#10 - Winter's Bone (2010)

Winter's Bone (Debra Granik)
Esta película ha ganado muchos premios en los circuitos independientes, además de críticos que alaban la película en sí y las actuaciones que se presentan en la misma. Ganó Sundance y ahora está nominada a algunos premios de la Academia, y pese a estar en la boca de la gente desde enero (mes en que ganó Sundance), es la película menos conocida de todas las que se encuentran nominadas a Mejor Película en los Oscar de este año, y obviamente me refiero a conocimiento de causa en Chile solamente, y justamente es la última que vi y la última que voy a criticar en este día en el que se transmiten los premios Oscar.
Pese a todas las alabanzas que se le han dado, y yo verla y encontrarla bastante buena, creo que nos encontramos ante un clásico caso de "me gusta esto porque no lo conocía", es decir, que la película encanta porque muestra una realidad desconocida por los críticos, o tal vez de la cual no estaban conscientes, y me refiero al lugar donde se lleva a cabo este thriller con aspiraciones noir, los Ozarks, una zona montañosa que tiene su propia cultura y geografía particular, lo mismo que un clima que hace que la fotografía se vuelva particularmente interesante, pero no realmente destacable con respecto a otras. Se trata de una película con intenciones claras y que apunta bajo y en eso es bastante fabulosa.
La historia es lo suficientemente original y triste como para mantenernos pegados a la pantalla durante la última hora de la película, pero la falla principal viene en los primeros 40 minutos, en los cuales no pasa casi nada, se establece la historia, pero la protagonista no hace mucho y el riesgo no se ve como algo tangible, se preocupa demasiado en pintar un cuadro social-cultural acerca de la gente que vive en la montaña de Ozark, pero no avanza y esa es una falla mortal en este negocio, lo que quiero decir es que la película pudo haberse inmerso en temas mucho más interesantes mientras se preocupaba de esa cultura, a la vez que avanzaba la historia.
La película trata sobre una chica de 17 años que cuida de sus hermanos, los lleva a la escuela, les enseña a cazar, los cuida, les cocina, es como una madre sustituta para ellos, después de todo, su madre está enferma (mentalmente incapacitada para criar a sus hijos) y su padre ha estado ausente durante muchos días. Mientras vemos la vida dura que tienen que seguir estos chicos de Ozark, recibimos la noticia de un policía que busca al padre de ellos, y que si no aparece en la corte en unos pocos días, les quitarán la casa. Entonces esta niña empieza una aventura, va a la casa de varios conocidos de ella, incluyendo a su tío Teardrop, buscándolo, pero lo único que encuentra es el hermetismo y algo similar a la Omerta, o la Ley del Silencio.
Es en este espacio en el cual la película pierde el atisbo de ritmo, sólo para ser recuperado en cuanto la protagonista empieza a tener problemas graves y resulta dañada por la que creyó que era su gente. Lo que pasa es que esos primeros minutos transcurren de la siguiente manera: amenaza, caminata, pregunta, negativa. Así durante los primeros cuarenta minutos en unos dos o tres ciclos, lo cual aburre un poco. Es por esa misma reiteración que las personas que se sienten interrogadas por ella deciden hacerle daño e incluso amenazan con matarla si es que sigue metiéndose en lo que no le incumbe. Después de todo, su padre era cocinero, pero de metanfetaminas, y ese negocio le trajo algunos problemas con una banda local, lo más probable es que esté muerto.
Jennifer Lawrence, que interpreta a la protagonista Ree, realiza un papel que definitivamente la transforma en una estrella. Se muestra triste y a la vez confundida ante las cosas que se tiene que enfrentar a tan tierna edad, lo mismo que el amor que siente por sus hermanos, lo cual todo se confluye en dos escenas, una en la cual decide ir a ver si puede inscribirse en el ejército para recibir algo de dinero y otra en la cual va en un bote a un lago... y eso está tan cerca del final que mejor no lo cuento, pero es una escena poderosísima. El otro gran actor aquí es John Hawkes, que hace de Teardrop y que combina una suerte de agresividad y las ganas de salir de todo embrollo posible, con una ternura y cierta futilidad, sabe que debe ayudar a su sobrina, sus sentimientos lo traicionan.
La dirección es correcta, la fotografía también, la ambientación de las casas es simplemente deliciosa, lo mismo que los vestuarios que son tan delicadamente imperfectos que merecerían toda clase de halagos si el mundo fuera justo. La música también es correcta, y cuenta con un pequeño pero memorable número musical a manos de John Hawkes al final de la película, que nos viene a decir que mientras el mundo sigue siendo un lugar injusto, siempre hay espacio para que una familia exista, por muy diferente que sea a las demás.
Finalmente, tengo que decir algo muy recurrente y es que la única razón para que la gran parte de las películas nominadas a mejor película sean mejores es la falta de un guión bien estructurado, y no estoy hablando de que todos los guiones deben tener una estructura rígida, sino que hablo de cierto ritmo necesario para que una película funcione bien, decisiones lógicas por parte de personajes que debes conocer, personajes desafortunados o excusas imperdonables. Es mi punto de vista, pero yo nunca haré ese tipo de cosas en el futuro... espero.
A la hora de la verdad, sigue siendo una película tremendamente emocional y muy buena, vale la pena verla, aunque sea "para conocer". Nominada a 4 premios Oscar, no ganará ninguno pese a que es mejor que la mitad de las películas nominadas y anteriormente criticadas.

8/10

Y así finalizan los 10 Días de Oscar, para terminar con nota alta, pondré el orden en el cual dejo las 10 películas:

1. Black Swan
2. Inception
3. Toy Story 3
4. The Social Network
5. 127 Hours
6. The King's Speech
7. Winter's Bone
8. True Grit
9. The Kids Are All Right
10. The Fighter

Hasta el próximo año será. Ahora, los Frank Awards.

#9 - True Grit (2010)

True Grit (Joel Coen/Ethan Coen)
Las películas de los Hermanos Coen, para algunos, se han transformado en verdaderos eventos cinematográficos, algo que es esperado en todo un año para ser testigos de la enorme capacidad técnica que tienen a la hora de encuadrar, iluminar y dirigir a sus actores. Muchos han dicho que ellos cuentan con el toque mágico, es decir, todo lo que realizan se considera perfecto o de cierta calidad peculiar. Son, después de todo, considerados entre los mejores directores que están trabajando en este preciso instante haciendo películas de calidad frecuentemente superior año a año, después de que ganaron un Oscar han podido hacer prácticamente lo que ellos han querido y han estado ganando más dinero y más fama, si es eso posible.
Para mí, sin embargo, mientras que tienen a su haber buenas películas y mantienen una gran calidad, uniforme si se quiere (al más puro estilo de Yasujiro Ozu), pero no por eso necesariamente especial. Su mejor película, de las que he visto, es "Raising Arizona" (1987), una verdadera obra maestra estilística con una actuación central brillante de parte de Nicolas Cage, además de ser una de las que más viene a cerrar su universo en sí mismo, sin dejar muchos cabos sueltos y a la vez teniendo diversas dudas acerca de ciertos personajes. "Fargo" (1996) también es una de sus mejores películas, un verdadero clásico americano, pero que demora un tanto en llegar a su punto. "O Brother, Where Art Thou?" (2000) es uno de sus mejores esfuerzos en términos de ambientación histórica, en lo cual se han estado preocupando de sobre manera en sus últimos dos filmes. "No Country for Old Men" (2007) puede estar un tanto sobrevalorada, pero eso no quita que sea una de las mejores películas del neo-western. "Burn After Reading" (2008) es un ejercicio en la futilidad misma de la vida, una pintura del nihilismo puro y de verdad una comedia increíble. "A Serious Man" (2009) fue una de las películas más sorprendentes en el sentido de que no me había esperado algo tan bueno.
Todas esas películas se destacan por tener un cierto humor propio (negro o aún más negro en otras ocasiones), así como una cierta preocupación por los personajes en que cada uno resulte memorable y a la vez distinguible el uno del otro. Puedo recordar la mayor parte de todos los personajes de las películas de los Coen y eso es algo que no muchos pueden lograr. También hay ciertos primeros planos a los rostros, lo mismo que un humor que no es el común de chistes sino de la nerviosidad que produce estar en la situación que se encuentran los personajes, si se quiere, un humor "cósmico", como un Dios que mira abajo y se ríe al ver cómo el entramado de su universo se tuerce en sí mismo causando sufrimiento en sus creaciones. Pero "True Grit" es harina de otro costal, simple y llanamente.
Partiendo, se trata de una adaptación de un libro que ya ha sido llevado a la pantalla protagonizado por John Wayne en "True Grit" (1969), es decir el material no es suyo y podría confundirse por un remake, aventura que ya corrieron en "The Ladykillers" (2004), que resultó inferior como obra individual y en comparación con la obra maestra que resulta ser la original "The Ladykillers" (1955). Sin embargo, ya hicieron una película basada en algo, una novela de Cormar McCarthy en este caso, en "No Country for Old Men" (2007), resultando una casi obra maestra de épicas proporciones. Así que tenemos perspectivas de los dos lados. La diferencia es que mientras esas dos películas se sienten Coen, "True Grit" no lo logra, se siente como si fuera dirigido por cualquier otro, y en un western eso puede ser fatal.
Este western trata sobre una niña de 15 años que llega a la ciudad donde su padre ha sido asesinado por un forajido que ha escapado al más puro estilo del Viejo Oeste con un caballo y a través de un desierto, dejando un rastro de silencio tras de sí. Luego de muchas peleas, tire y afloje y conocer a un grupo de curiosa gente (único rasgo que se mantiene, débilmente, del estilo Coen), contrata a Rooster Cogburn, un ex marshall y ahora cazador de recompensa para que detenga a este hombre y lo lleve a la justicia por ese crimen. Ahora, hay dos problemas, el principal es que Rooster es un borracho y no quiere tener a esta niña diciéndole qué tiene que hacer. Lo otro, es que este forajido es buscado por otro crimen por un segundo caza recompensa llamado LaBeouf, pero por otro crimen en otro lugar del país.
Lo que sucede es que la película se transforma en una suerte de "road movie", en la cual ocurren eventos absurdos y otros serios, buscando pistas, con las clásicas separaciones que involucran este tipo de filmes y que termina uniendo a todos de nuevo en un grupo mucho más unido y fuerte a la hora de enfrentarse contra la banda que protege, de una u otra manera, a este atribulado forajido, que a la hora de la verdad parece no ser tan amenazador. Finalmente, la fuerza de la película reside en esos pequeños momentos que son geniales, pero que al terminar la película y ver los nombres de Joel y Ethan Coen dejan a uno rascándose la cabeza y diciéndose... ¿por qué?
La fortaleza de la película se centra en dos pilares fundamentales. Uno es la espléndida fotografía de Roger Deakins, que finalmente le otorgará un Oscar, y que se presenta como tremendamente brillante y que enfatiza los rostros de los personajes y los diversos climas que cubren la estepa del western clásico, que recuerda a sus mejores días en los años 50-60-70. El otro pilar son las actuaciones de todo el cast, otro signo de la dirección de los hermanos Coen, por parte de Jeff Bridges como el ebrio Rooster, con mucho humor seco y extrema fuerza bruta. Luego tenemos a Matt Damon realizando una performance correcta como LaBeouf, siendo uno de los personajes más cercanos al estilo Coen (pero aún así sin lograr lo característico). La gran actuación sin dudas es de la protagonista Hailee Steinfeld, que logra un tremendo debut con una performance llena de implicaciones de todo tipo, con unos gestos de rostro y un acento entretenidísimo, sin duda lo mejor de la película.
Pero a la hora de la verdad, no se siente como una película Coen y eso la mata. Pese a todo, es muy buena y merece ser vista para ser testigos de la tan anunciada vuelta de los westerns en uno de sus mejores ejemplos. Nominada a diez premios Oscar, se llevará el merecido premio a la Mejor Fotografía y nada más. ¿Pena? No mucha.

