk About Kevin: 1 Frank Award