Japi Niu Llear

Y que el 2011 sea el mejor año de nuestras vidas.

Miércoles de Cuentos: Crítica "La Ciudad y los Perros"

Como ya saben por el título, hoy les tengo una crítica a la primera novela de don Mario Vargas Llosa. Nuevamente, la pueden leer en Wonders in the Dark, escrita en inglés. Nuevamente gracias a Sam Juliano por la oportunidad de seguir mejorando.

Lean acá.

Sam's Flick Picks #1 - I tre volti della paura (1963)

Sam's Flick Picks es una nueva sección de este blog. Algunos de los que leen acá saben quién es Sam Juliano, pero para quienes no lo conocen, es un hombre bonachón que vive en Estados Unidos (NJ) y ha cofundado junto al señor Allan Fish el que sea uno de los mejores blogs de cine (y otras cosas), Wonders in the Dark, y no lo digo solamente porque haya escrito dos (mañana tres) artículos, sino porque de verdad así lo siento. Bueno, esta navidad recibí un regalo increíble que no estaba pensado como navideño, Sam me mandó un total de 20 películas y por eso todos los martes haré una crítica sobre alguna de ellas. Esta será la primera temporada (y tal vez la última, quién sabe si Sam se enoja conmigo y no me manda nada nunca más) que durará 20 semanas, así que disfruten esta primera parte. Sam, esto está dedicado a ti.
Black Sabbath del director Mario Bava fue la primera película que me tocó ver en esta sección nueva, de entre las 20 fue la que salió escogida al azar. El destino estuvo de mi parte, pues ya hace algún tiempo que quiero ver algo de Mario Bava y esto fue perfecto para saciar mi curiosidad, pues estuvo bastante bien. Esta es de esas que me entretienen, pero a la vez pueden dar lugar a decepciones (cosa que no ocurre acá), hablo de una antología de tres cortos de terror, de ahí su nombre original traducido al español "Las tres caras del terror". La versión que vi es la, supuestamente, mejor, pues es la que está en italiano y con la edición y música original. Además, una cosa que no sabía, cuenta con la participación especial de Boris Karloff en que fuera su último papel de horror pùro, también dando una pequeña introducción a todo el conjunto, hablándonos de espectros y vampiros, qué alegría, vamos adentro.

"El Teléfono" es la primera historia, basada libremente en un cuento corto de Anton Chekhov, y también el primer thriller italiano grabado a color. Esta historia de una mujer que vuelve a su departamento para encontrarse con que al parecer su ex novio la está amenazando por teléfono con matarla. Esto parece casi una obra de teatro, con tomas largas, remitidas a un lugar, dando lugar a una serie de movimientos de cámara y tomas muy interesantes, lo que me dió ganas mientras la veía de mostrarla en mi grupo de teatro y ver si la podíamos hacer. Pero hubo un problema, mientras que el giro era muy bueno, el final se volvió predecible y bastante anticlimático. Sin embargo, cuenta con dos buenas actuaciones y el suficiente número de tomas imaginativas como para hacerlo mirable.

La segunda historia de este terrorífico tríptico es la mejor realizada, contando con un buen número de sets, buenos personajes, grandes actores y una atmósfera que te hiela la sangre, todo en "El Wurdalak". Basada en gran parte en una historia de Tolstoy (pero no Leon), que leí hace muy poco, pude apreciar los elementos que cambiaron de la historia original, así como los que se mantuvieron intactos (gran parte del inicio de la historia se mantiene tal como yo lo imaginé). La presencia de Boris Karloff mejora todo en todo aspecto posible, haciendo de esto una de sus mejores actuaciones como un abuelo que vuelve de matar a un ladrón, pero que ya no es lo que era antes, sino que siente unas ansias tremendas de beber sangre, se ha convertido en lo que se denomina en esa región, un wurdalak (vampiro). Este corto tiene varias escenas realmente muy buenas, como cuando se ve a un niño caminar entre la niebla, pero al parecer Mario Bava tiene un problema con los finales, pues termina en un punto poco interesante y mas bien casi predecible.