8/10

#8 - Toy Story 3 (2010)

Toy Story 3 (Lee Unkrich)
Disculpas a quienes leyeron mi párrafo en la lista de las mejores películas del 2010, tomo algunas ideas de ahí.
Desde que se instauró esta nueva norma de tener 10 películas como nominadas a Mejor Película, de entre todas las categorías, prácticamente se hizo por el año 2008 y dos películas que merecían ser nominadas y que no tuvieron el placer de serlo debido a diversos factores como lo poco popular de sus géneros. Hablo específicamente de "The Dark Knight" (2008) y "WALL·E" (2008), de Pixar. El año pasado la segunda obra maestra de Pixar, "Up" (2009) estuvo nominada a mejor película y terminó ganando dos Oscar, a Mejor Película Animada y Mejor Banda Sonora. Desde entonces podemos decir que uno de los lugares está reservado para Pixar (o cualquiera sea la película animada del momento con más poder).
Sin embargo, ese puesto no es un puesto real de posibilidad, así como lo son la mitad de las películas nominadas, y entre las cuales no tienen ninguna posibilidad SIEMPRE va a estar la animada entre ellas. ¿Por qué? Pues por el simple hecho de que es una película animada y no una seria, peor aún cuando es una comedia, de las cuales no se premian desde hace tantos años que uno se pregunta si la Academia sabe reír o sólo llorar. "Toy Story 3" no tiene ninguna posibilidad de ganar el Oscar a la Mejor Película, pero es una de las que más se lo merece en todos los aspectos posibles.
Para partir, tenemos que decir que se trata de una secuela, forma parte de una serie y es la tercera parte de la misma. ¿Cuántas terceras partes pueden contar que sean buenas e incluso mejores que sus predecedoras? Porque lo estoy diciendo aquí y ahora, que esta película es mejor que "Toy Story" (1995) y "Toy Story 2" (1999), de hecho la segunda parte siendo la más inferior al caer demasiado en el juego de ser "para los niños", mientras que la primera mantiene un nivel de seriedad argumental increíble para un filme animado de mediados de los noventa. Pero, ¿qué es lo que hace a esta película la mejor de la trilogía? Pues principalmente su historia.
La película parte con una enorme fantasía, un western mezclado con una aventura de ciencia ficción, dinosaurios incluídos, protagonizada por nuestros juguetes, pero imaginado por Andy, el dueño de todos los juguetes y, hasta ahora, el único motor que los ha llevado a mantenerse unidos y ser los mejores juguetes que hemos conocido. Pero ahora Andy está grande, va a partir a la universidad, muchos juguetes ya no están, han sido vendidos o se han perdido o lo que sea, pero queda Woody y Buzz, nuestros protagonistas y amigos para siempre. Entramos a la historia en sí cuando los juguetes están en medio de un plan para que Andy vuelva a jugar con ellos, el cual falla, obviamente. Andy decide meter los juguetes en el ático, menos a Woody, a quien pretende llevar a la universidad, pero la madre equivoca la bolsa por basura, de la cual logran escapar, sólo para decidir irse en una caja a Sunnyside, un jardín infantil.
Llevados en una caja por la madre de Andy, llegan a este lugar lleno de juguetes, donde son bienvenidos por Lotso, un oso de felpa con olor. Él les hace un tour por todas las locaciones para finalmente dejarlos en una sala con niños especiales, que cuando llegan toman a los juguetes y los destruyen y tratan mal. Eso sí, antes de eso, Woody logra escapar de Sunnyside bajo la excusa de que debe volver con Andy, mientras que los otros creen que su dueño simplemente quiso deshacerse de ellos. Finalmente tenemos entonces una película en la cual nuestros juguetes favoritos se encuentran con cada vez más obstáculos para poder salir de Sunnyside, la cual se ha convertido en una prisión, de la cual el guardia es Lotso, un oso que tiene terribles problemas de humor.
Entonces, ¿es la mejor de la trilogía? Siendo lo suficientemente honesto conmigo mismo, he dicho muchas veces que ninguna película me ha hecho llorar, y que seguramente la que lo logre se llevará el premio a la mejor película de la historia del cine (puesto hoy ocupado por "Donnie Darko" (2001), que aunque no me hizo llorar, sí me quitó el sueño por más de un año). Esta película estuvo a segundos de lograr que aquella lágrima traicionera saliera por el rabillo de mi ojo y, por eso, se merece que sea llamada la mejor película animada del 2010 y la mejor Toy Story de lo que llevamos de saga.
Es que a estas alturas Pixar ya no tiene forma de equivocarse, pues hasta sus secuelas años y años después de las originales las sabe hacer bien, pues logran construir tramas inteligentes y creíbles, incluso pertinentes a un género, como es el de la película del escape de cárcel. También logra combinar de manera perfecta el drama con la comedia, con momentos como el de Señor Cara de Tortilla (más risas imposible), el Buzz Español y otros como cuando todos los juguetes se toman de las manos y ven un brillante y a la vez oscuro futuro.
Una cosa que me impresionó de sobre manera fue la tremenda fluidez que presentó la película de inicio a fin, lo mismo que con los colores, completamente vivos, incluso en sus momentos más oscuros, nunca tratando de engañarnos o algo parecido con trucos de animación como no mostrar la cara o dejar cosas fuera de plano. Todo el esfuerzo está puesto en tener lo mejor de lo mejor para nosotros y eso es lo que obtenemos, una de las mejores cintas Pixar de todos los tiempos y la mejor de toda la saga, no me canso de repetirlo.
Pese a todo, tiene algunos momentos flojillos (productos devirados del ser parte de una saga con personajes establecidos que pueden disgustar con tanto tiempo), pero no le quita su casi perfección y brillante ejecución. Pese a todo eso, el único premio que va a llevarse a la casa estos monstruos de Pixar será el de Mejor Película Animada. Qué pena.

9/10

#7 - The Social Network (2010)

The Social Network (David Fincher)
Disculpas a quienes leyeran una o dos de las revisiones que les di a esta película en distintas ocasiones, una en español (crítica original después de su estreno) y otra en inglés en mis 20 mejores películas del 2010.
Esta es la película amada por los críticos, la que se ha llevado todos los halagos de parte de los críticos en todo el mundo, la han llamado una "obra maestra moderna" y durante mucho tiempo fue la que iba segura a ganar el Oscar a la mejor película y llevarse todos los premios, pero eso lamentablemente cambió su curso para inclinarse ante la un tanto formulosa "The King's Speech" (2010). Aunque esta no sea mi película favorita del 2010, sí hubiera estado mucho más feliz con que esta hubiera ganado el Oscar, pues David Fincher ha llevado demasiado tiempo sin ser reconocido.
Esta película es conocida como la película de Facebook y debo dar mi perspectiva inicial como usuario de Facebook desde fines del 2007, y creo estar entre una de las dos primeras oleadas de chilenos que formaron parte de esta red social, y formé parte de ella siendo completamente ignorante acerca de su historia o quiénes la habían creado o las controversias que lo habían rodeado, ni siquiera sabía que en un principio fue exclusivo de universidades. Mis reacciones con respecto a la página web eran de dos tipos: frustración por la ENORME cantidad de cambios en su interface y alegría porque pude seguir en contacto con la gente que quiero más en este mundo. Ver cómo este sitio se construyó entre todos esos problemas y con esa enorme cantidad de gente involucrada de alguna manera u otra pone el sitio en una perspectiva importante, me hizo odiarla un poco.
Lo que quiero decir es que odio cómo todo empezó en la versión que entrega la película. Con esto empiezo un poco a contar de qué se trata de la película, la cual parte con un diálogo tremendo en el cual Mark Zuckerberg, un estudiante muy inteligente, es pateado por su polola luego de una breve discusión en la cual compararon su inteligencia. Mark Zuckerberg está enojado y llega a su cuarto, empieza a beber, se emborracha, bloguea, empieza a conversar con distintos compañeros de cuarto y empieza a crear una página web llamada FaceMash.com en la cual compara a mujeres de su universidad, Harvard, hackeando las bases de datos de las diversas casas. Esto hace que se caiga el servicio y que lo castiguen, pero ha llevado que muchas personas se interesen en él.
Los hermanos Winklevoss, gemelos, se acercan a Zuckerberg con la idea de hacer una página web en la cual mujeres podrían conocer chicos de Harvard, sería exclusivo y se llamaría HarvardConnection.com, Mark acepta trabajar haciendo el código necesario para poder poner la página arriba. Al mismo tiempo, Mark le lleva a su compañero de cuarto Eduardo Saverin, que ha ganado un poco de dinero, la idea de una red social donde alumnos de Harvard podrían conocerse y conversar entre ellos, se llamaría TheFacebook.com. Con el tiempo, sabremos que la historia se está contando a través de dos demandas que se le están haciendo a Mark, una de Saverin por engañarlo y otra de los Winklevoss por haberle quitado su idea.
Odié cómo todo empezó porque no había una emoción real tras ninguna de las acciones que llevaban a cabo los personajes, sólo una suerte de necesidad de ser mejor que los demás, o simplemente codicia, la única emoción real viene de Zuckerberg tras ser pateado. La manera en que la película captura a este grupo de personajes sin emoción mientras Facebook abría y explotaba en el mercado del Internet, es a través de una dirección pulcra y también carente de emociones, y esa distancia con respecto al material que me produjo (personalmente) me hizo que no me gustara tanto como a todos los demás.
Sin embargo, la película está tremendamente bien hecha, con una fotografía excelente con un buen uso del fuera de campo y el desenfoque, así como una tremenda ambientación de lugares que pueden ser conocidos pero que nosotros nunca lograremos poder ver en mucho tiempo. También tiene una banda sonora bastante novedosa para mis gustos, pero que logra su cometido bastante bien en los momentos precisos, pero cuyos creadores finalmente se muestran demasiado como para ser completamente de mi gusto. El guión es simplemente una delicia, palabra tras palabra, una tras otra, diálogo tras diálogo, rápido y electrificante, explicando cada uno de los momentos que iba pasando este grupo de personajes a medida que esto crecía y crecía sin control.
Pero debo decir que esta película tiene uno de los mejores cast del año, con un Jesse Eissenberg en el papel de Zuckerberg que se cuenta como una de las performances más sorprendentes en cuanto a actores jóvenes, cimentando a este actor junto a su actuación "Zombieland" (2009) como uno de los grandes. Otro de los que se ha cristalizado con esta película fue Andrew Garfield, aunque actúa mejor en "Never Let Me Go" (2010), como Eduardo Saverin con una actuación llena de un sentimiento de traición pero que reacciona demasiado tarde. Todos los actores son de reconocer acá, incluyendo (incluso por encima de Garfield) al joven actor que interpreta a ambos hermanos Winklevoss, con unos efectos especiales que sorprenden al finalmente descubrir que son interpretados por el mismo actor, con dos actitudes completamente distintas y hasta facciones diferentes que sólo se logran con arrugas en su cara.
Pero hay algo en lo cual debemos ser honesto, el tema está tan cercano a nosotros que es difícil reaccionar de una manera específica. Creo que los únicos que pueden criticar bien esta película son las personas que no han usado Facebook en su vida o quienes lo empezaron a usar después de la película. Esto es porque su mente se encuentra 'liberada' de toda nuestra experiencia generacional relacionada con esta herramienta de comunicación. Como asiduos usuarios (o ex usuarios) de Facebook podemos tener dos clases de reacciones a la película: o nos gusta o no nos gusta. A los que les gusta, será por las actuaciones, la fotografía y porque practicamente es fácil identificarse con las locuras que realizan los personajes, situaciones, que son bastante similares a las que hemos experimentado en nuestro mundo Facebook, o al menos hemos escuchado o visto ocurrir, es bastante universal y ocurren varios codazos de entendimiento si se ve entre un grupo de amigos. A los que no les gusta será porque se habrán dado cuenta de lo fútil del ejercicio que es estar y la existencia misma de esta red social, y seguramente terminarán en un corto período de tiempo, saliendo de Facebook para nunca más volver.
Finalmente, tenemos a la gente que no conoce Facebook, o sólo tiene vagas referencias acerca de lo que es. Son ellos quienes pueden dar críticas fehacientes acerca de este trabajo, basándose en las cualidades técnicas, actorales, de trama, etcétera, sin dejar paso (demasiado) a la opinión personal. En ese sentido, igualmente estamos perfecto, hay un consenso, la gran parte de las críticas han sido tremendamente positivas, como en el caso de Roger Ebert y Michael Phillips, entre blogueros en inglés, sitios de internet, que no necesariamente se encuentran entre los usuarios de Facebook.
Sigo manteniendo mi opinión de un principio: "It's not the best movie ever, but I liked it". De los Ocho Oscar a los cuales está nominado, la película ganará Mejor Edición y Mejor Guión Adaptado. Podrían ser más, pero no.

9/10

#6 - The King's Speech (2010)

The King's Speech (Tom Hooper)
Un poco tarde con respecto a las entradas anteriores, pero tengo que hacerla igualmente, la crítica de esta película es importante, aunque la haga de la peor manera posible tiene que salir antes de que sea la medianoche de este día miércoles. Sobre todo porque esta película es la favorita para ganar la mayor parte de los premios en esta ocasión y, puede que los merezca o no, para eso hay que esperar a ver qué es lo que opino sobre ella.
Pero hay un cierto tipo de películas que se ganan los aplausos de la gente de los Oscar y que siempre termina siendo nominada (y a veces, como será en este caso, ganando) y hablo específicamente de la película británica bien hecha, con excelentes actuaciones, de época y que habla sobre la realeza británica, conocida vulgarmente como la Royalty Porn, de la cual el ejemplo más claro y cercano es "The Queen" (2006) con Helen Mirren.
Pues bien, esta película está bien hecha y es correcta en todo sentido posible. Pero mientras cada uno de los elementos son pertinentes y bastante destacables con respecto a un esfuerzo más mediocre, no son sorprendentes, es decir, la fotografía es normal, la música no es sorprendente, los encuadres no son tremendamente significativos, aunque sí tienen mucho más contenido que la de otros nominados de este año. En ese sentido, hay más dirección de por medio, aunque sea bastante común.
Pero bueno, la historia. Esta historia forma parte de la historia, es decir, tiene personajes históricos diciendo diálogo ficticio y real, así que podemos decir que es una ficción histórica basada en registros y la vida real de personas de ese tiempo. Partimos con el Duque de York, interpretado de manera espléndida por Colin Firth, tratando de realizar un discurso al finalizar una carrera, pero no logra hacerlo debido a su tartamudeo infernal. Los tratamientos han fallado, así que su esposa decide recurrir a un profesional de problemas del habla, Lionel Logue (un Geoffrey Rush excelente), actor que lo llevará por el camino de la confianza en sí mismo para poder hablar.
La historia prosigue con la muerte de su padre, el Rey de Inglaterra, y la sucesión de su hermano, que se transforma en un rey bastante problemático para todos debido a su relación con una mujer divorciada en dos ocasiones y por su cercanía al régimen nazi de Alemania, en un tiempo en el cual la guerra podría estallar en cualquier momento. No es sólo Lionel, sino también Churchill quien le dice que él podría llegar a ser el rey de Inglaterra, pero sólo si puede superar su impedimento para hablar que lo meterá, sin duda, en varios problemas a lo largo de su carrera.
Finalmente, se trata de una película de un maestro y su aprendiz, sobre la relación que produce la confianza entre dos miembros de la escala socio-económica inglesa en sus dos extremos más opuestos. Es una historia de aprender a confiar en sus propias habilidades, en que con esfuerzo y ciertas mañas todo se puede lograr, incluso llegar a ser el Rey de Inglaterra. La verdad es que no me convence.
Hay millones de historias parecidas a esa y definitivamente no se encuentra entre mis favoritas. Sin embargo, no por eso voy a negar la enorme calidad que tiene cada uno de los elementos presentes: decoración, vestuario y por encima de todo eso actuación, sobre todo de Geoffrey Rush, que se roba la película con su interpretación como el hombre que ayuda al Rey, Lionel Logue, pues en cada momento en que se encontraba en pantalla, mi sonrisa aparecía.
La película es buena, pero no es una obra maestra, para nada. Es suficiente y merece la pena verla, podría asegurar que es muy buena, pero no es sorprendente y me da pena que una película que se defina así vaya a ganar el premio a la Mejor Película en los Oscar de este año junto al premio de Mejor Director, Mejor Banda Sonora, Mejor Actor Principal (para un brillante Colin Firth) y Mejor Guión Original.

8/10

Perdón por lo corta de la crítica, tenía que salir a tiempo y no pude escribirla antes.

#5 - The Kids Are All Right (2010)