El que quizás sea el más tenebroso y miedoso de los tres cortos, "Una gota de agua", cuenta con una de las cosas que más miedo me ha dado en años y es esa señora que ven arriba, una muerta que busca venganza sobre la mujer que le ha robado algo muy preciado. Con excelentes juegos de luces, una banda sonora increíble, una atmósfera realmente irrespirable, una actuación maravillosa, y todo con poquísimos diálogos, unos pocos sonidos, como el caer de una gota, pueden hacer que esto esté entre uno de los momentos más extravagantemente miedosos de mi vida. Congratulaciones.
¿Lo mejor? El final, Boris Karloff con maquillaje de wurdalak nos dice adios mientras la cámara hace un zoom out y nos muestra cómo es que se ha hecho algunos de los efectos de la película, todo de muy buen humor y muy gracioso.

8/10

Pather Panchali (1955)

Un Retrato Filmado, por Jaime Grijalba.
Se rumorea, mas bien se sabe, que el director de esta cinta, Satyajit Ray, nunca había tomado o grabado alguna cosa con una cámara de cine el día en que empezaba la filmación, su director de fotografía lo mismo, igual que los niños que actuaron en la película. Es increíble que con esa cantidad de inexperiencia esta película sea tan buena y tan reconocida mundialmente como una de las mejores películas de India y de las mejores de la historia del cine (junto a sus dos partes subsiguientes, que hacen en conjunto la Trilogía de Apu).
La razón principal para esta clase de aclamación por parte de casi cada crítico que se precie de serlo, viene porque es un retrato naturalista sociológico de una realidad del momento en India. Una pobreza que no sólo se ve en los personajes, sino también en la forma en que fue hecha la película, con corte de fondos y rescate del gobierno incluído en todo. Hay veces en que, leyendo la historia de la producción de este filme, me dije que era mucho más entretenido y decidor que lo que finalmente se muestra en la trama.
Lo que hace de esta película inolvidable son los personajes que conforman esta familia, con la cual nos quedamos por las dos horas de metraje. El más memorable tanto visual como caracterizadoramente es la tía de la familia, una viejilla agradable que siempre protege a sus sobrinos, es querida por todos los vecinos y tiene exigencias simples para con la vida, definitivamente ver su cuerpo y sus movimientos mientras habla te deja sin aliento, eso aparte de su capacidad actoral, que realmente es increíble. Cuando los niños encuentran el cuerpo de su ya decrépita tía me dejó con el corazón en la boca por la emoción que me embargó.
Luego está Durga, la hija mayor, que pasa sus primeros momentos en el filme robando fruta y otras cosas a los vecinos, es un personaje que claramente aspira a mucho más, a un mundo alejado de la selva en la que vive en este momento, hacinada, retenida, sin posibilidades reales de ser algo más, lo que es una lástima. En sus ojos se puede ver su increíble alma a la vez que su tristeza (la foto de arriba es de ella), realmente acojonante.
Apu es el personaje menos desarrollado, pero se puede ver que esto está hecho para que él tome la batuta en las películas que habrían de seguir del mismo director. Es un niño que es frágil y provoca el instinto materno en Durga, su hermana, con quien en un principio son compañeros de juego, para luego transformarse en un repuesto para una madre decepcionada.
La madre es otro personaje muy interesante, sobre todo porque es la que se ve afectada principalmente debido a la pobreza, es ella quien no puede darle educación a sus hijos, pues ella está encargada de ellos, pues el padre no está el 100% presente. La madre sufre a cada instante a causa de no tener dinero, siempre le pide dinero a su esposo, le dice que busque trabajo, pero eso no la hace un personaje superficial que lo único en lo que piensa es en el dinero, mas bien al contrario, su sufrimiento viene por una causa social: está claro, y sus vecinos lo entienden, que ella no puede trabajar para mantener a sus hijos, sólo el padre puede hacerlo, y aquí se muestra de la forma más cruda posible.
El padre, finalmente, es un hombre culto, ha estudiado, pero las circunstancias lo han dejado en la pobreza. Quiere ser escritor de obras de teatro y siempre tiene esperanzas en lo que va a hacer y en lo que está haciendo, aunque nosotros, representados por la madre, no siempre creamos en lo que él dice o no somos tan optimistas. Obviamente el desastre es lo que lleva a este personaje a reconsiderar todo lo que ha dicho su esposa, aunque signifique romper con la tradición cultural de su familia.
Es una película esencial para cualquiera que se considere fanático del cine y, aunque no es lo mejor del mundo, sí se deja ver, sobre todo por sus personajes y su espléndida banda sonora.