The Kids Are All Right (Lisa Cholodenko)
No sé desde qué año se da, pero siempre llamo a este tipo de películas que salen nominadas al Oscar las Little Miss Sunshine del año. Se caracterizan por ser completamente independientes, tener un buen grupo de actores en actuaciones completamente inesperadas, una mirada breve a la vida de la juventud actual, un tanto de pretensión y sentimiento "shuper", y el excesivo uso del color amarillo ya sea en su poster o a lo largo de la película. El año pasado fue "A Serious Man" (2009), el 2009 "Slumdog Millionaire" (2008), el 2008 "Juno" (2007) y el 2007 la que le da el nombre a esta categoría inventada por mí para poder explicarme sus nominaciones, "Little Miss Sunshine" (2006).
Debo aclarar de inmediato, que de todas las películas que he nombrado, sólo no he visto "Juno" y se debe a simple prejuicio contra la música que contiene, demasiado... no sé... muy no de mi gusto. Pero del resto no puedo decir nada sino cosas buenas, me encantan todas, incluso "Slumdog Millionaire" ganó el Oscar a la Mejor Película, "A Serious Man" me dejó pensando semanas enteras y "Little Miss Sunshine" se encuentra entre mis diez películas favoritas de la vida, así que no crean que estoy rechazando a esta película en base a su pertenencia a este grupo ni nada de eso, sólo me gusta ver similitudes y puntos de comparación, los hago notar y me asombro si alguien más hizo la conexión.
Sin embargo, esta película no me logró atraer de manera especial como sí la hicieron las otras. Siendo lo suficientemente franco, hay una sola razón para que me cayera mal y me dejara con una mala impresión por el resto de la obra. Nuevamente, como ocurrió con "The Fighter" (2010) se trata esencialmente de un problema de guión, mientras que todos los demás elementos, incluyendo actuación y fotografía, son espléndidos, merecedores de las mejores de las alabanzas en todos los círculos correspondientes. De hecho, aquí está la competencia directa para Natalie Portman en la forma de Annette Bening.
Ahora me encargaré de contar la trama de la película. Después de cuatro críticas podrán darse cuenta que sigo una estructura similar para cada una de ellas, al menos en lo que respecta al Oscar tiendo a ser así de metódico para poder ser justo con respecto a todas. No sé si seguí la misma estructura para la de "Inception" (2010), después de todo no era más que una copia de una crítica antigua, lo más seguro es que no, pero de lo que no estoy seguro es si estoy usando la misma estructura que ocupé el año pasado, sé que me desvié un tanto con "The Blind Side" (2009) y "Up in the Air" (2009) (ese último por falta de tiempo), pero espero que no los esté aburriendo con tanta repetición.
Pero bueno, la historia. Tenemos ante nosotros una familia bastante normal, no muchos problemas y bastante felicidad. Viven en los suburbios y, como dice el título, los niños están bien. La hija de esta familia tiene un rendimiento excelente en la escuela y tiene un brillante futuro en la universidad. El hijo de esta familia es un adolescente normal, anda en patineta, juega baloncesto y tiene un grupo decente de amigos. La única diferencia que tiene esta familia con respecto a cualquier otra son las figuras paternas son dos mujeres que tuvieron la capacidad (de alguna manera legal) de obtener espermios congelados con el cual concebir a sus dos hijos.
Son una pareja feliz, este par de mujeres se ama y se ve en la pantalla y lo sienten y lo demuestra con besos y escenas de sexo (las cuales alimentan con pornografía gay-hombre). Tienen los roces que puede tener una familia cualquiera, creen que su hijo es gay, que su hija tiene un novio, cosas comunes como la de cualquier familia. El conflicto aparece en cuanto los hijos quieren conocer al dueño de los espermios que los crearon, aquí entra el personaje de Mark Ruffalo, que nunca sabremos totalmente si está drogado o simplemente es demasiado fiestero para ser cierto. La hija lo encuentra lo suficientemente interesante como para dejar que sus madres lo sepan y lo conozcan. Tienen una cena juntos y así todos se conocen, aunque un poco incómodo en un principio, todos parecen tener una buena imagen de él.
Antes de seguir debo decir que las dos madres de esta familia están interpretadas por Annette Bening, que es una madre más controladora y preocupada de sus hijos, mientras que Julianne Moore hace de una madre más relajada y permisiva. Entonces, Julianne Moore tiene un servicio de arreglo de jardines y el personaje de Mark Ruffalo se interesa y decide contratarla. Aquí llega el punto de máxima perturbación de la película, cuando Julianne Moore en un acto completamente irracional empieza a besuquearse con Mark Ruffalo y termina teniendo sexo con él. Sé que sin ese punto en la trama no habría película pero si hubo algo que odié con todo mi corazón fue eso. ¿Por qué?
Ha habido una cierta seguidilla de películas en las cuales se hace a los personajes homosexuales demasiado débiles con respecto a su posición sexual y esta es una de ellas. El hecho de que el personaje de Julianne Moore haya caído tan fácil ante los "encantos" de Mark Ruffalo me hace desagradable el pensar en esta película como un buen ejercicio de gusto o un mensaje positivo acerca de las familias que se pueden formar con parejas del mismo sexo. Lo que finalmente parece estar diciendo la película es que una mujer no puede vivir sin tener un pene cada cierto tiempo. ¿Qué tan ridículo y ofensivo puede llegar a ser eso? Es demasiado para mí y me mató la película en todo sentido posible.
Pese a todo, es mejor que "The Fighter", al menos por que logra ser graciosa en al menos dos momentos interesantes y eso es algo que siempre agradezco de una película, aunque haya sido un choque directo contra una muralla de granito sólido. La otra cosa destacable son las actuaciones de absolutamente todos los actores, sobre todo de Annette Bening y Julianne Moore, mientras que Mark Ruffalo es correcto pero nada espectacular (es decir, no se merece realmente la nominación por actuar como un drogado que se hace pasar por cool). Agh, de verdad no puedo sacarme de la mente el disgusto personal que tengo contra esta película.
Sin importar como termine, tiene algo imperdonable en su guión y finalmente quiero pensar que la película simplemente no debió haber existido. Pese a todo, tiene bonita fotografía y la primera parte de la familia feliz es tremendamente interesante sobre todo por el ángulo extremadamente intrigante que le da la peculiaridad del aspecto parental de la familia. Nominada a cuatro Oscar, gracias a Dios no ganará ninguno.

7/10

#4 - Inception (2010)

Inception (Christopher Nolan)
Reproduciré a continuación la crítica original que le hice a la película con algunos cambios pequeños. Disculpas a quienes ya la leyeron, pero de todas formas comenten.
Eso sí, antes de que sigan adelante, si quieren tener una experiencia fresca sobre la película, simplemente paren, pues habrá ALGUNOS SPOILERS.
Lo que haré en esta crítica será tratar de que usted, el lector, quede en un estado de semi-somnolencia, cosa de que pueda entrar en su sueño y a través de tres niveles de sueño, instalar una idea en su subconsciente, que lo cambiará para siempre. Lo primero que haré es sedarlo, cosa que entre en un sueño profundo que me permita crear tres niveles de sueño lo suficientemente estables como para que no se compriman y que ni usted ni yo salgamos malheridos de esta experiencia. Bueno, ¿está usted listo? Deme su muñeca... listo. Bueno, pondré el contador, nos vemos en nuestros sueños.
Nivel 1: Christopher Nolan es un Gran Director
En este nivel me encargaré de convencerle a través de mis palabras que el señor Nolan no es sólo un buen director, sino un Gran Director, y tal vez uno de los mejores que está trabajando hoy en día.
Mire a su alrededor. Vea las películas que se estrenan hoy en día. Vea cuáles son las películas que han llevado a la discusión y el debate, la polarización y la siempre útil reflexión, tan sólo de este año. Pocas, ¿cierto? En su momento, les aseguro que no hubo otra película que lleve esa cantidad de discusión y formulamiento de teorías, Inception es esa película.
Ahora volvamos el reloj al año 2008. ¿Cuál era la película de la cual todos hablaban y de la cual nuevamente los críticos nacionales trataron de desentenderse como lo están haciendo con Inception? "The Dark Knight" (2008), era dirigida por la misma persona, Christopher Nolan, y fue el goce del público, produciendo algo que nunca había visto hasta entonces: ir a ver la misma película más de una vez al cine. ¿Cuál es el afán de ciertos críticos de hacerse los inteligentes, desechando productos que atraen al público y que no son clásicos productos blockbusters, sino que tienen un nivel de competencia tanto técnica como argumental y mental? Una buena discusión nunca hace mal.
Podemos adivinar que lo mismo pasó el 2006 con "Th Prestige" (2006), dirigida por este mismo, algunos argumentando a favor y en contra sobre los últimos minutos de la película. Gente decepcionada, creyendo encontrar magia, cuando el truco estaba en nosotros. No podemos negar que es un director que ha sabido interpretar los gustos de la gente, a la vez que realizar películas que se mantienen en el tiempo y en la mente de las mismas, además de la enorme calidad técnica que tiene cada uno de sus filmes. La misma división se vive con "Memento" (2000), su mejor película hasta ahora, donde el desorden narrativo algunos lo tomaron como algo increíble, mientras que otros como un simple juego.
Tenemos ante nosotros a todo un Auteur, un director que ha logrado imprimir su sello en cada una de sus obras, superando las restricciones (o tal vez la confianza de los dueños de estas grandes empresas le han permitido que esas barreras no se le presenten). El hecho que dirija y escriba sus películas a la vez, lo vuelve aún más interesante y responsable de qué es lo que se muestra en la pantalla, y finalmente lo que muestra es simplemente distinto a todo lo demás que se muestra en nuestros tiempos. No hay nadie que filme como él y lo mejor, entretiene: "Memento" (2000), "Batman Begins" (2005), "The Prestige" (2006), "The Dark Night" (2008) y ahora Inception son obras maestras, "Following" (1998) sin quedarse muy atrás.
¿Convencido? Hora de sumergirse un poco más.
Nivel 2: Los méritos de Inception
En este nivel me dedicaré a que usted recuerde los atributos de la película, que supongo que ya vió, cosa de que usted mismo se convenza de la alta calidad de los mismos, tomando en cuenta los puntos anteriores indicados acerca de la dirección y meticulosidad de Christopher Nolan.
La actuación de todos los actores de esta película, ¿te acuerdas? Era uno de esos grupos afiatados que se dan uno en un millón, todos dando lo mejor de sí en las escenas de emoción, de traslado, de acción y de información. Leonardo DiCaprio en el papel principal de Cobb es sublime,los gestos y momentos que logra evocar, a veces sin decir una sola palabra, son de verdad impresionantes; la actuación es completísima y, aunque no se da el espacio para demostrar alegría, salvo al final, los momentos en que impersona a Mr. Charles son logrados en una calidad inigualable. Recuerde solamente ese momento en el que Mal cae al vacío, la reacción de DiCaprio se vió y se sintió real, ¿cierto? Como un golpe en el estómago, debilitante y a la vez intrigante, pone dudas en tu ser, te preguntas si realmente habrá resistido la tentación de ir tras ella y finalmente despertar, tal como lo había dicho ella.
Joseph Gordon-Levitt se ha ido mostrando en los últimos años como una gran potencia actoral, y eso no se ve disminuido por su papel en Inception como Arthur, a quien le toca realizar la escena en gravedad cero en el ascensor (todo sin doble), por lo que resulta ser mucho más físico y frío en su actuar y sentir, logrado de manera perfecta por él, pues detrás de esa imposición actoral, se pueden ver los escapes de risa o preocupación, que lo delatan como ser humano imperfecto, como cuando le roba un beso a Ariadne.
Hablando de Ariadne, Ellen Page aquí logra salirse de la imagen de adolescente indie que viene arrastrando desde Hard Candy para poder divertirse de una vez por todas. Su actuación es simple, pero llena de profundidad, pues logra unir una serie de capas que existen en un personaje como el suyo. El hecho que sea una estudiante que está recién empezando su vida, la curiosidad ante el descubrimiento de la construcción de sueños, su profesionalidad y a la vez apertura en el diseño de los laberintos, su amor/preocupación profunda por el problema de Cobb y muchas otras. Es un personaje complejo y se delata en una escena, cuando profesionalmente llega al cuarto de hotel donde entrarán al tercer nivel de sueño, luego de haber pasado desapercibido por el subconsciente de Fischer, no puede evitar preguntar: "Esperen, ¿a cuál subconsciente vamos a entrar ahora?" Gracias, nosotros preguntábamos lo mismo.
Eames es uno de los personajes más atractivos, un inglés gracioso, sarcástico, pero siempre profesional en su trabajo. Tom Hardy, quien hace ese papel, logra una serie de frases que se quedan en tu memoria por lo ingeniosas que son, como "No tengas miedo a soñar en grande", simplemente genial. Lo otro es que es uno de los personajes que más habilidades tiene en todo sentido, pues aparte de ser falsificador, es quien más representaciones de subconsciente mata, es un excelente tirador y el personaje más amable para el público, curioso que no sea mas que un estafador y pillo (en realidad, no es curioso, es simplemente la enorme habilidad de Nolan).
Ken Watanabe como Saito. Wow, wow, wow. Creo que es una de las actuaciones más fuertes de la película, partiendo por su acento, el cual me alegro que no haya dejado y que lo vuelve un personaje enigmático, como salido de un sueño. Siendo japonés y comandando/mandando un grupo de norteamericanos (en su mayoría) a una misión cuyo único beneficiario va a ser él mismo. Todo eso lo vuelve un personaje atractivísimo en su forma de actuar, sobre todo dentro de los sueños, siendo un simple turista. Cada momento y frase que él dice es simplemente imperdible, poniendo en evidencia su cultura oriental, al hablar siempre en los mismos términos (ahorrando palabras, como dice mi profesora de Coreano) y al hacer "honor" a la promesa que le había hecho a Cobb, algo muy importante para los japoneses y orientales en general.
Yusuf, el químico, me sorprende una vez más al ser interpretado por Dileep Rao, un actor al que le auguro grandes cosas, realizando tres increíbles actuaciones en tres grandes películas: "Drag me to Hell" (2009), "Avatar" (2009) y ahora esta. Su suerte es infinita, igual que su talento, que aquí se ve de manera extraordinaria al decir ciertas líneas, al mostrar ciertas emociones (como cuando se da vuelta la camioneta) o sus reacciones y habilidades mostradas durante la persecusión en la lluvia. Encontré una pena que se quedara solo en el primer nivel, de verdad quería mucho más de este personaje, el otro junto a Eames que resulta agradable para el público.
Y ahora nos movemos a la que es sin duda la actuación más impresionante y valiosa de toda la película: Marion Cotillard como Mal, la esposa muerta de Cobb. Vaya, la emoción era constante en ella, una diosa ante los ojos de su esposo en todo momento, una mujer que emociona a otros y los afecta tanto como afecta a Cobb. Aquí hay algo que nunca pensé que podía pasar, y eso es que Marion Cotillard me causara miedo. ¿Recuerda cuando Mal aparecía de la nada, con un arma en la mano, lista para arruinar en lo que sea que estuvieran dentro del sueño? La imagen de Mal, trotando, decidida con un cuchillo en la mano y una mirada de odio; para luego pasar a ser la mujer comprensiva que trata de atraer a su esposo a la perdición, al sueño falso, a la realidad que ella cree que es real. Lo mejor de todo eso es que Mal ni siquiera es real, la que vemos en los sueños no es más que una representación del subconsciente de Cobb y nos olvidamos, creemos que es otro de los soñadores conectados. Cuando conocemos a la Mal verdadera en los recuerdos y relatos del personaje principal, vemos a una igualmente maquinaria y malévola, pero por un engaño que se encuentra en el centro de su pensamiento, la idea de que su mundo no existe. Cuando la Mal falsa se entera de que esa idea provino de una originación hecha por Cobb, sus lágrimas aunque resultan ser falsas nos golpean como si fueran de un muerto que se desilusiona y viene ante nosotros sólo para culparnos de su muerte y del abandono de sus hijos.
Pero la película no sólo se queda en las actuaciones, aunque sea uno de sus pilares y lo que la hace una gran película. Los efectos especiales forman una parte importantísima de la película, pues añaden a darle verismo a la vez que le permiten hacer los cambios necesarios que puede tener un sueño (el desdoblamiento de la ciudad es algo increíble), así como para darle un feel de película de acción y espías, que se mueve principalmente en los códigos de la coreografía, las explosiones, los disparos y los efectos especiales desbordantes.
Hans Zimmer hizo la banda sonora de la película y entra en competencia directa con los mejores que ha hecho y los mejores del año. Mientras que dentro de la película la banda sonora se siente como parte importante, anunciando momentos de despertar, así como escenas de acción y de calma, a la vez que las que están llenas de emoción incontenible que debe salir a través de la música orquestada; lo malo es que ahora vamos a ver trailer, graduaciones, comerciales, que usen esta banda sonora, tal como pasó con "Gladiador". La banda sonora tiene un truco genial, que es el de la velocidad que toma, que es igual al de la canción "Non Je ne regrette rien" de Edith Piaf en su sucesión armónica ascendente que necesitan para poder despertar de los sueños. Acerca de lo mismo, creo que esa canción ya no volverá a significar lo mismo, cada vez que suene, cosquillas correrán por mi espina dorsal, miraré a mi alrededor y empezaré a dudar de mi propia existencia.
Sobre la fotografía y la edición poco hay que decir salvo que son impecables, la fotografía siendo increíble en la forma que tiene de diferenciar entre los distintos niveles de los sueños: gris (verde), naranjo (azul) y blanco (negro); y la edición inteligente, pues no da lugar a la confusión cuando nos muestra los distintos niveles de sueño en paralelo, de hecho tiene cierto ritmo muy atractivo y que resulta predecible con el tiempo (sin ser eso malo, sabemos qué sueño vamos a ver en este momento).
Una última reflexión acerca de la estructura de tres niveles de sueños. Creo que me recordó mucho a un videojuego de estrategia, donde los personajes son expertos en ciertas taress, que debes adaptarte a las situaciones (Sueños), logrando una especie de objetivos para poder pasar de nivel y llegar al tesoro final. No sé si alguien más lo tendrá en mente, pero esa fue una de las razones por la cual quería que la película durara mucho más.
¿Ve lo grande de sus aptitudes? Creo que es hora de hundirnos un poco más en su subconsciente.
Nivel 3: La revelación final
Enfréntate a la verdad. Aquí está, generada por ti mismo, mírala, acéptala, forma parte de tu ser.