8/10

Meri Crismas

Con el Viejo Pascuero más tenebroso de la historia, les deseo lo mejor en estas fiestas, que lo pasen con sus familias o seres queridos.
Pero si no estás de ánimo, simplemente ten un feliz Shut The Fuck Up.
Este post iba a ser un poco más elaborado, pero el tiempo y el hecho que cierto sitio web estuviera caído lo ha impedido.
Pero la intención cuenta, ¿no?
Como siempre, Navidades Peronistas para todos.

Indiana es el nombre de un Perro

Esta es una reescritura de esta entrada, pero ahora como una apreciación general de la cuadrología de Indiana Jones para la Spielberg Blogathon, organizada por Adam Zanzie y Ryan Kelly.

Steven Spielberg, el hombre, el único, uno de los directores más importantes de la historia del cine. Cuando digo importante, no estoy diciendo que sea bueno, no le estoy dando un honor a fin de denigrar su verdadero talento, esto quiere decir que no soy como cualquier otro bloguero o fanático del cine y pueda decir que odie a este director ni que me guste ninguna de sus películas.

Hay muchas de sus películas que me encantan, como es el caso de "Close Encounters of the Third Kind" (1977), "Jaws" (1975), "Duel" (1971), "The Color Purple" (1985), "Saving Private Ryan" (1998), "Catch Me if You Can" (2002) y por sobre todas esas "Jurassic Park" (1993) (Dios, incluso me gusta "Artificial Intelligence: AI" (2001) y "War of the Worlds" (2005), que se encuentran entre sus películas más popularmente odiadas), entre otras muchas que ha producido (lástima por lo de "Transformers" (2007) y secuelas eso sí, ugh), pero ninguna de ellas llega a la maestría técnica y de guión que son las cuatro partes de Indiana Jones, todas dirigidas por este mundialmente reconocido director (cuya tercera parte es, particularmente, la obra maestra de este director).

Lo interesante de estas películas son los objetos que buscan y, finalmente, es la calidad del McGuffin la que da a conocer la calidad de la película, es decir, si lo que busca Indiana junto a sus colegas, amigos o chica de turno es lo suficientemente profundo e interesante, la película es profunda e interesante. Obviamente el McGuffin no es lo importante, ya lo decía Hitchcock, es solamente el elemento que mueve a los personajes y los lleva a través de la aventura a relacionarse con otros y a la vez reflexionar sobre su propia condición humana. Sin embargo, en las películas de Indiana Jones el McGuffin, al ser generalmente un elemento sobrenatural, dan la posibilidad de entrar en conversaciones más profundas acerca de lo que es real, la magia, la mortalidad, elementos realmente interesantes y que son tocados con mucha atención en estas películas.

El otro elemento que caracteriza a estas películas son, como ya se ha mencionado de alguna manera, las relaciones que forma el personaje interpretado por Harrison Ford con quienes sean sus compañeros de turno en el viaje, y que también hablan de la calidad de cada cinta de acuerdo a la calidad de los acompañantes. Es decir, si los diversos personajes que vienen a involucrarse de alguna manera con Indiana Jones vienen a suplir una falta en el carácter de él, son buenos personajes y sirven para la trama.

Si partimos con "Raiders of the Lost Ark" (1981), tenemos que el McGuffin es el Arca de la Alianza, objeto cuyo poder no es claro en ningún momento de la película, dejándonos con el misterio hasta el final, que cuando llega puede ser sorprendente, pero no realmente entendible al cien porciento. La compañera de Indiana Jones en este caso es Marion Crane, también conocida "la chica" que tanto he criticado en películas de ciencia ficción y muchas otras en general, más conocido informalmente como "love interest", que para lo único que sirve es para que Indy tome decisiones estúpidas, arriesgándose por ella, cuando realmente no lo haría si piensa uno segundos. Pero, finalmente, sí le da un carácter sentimental a la obra, la cual resultaría seca con su ausencia.