10/10

Nominada a 8 premios Oscar, esta bellísima película se llevará el de Dirección de Arte, Edición de Sonido y Efectos Especiales. Técnicos, pero qué se le va a hacer.

#3 - The Fighter (2010)

The Fighter (David O'Russell)
Hay una cierta historia de películas que tratan sobre un boxeador que parte desde abajo y empieza a ganar pelea tras pelea hasta que llega a su cima personal, las cuales siempre tienen ese gustillo a favoritas del Oscar, y la verdad es que la mayoría de ellas son muy buenas, llegan a estar nominadas a mejor película e incluso llegan a ganar, hablo de películas como "Raging Bull" (1980), "Million Dollar Baby" (2004), "Rocky" (1976), etcétera, incluyendo esta película en particular dirigida por el estrafalario (y en esta ocasión, extrañamente restringido) David O'Russell y con un elenco de estrellas que se ha llevado los aplausos de la crítica.
El año pasado, cuando realicé la crítica de la mediocre "The Blind Side" (2009), hice un singular experimento en el cual me pregunté por qué esa fue la película elegida por sobre "Invictus" (2009), que era del mismo género, pero que yo consideré muy superior tanto actoral como en cuanto a la inspiración que podía provocar su trama. Lo hice con esa película y con ninguna otra porque de verdad pensé que no había razón para que esa fuera nominada, sólo tenía el oscar a la mejor actriz por Sandra Bullock, el cual ganó. Ahora me encantaría poder hacer lo mismo con esta película, pero no puedo. La razón es que de verdad la Academia piensa que es una película con méritos pues es una de las "favoritas" entre las 10, pues el director está nominado a su premio respectivo, sin contar los otros siete (7) premios a los cuales está nominado.
Debo aclarar, no es una película mal hecha, de hecho puedo decir que se trata de una de las películas mejor actuadas de todo el año, pero hubo algo en su historia y en la forma en que se desenvolvían los personajes que me desagradó y eso le hizo bajar muchos puntos respecto a la enorme calidad de los elementos mostrados. Cierta gratuidad de las escenas en cuanto a lo que demostraban era de verdad molesto, estaban casi marcadas con destacador "esta es la escena en la cual todo se arregla", "esta es la escena en la cual todo se va a las pailas", tiene hasta la escena en la corte. En cuanto a su guión, toda la película es nefasta.
Pero antes de seguir, les hablaré, tortuosamente, de qué se trata esta película, de la cual no he dicho nada más que es de box y que no me gusta mucho. Debo aclarar que esto está basado en un hecho real, son personas que aún están vivas y los hechos ocurrieron hace algunas décadas, pero eso no perdona la forma en la cual son presentados los hechos (siempre se puede maquillar) y los personajes pueden comportarse de manera más lógica (pese a lo ilógico del ser humano) a través de un contexto psicológico-mental-social que no es logrado completamente.
CONTEXTO: (cosa que la película no logra totalmente y que yo les daré para ver si les gusta más la película) La película transcurre en un barrio mas bien pobre de Estados Unidos, en la cual conviven la mayor parte de los personajes, donde todos se conocen, sobre todo a estos personajes que son una especie de celebridades locales porque han logrado cosas (aparentemente) importantes. Micky Ward es uno de los que vive ahí y boxea por tres razones: es bueno, da dinero y su medio hermano fue boxeador y es quien lo entrena. Más contexto, la madre de los dos es quien representa a Micky y es quien lo alienta, pero parece tener un cariño especial por Dicky Ecklund, el medio-hermano de Micky, ya que tuvo una carrera mucho más exitosa, pero es ciega ante las faltas que él mismo comete: es un drogadicto.
HISTORIA (cosa llena de escenas comunes y que realmente no es tan impresionante si la comparamos con todas las otras películas que nombré antes): HBO está realizando un documental sobre Dicky, le hacen creer que es sobre su vuelta a la lucha a través de su hermano, pero es sobre su problema de drogas; mientras Micky está tratando de entrenar para una batalla importante que le han arreglado su madre y hermano. Todos aman y conocen a Micky y a Dicky, pero entre ellos la relación no parece ir tan suave como parece en un inicio, Dicky está basando su vida en entrenar a Micky, pero este siente que está siendo utilizado por su familia con la finalidad de ganar dinero, ya que Dicky no puede hacerlo. Micky, antes de la lucha, conoce y mantiene una relación con una joven camarera y que lo ama incondicionalmente, a la vez que le hace ver cómo su familia lo está utilizando y que lo único que necesita es amor. Todo se torna feo en cuanto Micky pierde la lucha preparada en una mezcla de mala suerte, destino e incompetencia de su familia.
Lo que más me molesta de la película, aparte de su historia tremendamente convencional (caída-regreso), sino la cualidad tan desagradable de los personajes del hermano (Dicky, interpretado muy bien por Christian Bale) y la madre (una interpretación magistral de parte de Melissa Leo) con respecto a las reacciones de Micky (un correcto Mark Wahlberg) que se permanece durante demasiado tiempo impávido y siento que el personaje de la camarera (una estupenda Amy Adams) es demasiado compasivo con Micky y no siento el amor que hay entre ellos. Luego vienen otras escenas, como cuando Dicky y la camarera conversan acerca del futuro de Micky y que simplemente me causó urticaria porque la he visto un millón de veces y de verdad está repetida hasta la muerte.
Una de las decisiones que más me gustaron en cuanto a la dirección de la película, y eso fue la decisión de grabar las luchas y ciertos momentos de la película en el estilo en el cual lo haría HBO en sus documentales o transmisiones de luchas de box, y eso se logra tanto material (se usaron las mismas cámaras que se usaban entonces) como en cuanto a lo que evocan, una nostalgia por un tiempo en el cual el boz era un deporte que de verdad convocaba a masas y no solamente a una élite que lo disfruta debido al alto precio de sus entradas y lo difícil que es tener HBO al ser un canal de pago extra (Premium).
Otra cosa que debo destacar son las actuaciones, una vez más, Mark Wahlberg, Christian Bale, Melissa Leo, Amy Adams, todos son realmente muy buenos en sus papeles y es lo único por lo cual van a ser recordados siendo bastante honestos con nosotros mismos y respecto a lo que esta película respecta. Sólo se la recomiendo a los fanáticos y completistas de los Oscar... como yo. Nominada a siete premios Oscar, esta película que odié, se llevará DOS, uno al mejor actor secundario para Christian Bale y otro a la mejor actriz secundaria con Melissa Leo.