Seguimos con "Indiana Jones and the Temple of Doom" (1984) para encontrarnos con que estamos ante la peor Indiana Jones de todas, pero eso es como decir que este es el peor cojín de una cama porque tiene un poco menos de relleno. Aquí el lugar (el templo) es descubierto por casualidad y las rocas mágicas, el McGuffin, no eran lo buscado desde el inicio, sino que fue una petición hecha a Indy como "héroe del momento". Los acompañantes son irritantes, pues la mujer es inútil, gritona y bastante fea, así como elniño (genial en los Goonies, pero aquí desagradable como un golpe al estómago con una bola de boliche), que no hace nada más que meterse en problemas. Sin embargo, estamos ante una película con escenas memorables, grandes escenas de acción y excitantes batallas.

En "Indiana Jones and the Last Crusade" (1989), el objeto (o MacGuffin) buscado es el Caliz Sagrado, donde José de Arimatea puso la sangre de Jesús cuando éste murió en la Cruz, la misma que fue usada en la última cena. Las cruzadas en la Edad Media, nominalmente trataban de recuperar este artefacto sagrado que tendría el poder de conceder la inmortalidad a quien bebiera de ella, por eso la película es denominada "la última cruzada". Es un objeto demasiado interesante, pues es uno de esos mitos-objetos-búsquedas que me apasionan en serio, casi tanto como la Fuente de la Vida o el Monstruo de Loch-Ness.

Lo interesante de esta película, comparándola con las anteriores y la que le sigue es la riquísima relación que existe entre Indiana Jones y su padre Henry Jones. En contraste con las otras películas, la relación es de entendimiento y descubrimiento mutuo, un tiempo de comprensión, oportunidades para volver y enmendar una relación que nunca fue buena entre ambos, pudiendo entender los conceptos que ambos tienen con respecto a la arqueología. Además cuenta con las mejores escenas de persecusión, acción y espionaje de todas las películas de Indiana Jones, sin que en ningún momento lleguen a ser ridículas o tontas.

Terminamos con "Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull" (2008), la más odiada pero, mi segunda favorita de toda la serie. Esto es porque repite (de alguna manera) la fórmula de la película anterior, juntando a padre e hijo (Indiana y Mutt) para una aventura que conlleva un descubrimiento por parte de ambos de sus roles personales. Resulta ser además el viaje más numeroso de Indiana, con cinco o cuatro personajes viajando con él a cada momento, haciendo de todo una experiencia tremendamente completa en cuanto a sentimientos y vivencias. El problema viene del objeto buscado, la Calavera, cuyo verdadero poder es confuso y decepcionante al llegar al final, pero siendo honesto es su única y verdadera falla.
Esta serie de películas guarda un lugar especial en mi corazón, al menos cada vez que dan una de ellas termino viéndola hasta el final, así soy pues, me gusta repetirme lo bueno.

1001 Videojuegos que Debes Jugar Antes de Morir

Y... bueno, me quitaron la idea. Alguien se adelanta y hace un libro con 1001 juegos que hay que jugar antes de morir. Esa era la razón principal por la cual estaba haciendo la sección de videojuegos los viernes (cuando tenía mi computador), viendo juegos en grupos para ver si valía la pena o no jugarlos antes de morir, compilando mi propia lista.
Pero bueno, no se deja pasar esta oportunidad, seguiré haciendo mi sección con un propósito más grande, pero para conmemorar el lanzamiento (hace dos meses) de este libro, haré una entrada del primer juego que aparece en el libro.
Oregon Trail - 1971 - MECC
Este es un juego educacional, está lleno de datos acerca de cómo vivían las personas en el 1848 que migraban a Oregon. ¿Por qué? No tengo idea, yo sólo leo y juego, no mucho más.
Empecé el juego sin muchas expectativas. Compras tus provisiones, repuestos, balas y partes rumbo a Oregon. En el camino iba encontrando fuertes, cazando comida, intercambiando objetos, vadeando ríos, cosas usuales en ese tiempo, lo mismo que morir de disentería.
Con el tiempo se me iba acabando la comida, mi gente se enfermaba, tenía miedo de estar tan cerca de Oregon y perderlos a todos. Finalmente pude llegar (con 0 de comida) al río que hay que navegar para encallar en Oregon. Yo mismo manejaba la hundida carreta, esquivando rocas y orillas. Cuando ya no quedaba nada, choco contra una roca y tres de los miembros de mi partida mueren ahogados.
Todo mi esfuerzo a la basura, un simple carpintero pierde a su familia por llegar al estado de Oregon.
Por lo que me hizo sentir, es un buen juego. Y ahora este video tiene mucha más gracia.

It Happened One Night (1934)

Cuando los clásicos decepcionan, por Jaime Grijalba.
Voy a partir diciendo lo bueno que tiene esta película clásica, que se mantiene en las listas como una de las mejores películas comedias románticas de la historia del cine, ganadora de cinco premios Oscar (mejor película, mejor director, mejor guión, mejor actor, mejor actriz) y nombrada constantemente como un ejemplo de la era dorada del cine de comedia de norteamérica.
Primero, está muy bien actuada, con eso me refiero principalmente a la voz y rapidez de los diálogos, conscientes con respecto a la psicología y caracterización inicial que se le da a los personajes. Clark Gable es inteligente a la vez que triste, sabe que su vida no vale nada y su discurso rápido busca solamente conseguir lo que quiere lo más rápido posible (pese a que resulte poco creíble un personaje con una inventiva tan amplia y a la vez rápida, lo puede hacer todo, todos lo quieren). Claudette Colbert es simplemente hermosa y su papel de niña mimada es creíble tanto por su discurso de niña rica, que sale realmente natural, junto a su mirada, esos profundos ojos claros que no hacen más que volverte loco.
Segundo, los diálogos son inventivos y las situaciones novedosas, hay buenos momentos en los cuales uno no puede evitar sonreír. Muchos dicen que lo principal de una comedia son los personajes, que deben ser graciosos, como ocurre en el caso de las películas de Abbot y Costello, por lo que puedo decir que es cierto, pero si no se ven apoyados por secuencias con buena potencialidad de comedia y excelentes personajes histriónicos secundarios que pueden dar lugar a conversaciones satisfactorias, no se es nada. Por suerte, esta película tiene lo suficiente de ambas, varias secuencias con harta potencia de comedia.
Tercero, la escena cuando el personaje de Claudette Colbert levanta su falda para que se le vea la pierna y así detener un auto es simplemente icónica de los años 30. ¿Cómo lo sé? Mi abuela una vez lo hizo y ahora recuerdo que hizo exactamente el mismo movimiento que hizo esta actriz. Obviamente, mi abuela no paró un auto así, estaba bromeando con algo más, que no me acuerdo, pero eso se ha quedado grabado en mi mente y por eso lo celebro.
¿Conocen ese dicho que dice que si no tienes nada bueno que decir sobre alguien, no digas nada? Siempre lo he considerado un dicho idiota, pero en este caso le haré caso y no apuntaré las fallas que quedan en evidencia luego de algunos minutos. Pero sí debo decir y explicar la razón de porqué creo que esta película está un pelín sobrevalorada.
El otro día empecé a ver "Bringing Up Baby" (1936) y fue histérico, era de verdad una gran comedia muy muy graciosa, muy (supuestamente) en el estilo (screwball) de lo que era esta película. No pude terminar esa película, pero quería hacerlo, pues era inventiva, rápida y muy intrigante. La media hora o así que vi de esa película es mucho mejor que la hora y cuarenta que dura esta película.
¿Qué pasó? No me divertía, una comedia debe ser entretenida, debe hacerme reír, hasta la comedia más insulsa logra hacerlo al menos un par de veces, acá pudo hacerme reír una vez y dejarme con ciertas sonrisas a lo largo del camino, pero aquí hay un claro problema de energía, que no viene de los actores, sino del guión que de verdad da lugar a diálogos en situaciones potencialmente graciosas que no llegan a su cénit.
Es una lástima, de verdad esperaba mucho más de Frank Capra, que me dió una de mis películas favoritas de todos los tiempos "It's a Wonderful Life" (1946), esperaba mucho más del material y de verdad quiero instaurar una muralla de Jericho entre mí y el hype que puede haber sobre una película antes de verla, de tanto calentar la sopa uno puede quemarse la lengua o encontrarse con el sobre y darse cuenta que era mejor tomarla fría.
No quiero decir que no sea entretenida, te deja con una sonrisa permanente en el rostro, pero es alegría y no risa.