7/10

#2 - Black Swan (2010)

Black Swan (Darren Aronofsky)
Esta crítica está ampliada desde el párrafo que escribí para las 10 Mejores Películas del 2010 de este año, así que disculpas si se repiten algunas ideas.
La película que yo más esperada del año 2010 resultó ser mi película favorita del 2010 en mi lista de las mejores que publiqué hace ya algunas semanas. Eso no suele suceder, de hecho en el año recién pasado fue un total desastre, resultando tan solo dos de las películas más esperadas entre las 10 Mejores, así que esa clase de coincidencia alegra a la vez que hace que uno se ponga a pensar en las expectativas propias y en la propia capacidad de evitar caer en el "hype" que uno mismo termina alimentando.
Pero creo que antes de escribir esta crítica, y pese a tener mis impresiones iniciales a la vez que las generales que realicé en mi top 10 del año 2010, donde se llevó un ilustroso y elogiado pasaje, creo que necesito verla otra vez, y eso es lo que voy a ir a hacer en este preciso instante, voy a ir al cine a verla, dejaré esto en suspenso y luego podré escribir con mucha (o tal vez menos) claridad sobre cuáles son los aspectos más destacables de esta verdadera obra maestra del cine contemporáneo.
Acabo de volver y siento que lo necesitaba, la única manera de haberle hecho justicia a la (corroborada) mejor película del año 2010. Ver nuevamente los coreografeados movimientos de Natalie Portman y Mila Kunis, la espléndida fotografía que cristaliza cada uno de los momentos más memorables en cuadros que parecen pintados con carboncillo, las riquísimas actuaciones de cada una de las mujeres del elenco, el lloroso rostro de Portman que lo único que hacía era causar unas ganas enormes de abrazarla y reconfortarla, sentirme nuevamente asaltado en mis sentidos y mis nervios con cada uno de los momentos que parecían sacados de un thriller italiano, un slasher americano o una historia de fantasmas asiática.
Antes de seguir con esta "crítica" (que al final va a terminar siendo elogio tras elogio), debemos introducirnos en uno de los elementos que siempre me gusta tener en claro para quienes leen estas críticas, la trama. Aunque debo decir, en este caso, que me encantaría poder empezar de inmediato a hablar sobre qué es lo que se lee entre líneas, qué es lo que la película trata de decir con esa enorme cantidad de espejos, la eterna dualidad entre blanco y negro, lo que hay detrás de la heroína y que aún no podemos entender y que no se explica, sino que tan sólo se infiere... pero hacer eso sería caer en spoilers.
Entonces, la trama, partimos con un trozo de el ballet "El Lago de los Cisnes", y más vale que se aprendan la historia de este ballet porque las referencias serán constantes a lo largo de la película. Nuestra protagonista, Nina Sayers, está soñando con que ella interpreta al Cisne Blanco en el prólogo de esta pieza compuesta por Tchaikovsky. En la mañana, vemos que ella es una bailarina en uno de los elencos de ballet más famosos y la obra que se va a llevar a cabo es, justamente, "El Lago de los Cisnes", pero esta es una versión especial, en la cual la misma bailarina debe interpretar al virginal cisne blanco y a la seductora cisne negro, su hermana gemela y malvada.
Nina Sayers, interpretada de una manera esplendorosa y emocionante por Natalie Portman, no vive una vida feliz, estrictamente, no es miserable, pero no es un cuento de hadas y ella no es una princesa. Su madre, ex-bailarina de ballet, es una mezcla de muchos elementos los cuales hacen de ella un personaje muy complejo, pues parece sobre protegerla demasiado, a la vez que no cree demasiado en sus capacidades, pero llegado el momento se siente demasiado orgullosa, aunque puede confundirse con celos sobre algo que ella nunca alcanzó. El vivir con un personaje así día a día, que aún te trata como si fueras una niña, debe ser un catalizador fuerte para cualquier tipo de psicosis.
Bueno, entonces, Nina, con todos esos problemas, logra tener el papel. Pero eso no es todo, según el personaje que interpreta Vincent Cassel (el director del ballet), Nina es perfecta para ser el cisne blanco, pero le falta el desorden del cisne negro, esa seducción. A través de simples ejercicios (masturbarse), el instructor trata de despertar en ella esa esencia que le permita interpretar de manera completa el rol, esencia que parece tener altamente desarrollada es Lily, una bailarina nueva que ha llegado al elenco (interpretada por Mila Kunis de manera sobrenatural) y que vendrá a ser nuestra especie de antagonista en esta búsqueda personal que realiza Nina por la perfección.
Debo decir que esta película es un claro ejercicio de género, uno en terror siendo más específico, ya que contiene muchos de los elementos que pertenecen al canon del mismo, como son los personajes femeninos en situaciones de riesgo extremo, ciertas escenas que realmente tienen por función asustarte, la eterna aparición de esa sustancia rojiza que cubre las escenas más llenas de ese pavor ancestral, las criaturas, las transformaciones, las apariciones repentinas, asesinatos... pero creo que esto es adelantar mucho la trama, así que me detengo ahí.
La actuación de Natalie Portman es simplemente la mejor de su carrera, una que le va a abrir un sin número de puertas tanto en el mundo de Hollywood como en el independiente, que la llevará a la fama internacional y será reconocida mundialmente como una de las mejores actrices de su generación. Cada momento estamos junto a ella y en cada segundo podemos sentir su crecimiento y cómo se conoce y cómo llega a hacer lo que tiene que hacer porque forma parte de su comportamiento lógico. Además, sus expresiones y el rostro que siempre porta resulta realmente enternecedor y lo único que uno quiere es que ella triunfe y que no sufra, uno quiere abrazarla y decirle que todo va a ir bien. Causar esa reacción, no es fácil.
Esta película me envolvió como una pitón a su presa, me tenía al borde del asiento, al borde de la misma histeria que aquejaba a Nina, al borde de las lágrimas y de querer gritar y gritar en medio del cine. Para este tipo de películas me he mantenido con la esperanza abierta. Esto es cine.
Nominada injustamente a tan solo cuatro premios Oscar, lamentablemente, también ganará sólo uno, y será el de mejor actriz para Natalie Portman. Esta es la mejor película del año y me alegra que haya sido nominada, pero de verdad me apena que películas menores tengan más oportunidades de lograrlo.

10/10

Noticias de "Paranmanjang" (2011) #1

El cortometraje "Night Fishing", una de las experiencias audiovisuales más esperadas en este año, grabado en un iPhone, dirigido por Chan-wook Park acaba de ganar el Oso de Oro en Berlín al Mejor Cortometraje. Un gran honor para uno de los mejores directores del cine actual... pero hubo una sorpresa de la cual no estaba enterado. Este cortometraje está co-dirigido y co-escrito por Chan-kyong Park, un primerizo, aparentemente en este mundo del cine. Bien por los dos y espero con ansias la forma de verlo.

10 Días de Oscar - #1 - 127 Hours (2010)

Hoy parten los diez días de Oscar, con críticas extensas de las 10 películas nominadas a Mejor Película en los Oscar del año 2011. Algunas ya han recibido algun tratamiento individual o en la lista de las mejores del año, así que atentos por si ciertos elementos se repiten.