7/10

"The Trip" (2010)

Tengo una nueva entrada en inglés en el blog "Wonders in the Dark". Nuevamente no puedo hacer nada más que estar honrado de estar en tan prestigioso lugar, escribiendo entre personas con tanto talento para escribir sobre cine o cualquier otro tema a mano.
En este caso, pese a que dije que iba a escribir sólo de libros, no pude evitar aprovechar el lugar libre de este miércoles para hablar sobre "The Trip" (2010), una miniserie de seis capítulos dada en la BBC2, y considero que es una de las mejores películas del año (¿raro? jódanse).
También la considero una de mis favoritas de la vida.
Bueno, basta de cháchara y leame en inglés.
AQUí.

Dos Últimos Suspiros

Este post está escrito especialmente para la Blogathon "The Late Show" organizada en el blog Shadowplay, que busca distintas colaboraciones acerca de los últimos trabajos de diversos directores.Yo me he inclinado por dos directores bastante conocidos y por sus obras finales, que a la vez son bastante bien consideradas entre la gente (supongo que la finalidad era 'descubrir obras maestras perdidas', pero qué se le va a hacer). Tampoco me considero un experto en la obra de ninguno de estos dos directores, así que perdonen cualquier falta.
Entonces, tenemos ante nosotros a Luís Buñuel y Yasujiro Ozu, directores amados y respetados por la mayoría de los fanáticos del cine. Sus dos últimas películas fueron en color, luego de tener una extensa obra de cine en blanco y negro que incluso se remonta al cine mudo. Se puede decir que ellos son de los primeros directores fuera de Estados Unidos que fundaron lo que se considera Cine Extranjero, contando historias locales que se volvían universales gracias al poder del cine.
Sus últimas obras son "Cet obscure objet du désir" (1977) para Luis Buñuel y "Sanma no aji" (1962) de Yasujiro Ozu. Para mí ambas tienen tremendos atributos para considerarse entre las mejores obras de cada uno, pero tienen algo que me impide llamarlas obras maestras (no hablaré de eso acá, no por ahora, no es una crítica, para su información ambas se llevan un 9/10). Curiosamente también ambas comparten algunos elementos pese a ser referentes del cine de lugares tan lejanos como es el francés (Buñuel, aunque él fuera español) y japonés (Ozu).
Las obras de Luis Buñuel siempre han mantenido algún elemento surrealista, remanente de sus primeras obras realizadas con Salvador Dalí (y en solitario), y este caso no es la excepción. Mientras que la historia trata sobre la obsesión de un hombre mayor por una mujer que nunca parece tener claros sus sentimientos reales durante toda la película (todo esto mientras se hacen explotar autos en atentados terroristas). Lo absurdo/surrealista se encuentra en partes como el vaciado de una cubeta llena de agua sin advertencia previa sobre dos personajes (una al principio de la película, ya poniéndonos en este torbellino de curiosos acontecimientos) y en la decisión de Buñuel de hacer que el obscuro objeto del deseo (la mujer) fuera interpretada por dos mujeres, que da a conocer dos supuestas facetas de ella (la amable y la traicionera).
Yo, como soy medio idiota, no me di cuenta de esto hasta como el final de que había dos actrices interpretando el papel. En una examinación más exhaustiva me di cuenta que mientras se parecen un poco, sí pueden distinguirse diferencias entre ellas a legua y media. Pero creo que eso da cuenta del estado hipnótico en que me encontraba viendo mi primer Buñuel a color, con toda esa belleza exhuberante presente en las metáforas visuales (de las cuales era un asiduo visitante este españolísimo director) y en los cuerpos de las dos mujeres que realmente se roban la película.
Por otra parte tenemos 'Una Tarde de Otoño', que es la traducción más cercana que puedo hacer de la película japonesa del maestro Ozu, que es la historia de un viejo salaryman que vive en una colorida ciudad industrial/suburbial, a quien ya le queda poco tiempo trabajando y está pronto a jubilar. Nuestro personaje principal se pasa en las tavernas, escuchando viejas canciones, bebiendo con compañeros de escuela, todo lo cual siempre llega al mismo tema: su hija, ella ya tiene 24 años y todos creen que es hora de que le arregle un matrimonio para que pueda irse de su casa.
La decisión final es tomada cuando escucha la historia de uno de sus profesores, un anciano que apenas puede tenerse en pie, cuya hija se ha quedado a vivir en la casa de él, preocupándose en cada momento de todas las cosas que él necesita, por eso no ha podido casarse y ha vivido su vida en torno a la de este viejo. Nuestro protagonista tiene que sobreponerse a sus propios miedos para poder hacer que su hija se case, él pese a todo, necesita a alguien en casa luego de la muerte de su esposa, pero teme que su hija no podrá vivir, aparte de esto, la hija no parece peculiarmente descontenta con toda la situación. Finalmente, como suele ocurrir con Ozu, todos hacen lo que deben hacer y lo que es correcto. La película nos muestra una ciudad increíblemente colorida, pese a los malos momentos (más bien tristes) que pasan nuestros personajes, realmente es una delicia.