127 Hours (Danny Boyle)
Empezamos la temporada de Oscar en Exodus8:2 con una de las películas más esperadas por mi de todo el año 2010 (y que lamentablemente no pude ver hasta enero del 2011), y que también se encontraba en ese tiempo como una candidata segura al Oscar. Con el correr del año, su fuerza fue perdiéndose y ya a semanas de las nominaciones definitivas se creía que ya no tenía opción alguna. Pero miren, aquí está y me alegra poder escribir una crítica a profundidad sobre esta película que siendo bastante honestos tiene pocas posibilidades de ganar algo.
Esta es una película basada en hechos reales, así que quienes conocen la historia de Aaron Ralston pueden saber en qué termina su terrible periplo, pero sin lugar a dudas se sorprenderán ante las cosas que logramos saber acerca del personaje y que no se encuentran en tu periódico normal y corriente. Lo que quiero decir es que si sabes qué es lo que va a pasar al final de la película, no creas que no vale la pena verla en su totalidad, porque de verdad es una de las mejores experiencias visuales que puedes llegar a tener, ya sea en el cine o en la comodidad de tu casa.
Cuando hice mi lista de las mejores 20 películas del 2010, de verdad lamenté el haber visto esta película después del periodo que me auto impuse para ver películas del año, porque fácilmente habría quedado en el tramo 11-20 que hice en Wonders in the Dark. Pero, ¿qué fue lo que me produjo tanta satisfacción al ver esta película que me hace alabarla tanto? Bueno, antes de eso, volvamos a lo básico y simple... de qué se trata o de qué habla la película.
"127 Hours" cuenta la historia de Aaron Ralston, un joven con un trabajo normal y que en los fines de semana se divierte realizando excursiones extremas a diversos lugares, lo vemos comprando el equipamiento necesario y simplemente parte sin avisarle a nadie, incluso dejando sin contestar los llamados de su madre. Lo vemos como un hombre decidido y que tiene experiencia, después de todo, formó parte de un equipo de rescate hace algún tiempo. Ya desde el viaje en auto que realiza Aaron podemos ver cómo el estilo del director Danny Boyle salpica las imágenes con una cámara en movimiento constante, una edición dinámica y una fotografía estrafalaria a la vez que mareante y reconfortante.
Aaron Ralston, interpretado magistralmente por James "Quiero ser como él cuando grande" Franco, llega a un cañón en Utah donde conoce a un par de mujeres que lo invitan a una fiesta a la cual nunca llegará, porque él cometerá el error de su vida cuando quede con su brazo apretado entre una roca y una pared del cañón, sin posibilidad alguna de salir sin tener que pagar un precio muy alto a cambio (obviamente me refiero a su brazo).
Entonces, en resumen, contamos con una película que durante la mayor parte de su extensión vemos a un hombre atrapado consigo mismo. Con una cámara de mano, graba mensajes para su familia, mientras lo vemos recurrir a diversas técnicas para poder sobrevivir unas horas más, tomando su propia orina, muriéndose de hambre, quejándose y, lo más interesante de todo, alucinaciones causada por el deprivamiento de estímulos auditivos/visuales (los cuales resultan exacerbados cuando son reales) y la falta de alimentos y bebida.
Las representaciones visuales de las alucinaciones de Aaron Ralston resultan ser realmente lo más impresionante de la película, además de la increíble actuación de James Franco, que resalta de sobremanera en la sección que todos gustan llamar "Buenos Días América", en la cual el personaje hace de entrevistado y entrevistador en un ficticio programa matinal en el cual evidencia lo peligroso de su situación a la vez que burlarse de su propia estupidez al no contarle a nadie dónde iba antes de partir, signo claro de que va a morir antes de que alguien lo empiece a buscar. Esa es fácilmente la escena mejor editada y actuada de todo el año. Una pequeña perla.
Volviendo a las alucinaciones, entre las cuales se cuenta la de estar ahogado, su hermana, su futuro y muchas otras cosas, se encuentran entre los espectáculos visuales mejor logrados. Simplemente la edición aquí es sublime, los momentos grabados con distintas cámaras, los efectos luminosos, la saturación de colores, el movimiento dentro de la quietud que hace que esta película no se vuelva monótona. El uso de pantalla dividida (hasta en tres o cuatro partes) recuerda a los mejores momentos de Brian De Palma ("Carrie"-1976, "Blow Out"-1981), ya que son acompañados de movimientos de cámara y colores bellísimos que recuerdan a las mejores escenas de esas películas.
A.R. Rahman, quien también compuso la banda sonora para la anterior película de Danny Boyle, "Slumdog Millionaire" (2008), nuevamente realiza un trabajo espléndido, incluyendo la canción "If I rise", que suena en uno de los momentos más emotivos de la cinta, cuando vemos visiones que creemos del pasado, pero que son completamente ficticias, o tal vez premonitorias. Lo único que puedo achacarle a todo el aspecto sonoro es en la última escena, en la cual suena una bellísima canción y que me hizo pensar que estaba escuchando una de las mejores partituras del año, sólo para averiguar que se trataba de una canción del grupo Sigur Ros. Desilusión.
Finalmente, tenemos ante nosotros otro éxito más para Danny Boyle y una actuación realmente impresionante de James Franco. Nominada a seis Oscar, lamentablemente sólo ganará uno en la categoría a la Mejor Canción por "If I Rise".

9/10

Perry Moore (1972 - 2011)

Escritor y productor, murió aparentemente de una sobredosis. Aseguró los derechos de las películas de Las Crónicas de Narnia, siendo su única incursión cinematográfica la de producir ejecutivamente las tres versiones que han salido de la historia de C.S. Lewis hasta ahora, además de un cortometraje documental de Maurice Sendak y un largometraje llamado "Lake City" (2008). Que descanse en paz.

Noticias de "Kiseki" (2011) #1

La nueva película del director japonés Hirozaku Koreeda, "Miracle", una de las más esperadas del año por mi persona, tiene un nuevo poster y teaser trailer para que todos puedan deslumbrarse y excitarnos ante las expectativas que nos da.

La película, recordando un poco, se trata de dos hermanos (los actores que lo interpretan son hermanos de verdad) de pocos años de edad y que ven la construcción de una línea de tren bala como una forma de unir a sus padres separados.

El trailer se ve como una película liviana, pero llena de ese candor familiar que hace tan buenas las películas de este director. Sólo queda esperar alguna fecha de estreno y festivales donde se dará.

Sam's Flick Picks #8 - The Great Flamarion (1945)

Oh, pero qué coincidencia más alegre tenemos en esta ocasión, contamos con una película que pertenece al estilo cinematográfico, para no llamarlo género, de Film Noir. ¿Y qué tenemos? Que la Blogathon For the Love of Film (Noir), llevada a cabo y organizada por los blogs Ferdy on Films y Self-Styled Siren que se realiza con el fin de recaudar dinero para la Film Noir Fundation, que se encargaría en esta ocasión de restaurar el largometraje "The Sound of Fury" (1950), que tendría una gran importancia tanto actoral como históricamente. En esta ocasión necesitan recaudar un total de 30.000 dólares para hacerlo y necesitan donaciones de todo el mundo y el ciberespacio. Yo, tal como lo hice el año pasado, decidí ayudar un poco con un humilde post en español para hablar de lo poco que sé sobre el Noir dentro de esta institución que se ha transformado este Sam's Flick Picks.

Lo que deben hacer ustedes que cuentan con dinero (lamentablemente yo no puedo debido al estado actual de mi tarjeta de crédito) es DONAR lo más que puedan en este link acá. No se preocupen, les recordaré de nuevo al final de esta entrada.
Segunda película de Michael Mann y segunda película que se identifica perteneciente al movimiento de Film Noir de lo que lleva esta sección de agradecimiento puro a uno de los principales motores actuales de este blog, una de las razones por las que sigo escribiendo día tras día, el humilde ángel caído del cielo que es Sam Juliano. Pero el hecho que esto sea de agradecimiento, o que sea de apreciación a lo que es el Noir (en esta ocasión) no quiere decir que perdone la falta de originalidad o las cosas que no me impresionan.
Esta película trata sobre un crimen, como la mayoría de los noir, en este caso, el estrangulamiento de una mujer. El culpable ha sido herido con un balazo y cae rendido ante un hombre a quien le cuenta la historia, y esa es la película que nosotros vemos. El criminal es "El Gran Flamarion", interpretado de manera maestra por Erich Von Stroheim, fácilmente lo mejor de la película, que es un experto con las armas de fuego y que su acto se encarga de dispararle a dos ayudantes que él tiene pero a los cuales no daña nunca porque tienen una enorme cantidad de artilugios que evita que pase, como fósforos o ampolletas. Todo esto ocurre en el ámbito de una varieté, en la cual varios actos de este tipo se juntan para hacer un espectáculo (tal como dice su nombre) variado.

Como suele suceder en estas películas, la pareja ayudante se lleva mal y la mujer, tratando de escapar de la situación, atrae al Gran Flamarion con el fin de conseguir algo. ¿Qué cosa? Dinero, obviamente, y para eso saca todas sus armas de Femme Fatale y lo logra, dejándonos a nosotros con pena al ver cómo el personaje de Von Sroheim se queda esperanzado y amando, creyendo que lo que la mujer siente es verdadero, y en eso la película es tremendamente poderosa y logra su cometido: nos emocionamos con este personaje.
Sin embargo... ¿no hemos visto esta historia contada demasiadas veces? Puede que en ese tiempo no haya sido tan repetido, pero de verdad es que la trama es predecible (y no necesariamente porque parte desde el final de la msima) y la verdad es que para ser un Noir, las mejores tomas se concentran en los primeros minutos de metraje cuando vemos al Gran Flamarion esconderse en las alturas de un escenario. La otra gran innovación luminosa es cuando se reflejan los péndulos en la cara de Flamarion, dando campo a alguna interpretación que en verdad nunca logra concretarse.

Finalmente, lo que salva esta película del olvido es lo entretenido que resulta ser el acto de la pistola y lo original del mundo de la varieté con sus constantes traiciones, fama efímera y posibilidades de encontrar personajes realmente curiosos. La copia que me mandó Sam era de un DVD español que tenía cierta buena calidad (aunque no la mejor) y la posibilidad de ser vista en español, lo cual me agradó bastante ya que la calidad del audio en inglés no era de la más diáfana que uno desearía. No tenía extras, pero dudo que una película como esta la necesite.
Ahora, como es una ocasión especial, les dejo a continuación la serie de notas que tomé mientras veía la película (cosa que raramente hago) y cuyos puntos fueron usados en esta crítica y otros fueron olvidados. Hay referencia a elementos que ocurren avanzada la película, pero una trama así no importa tanto.

· El DVD tenía la opción en español, así que decidí verla así, después de todo el menú también estaba en español.
· Ciudad de Méjico.
· ¿Soy yo o cada vez que se muestra Méjico hay mariachis y la canción "Canta y no Llores"?
· ¿Qué tiene que ver una performance de tireri con música mejicana? Típico error americano.
· Ugh, español de España.
· Elemento Noir #1: hombre escapando con sombrero, atrapado por las circunstancias, la policía lo busca.
· "You Don't Kill a Woman You Love".
· Esos ángulos de cámara superiores son extraños y a la vez dan la idea de un espía que ve todo desde arriba.
· Obviamente, el verdadero culpable del asesinato es quien mira todo desde arriba, pero quién sabe.
· Ahora, ¿de dónde salió El Gran Flamarion?
· O sea, el Gran Flamarion lo hizo, la película es un gran flashback.
· Ese acto es peligroso, ¿es magia o buena puntería?
· ¿Por qué lo toca tanto?
· Elemento Noir #2: la Femme Fatale en su traje, maquillaje y belleza ensalzada; seduciendo y mintiendo para poder conseguir algo para sí.
· Los reflejos de esos dos péndulos son muy interesantes, tendrán algo que decir acerca de la dualidad de alguno de los personajes.
· Vaya, ese viejo actúa muy bien.
· ¿Mostrarle todo? Wow. Ella se está arriesgando de verdad. El de los sentimientos enclaustrados y la mujer interesada en algo más allá.
· El beso menos candente de la historia del cine.
· ¿Comida china en SF? ¿Chinatown? ¿?
· Flamarion ya ha caído en la trampa.
· ¿Ella quiere que Flamarion le dispare por un error?
· Ella sí que es una Femme Fatale, está con más de un hombre, con más de dos, ¿con cuantos?
· La insinuación está hecha, la idea plantada en la mente de Flamarion, mejor que en Inception (jajá).
· "Disparabas y fallabas", "Plan Dental".
· O sea que el marido no está metido en el engaño. Interesante, esto se vuelve sorprendente.
· Fundido a negro apresurado, no muy estético.
· Elemento Noir #3: alcohol como causa o consecuencia de los eventos, crímenes o algún elemento del film.
· Intrigante, ¿a quién llamó y qué dijo?
· ¡Ah! Quiere irse con el ciclista tras conseguir algo con Flamarion. ¿Qué cosa?
· Totalmente ebrio y preparado para la muerte. Flamarion con la cabeza afeitada recibe así más fácilmente la energía mística que le impide fallar.
· Ahora culparán a Flamarion, pero se salvará por la cosa del alcohol. Todo sigue el curso normal hasta ahora.
· Claro, ella desaparece y Flamarion no la encuentra, en 3 meses se logra mucho. Ahí él se enoja al no encontrarla y la mata en Méjico. Le pasa plata y así se arrancará. Un tanto formuláico.
· Pero debo decir que todo resulta tremendamente original al estar ambientado en el mundo de la varieté y curioseté.
· Tantas flores y no va a llegar.
· Qué pena. Él baila, compra anillos...
· Engañado, destruido... desesperado... con ganas de matar.
· Debo decir que la elección de tomas, así como los juegos de luces son poco interesantes para ser un Noir. Al principio hubo algo mejor, pero desde entonces, nada.
· Y así, de alguna manera, volvemos al inicio.
· Siempre que en las películas se canta en español se escucha muy poco natural. Y nuevamente, flamenco, danza española, en Méjico.
· El Close-up a los ojos de Flamarion al ver la chica fue interesante.
· ¿De nuevo haciendo de las suyas? ¡Ja!
· ¿Se lo está creyendo o está engañando?
· ¿Sombras? ¿Elemento Noir #4? Muerte escondida. Ah, era él quien estaba arriba.
· Bastante simple en cuanto a trama, pero el lugar donde toma posesión la trama es interesante.

7/10

RECUERDEN. DONAR.

Bonsai

Cuento Corto, por Jaime Grijalba.
¿Qué tan importante es la literatura chilena moderna? Con la cantidad de libros y escritores que es posible leer, ¿por qué estar atento a la escena literaria contemporánea de un país? Sobre todo de Chile, siendo la tierra latinoamericana con una de las narrativas más tediosas de toda latinoamérica (sólo Donoso se salva del fuego dentro de ese estilo tedioso). Quizás los que quieren escribir y vivir de la literatura en Chile deban prestarle atención, y ese es mi caso, pero sé que no voy a vivir de eso y menos creo que termine publicando en Chile.
Por este día de San Valentín, he decidido descansar un poco del cine para hablarles sobre este pequeño libro de Alejandro Zambra y que salió publicado el año 2006 para tener una controversia inenarrable. Además, la historia es bastante relacionada con los afectos que se proporcionan en esta fecha. Este libro de 96 páginas habla sobre una pareja de estudiantes de literatura que se leen libros antes de tener sexo... interesante.
El libro me lo leí en una sentada y en algunos momentos me dieron ganas de leerlo de nuevo (no lo hice), pero me dejó de alguna manera pensando. Esta novela corta ha ganado varios premios críticos y de verdad no voy a hablar mal de ellos, porque esta pieza escrita pudo hacer surgir sentimientos de tristeza y emoción en mi alma, de alguna manera, al ver la trágica historia de esta pareja. Pero yo, como escritor sin libros ni publicaciones (y un premio que no puedo comprobar), pensé en que yo podía escribir algo mejor.
No me estoy inflando el ego ni nada de eso, es sólo que el libro era simple y en su simpleza era tremendamente interesante y potencialmente revisitable, y creo que en eso radica su aplicabilidad a la narrativa chilena, que tiene un problema de extensibilidad en su monólogo interior y descripción externa, que debido a la escasa extensión se ven reducidos exponencialmente a ser nada más que una anécdota entre los otros momentos mucho más interesantes.
Quiero decir que capté los pincelazos de Borges (y, por ende, Umberto Eco) que presentaba la filosofía de la novela, típica de lectores antes que escritores (cosa que también me pasa) por lo que respeto mucho y a la vez admiro en su honestidad a la hora de traspasarse al medio. Por eso admiro a un cineasta como Tarantino y a un escritor como Eco.
Pero, ¿vale la pena leerlo? La verdad es que si lo encuentran en la librería y se van a un rincón, se lo terminan y si les gusta lo pagan, esa es la estrategia que yo seguiría. Al final, no me arrepiento de haberlo leído y tiene un lugar en mi lista entre los mejores trabajos de la narrativa latinoamericana y chilena (que de por sí es corta y bastante difícil de entrar).
Este libro tuve el placer de leer gracias a la iniciativa de Libros Libre Chile, fue encontrado en la Universidad Católica, en una mesa. Junto a Georgina Pérez y Rocío Romero leímos el libro en un viaje que hicimos a Rancagua para filmar un documental, aunque con reacciones dispares, sí fue una experiencia interesante.

Noticias de "Scenes from the Suburbs" (2011) #2

Este cortometraje de Spike Jonze y que cuenta con la colaboración del grupo de fake-prog Arcade Fire, va a tener su estreno mundial esta semana en el Festival de Cine de Berlín, con tres presentaciones partiendo este miércoles. Además, se ha dicho que tendrá su estreno en Estados Unidos en el Festival SXSW. Además, se ha dicho que saldrá disponible para todos en Abril con una versión nueva del disco The Suburbs con canciones extra y este cortometraje.

Ah y claro, Arcade Fire ganó el premio al disco del año, so what, a mí no me gusta.

Miércoles de Cuentos: Manifiesto

Nota: 3.7

Sam's Flick Picks #7 - When Strangers Marry (1944)

Tiempo de descansar un poco de Ozu... aunque quién sabe, como veo las películas al azar muy bien podría haber habido algo de ese director japonés acá, pero no tiene nada de malo pues ahora nos enfrentamos a otro director, no tan reconocido como Ozu, pero igualmente interesante para mí, hablo de William Castle, conocido por una de mis películas de terror favoritas, "The Tingler" (1959) con Vincent Price en el papel protagónico (además de contener unas criaturas que te hacen vibrar el cuello y que hacían mover los asientos en el cine donde se ve la película).
Pero esta no es una película de terror (aunque los primeros minutos bien podrían anunciarlo), sino una de misterio con ciertos toques de Noir (qué oportuno, ahora que viene la blogathon de Film Noir para preservar películas el 14 de Febrero, donde seguramente tendré algo que escribir, como lo hice el año pasado). Es una película que claramente se ve influenciada, de alguna manera, por los thrillers de Hitchcock de los hombres equivocados, o podría ser que no, y esta sea la que inspire a tantas películas que siguen su misma plantilla, sobre eso aún no estoy seguro.

La película parte con un león rugiendo, clara referencia a MGM (creo), pero se trata de un viejo que usa una máscara de león y que anda ebrio por ahí gritando "soy el rey de la selva"... Ok... Entonces, vemos que dice tener 10.000 dólares, algo que una persona inteligente no diría frente a otra persona que no conoce, bueno, pues resulta que ese viejo amanece muerto, ahorcado con medias de seda... Ok... Y eso nos hace creer que nos encontraremos frente a algo más sórdido, pero no, sigue el curso natural de un misterio cualquiera, lo cual no es necesariamente malo.
Luego tenemos a nuestra protagonista, una mujer que se ha casado recientemente con alguien a quien conoce muy poco. Obviamente, empezamos a sospechar de inmediato que es él quien ha robado los 10.000 dólares y por mucho tiempo esa incertidumbre se vuelve casi un hecho, lo cual de verdad molesta al quitarle mucho del suspenso que tenía una historia con un inicio tan extrño/perturbador/genial. Pero son las actuaciones, sobre todo de Mitchum, las cuales dan algo de material para que la película se mantenga interesante.

La película se mantiene muy interesante a la vez que entretenida con la seguidilla de escenas que parecen sacadas de cien novelas de misterio cortadas y vueltas a pegar al azar, lo que hace que todo sea tan inesperado, sobre todo cuando empiezan a aparecer los giros y los personajes hablan sobre sus intenciones, y otras cosas por el estilo. El hecho que el director, William Castle, tuviera un cameo fotográfico me puso una sonrisa en la boca, lo mismo que la referencia al Señor King, productores de la película. Además, la película tiene excelentes juegos de luces y sombras, como la de la imagen que puse arriba de este párrafo, o el cartel que dice "DANCE" fuera de la habitación de la protagonista, el levantar de cortinas, etcétera.
Aunque en un primer momento podría resultar un tanto cliché, incluso como si ya hubiéramos visto la misma película muchas veces (Hitchcock era experto en este tipo de tramas de hombres inocentes o perseguidos), es la apariencia visual y el conjunto de actores la cual la hace interesante de sobremanera. Definitivamente no me arrepiento de haberla visto y me parece sumamente interesante la psicología de este mujer que la hace mantenerse al lado de su hombre pese a las acusaciones que se hacen contra él.

La copia que me mandó Sam es una de la Warner Archives, nuevamente sin extras, pero que sería interesante, al menos esta vez, ver algunos análisis al respecto, pues resulta ser más de lo que uno piensa en un principio. Tal vez en el futuro veamos un DVD dedicado a esta película Noir que ha sido, tal vez, un tanto olvidada, al igual que William Castle. Recomendada.

8/10

Noticias de "Scenes from the Suburbs" (2011) #1

El cortometraje de Spike Jonze, mi décima experiencia audiovisual más esperada del año, va a tener su estreno en el Festival de Cine de Berlín y ahora cuenta con un poster, bastante estimulante, que encabeza esta entrada.
Ahora, ¿qué es esto?
Pues decidí que cada vez que haya un adelanto importante sobre una de las 10 Películas que más espero del 2011, la postearé y así tengo entradas en las cuales puedo rellenar días muertos.
Eso, espero que les guste.