Pueden llegar a resultar un tanto obvias, pero las similitudes que puedo ver entre ambas obras son realmente curiosas, pese a su aparente lejanía (no pensaré en influencia en este caso). En ambas películas tenemos a hombre mayores, es decir, cuyo tiempo ya ha pasado (ya sea metafórica o actualmente), que ya no son lo que solían ser, y podríamos incluso hablar de una falta de hombría de su parte, es decir, se sienten débiles en la posición que se encuentran y por eso necesitan apoyarse moral o factualmente en mujeres que son mucho menores que ellos, ya sea para tener relaciones sexuales (escasas/interrumpidas) o una ayuda más doméstica.
Ambos hombres mayores son conscientes de las necesidades de sus compañeras menores, pero no las toman en cuenta, con resultados catastróficos o tristes para ambos lados. Sienten que podrán mantener su hombría si se ven relacionados de alguna manera con una mujer menor, que los vea como alguien varonil y fuerte, ya sea a través de una relación amorosa o la figura de un benefactor que entrega dinero sin poner muchos problemas. Finalmente ambos protagonistas tienen que entender a sus contrapartes femeninas y a la vez entenderse ellos mismos como seres humanos que ya no pueden volver atrás a sus tiempos de gloria varonil. Aceptan su debilidad y desaparecen en la soledad.
Es curioso que, de alguna manera, el mismo tema sea tocado por dos directores con estilos y tipos de obra completamente distintas específicamente como última obra cinematográfica. Para ambos es un testamento de su grandeza, pero a la vez de un momento por el cual estaban pasando (y aquí empiezo a especular), de una aceptación propia de la debilidad intrínseca que viene con la edad y la relación continua con las mujeres.
Es un tema tremendamente sexual y personal el que pueden tocarse con estas obras, lo que hace todo aún más difícil si los directores están muertos y se puede fácilmente llegar a ofender, cuando lo único que se quiere decir acá es que ambos directores han testimoniado con sus obras su impotencia.

Unstoppable (2010)

Esta es la crítica a una de las películas que más esperaba del 2010 según las dos listas que hice a inicios de año, esta apareció en su primera encarnación para luego desaparecer en la segunda al haber otras películas que esperaba más.

Impasible, por Jaime Grijalba.

Antes de todo lo que pueda y tenga que decir sobre esta película, debo aclarar que el director de la misma, Tony Scott, es un auteur y no hay nadie que me pueda convencer de lo contrario. Ahora bien, el ser un auteur no implica solamente el tener un estilo determinado, temas comunes, que pueden ser rastreados en toda su filmografía, sino que también conlleva un reconocimiento crítico y que sea considerado un buen director. Desde mi perspectiva, Tony Scott es un auteur pues es un buen director que ha logrado escribir, producir y dirigir algunas buenas películas en lo que lleva de carrera, así que en eso estamos cubiertos.
Es que de verdad dudo de cualquier persona que dude de las capacidades y el estilo del hermano supuestamente menos talentoso de Ridley Scott, hay una saturación de colores simple (dándole a toda la película un tono primario o secundario), la acción es constante, la edición dinámica, no hay un solo momento en que la trama parezca descansar, y todo esto es hecho de la mejor manera, lo cual implica un conocimiento cabal de la técnica por parte del director y de sus asociados. También siempre se caracteriza por realizar películas que tratan de atraer a un público amplio, blockbusters, cargados de acción y estrellas que la gente quiere ver arriesgándose.
Creo realmente que Ridley Scott es el único cineasta mainstream hollywoodense que le está dando al público cine más cercano al experimental que al tradicional. Son esas técnicas mareantes y confusas que saldrían mal en la mayoría de las ocasiones, pero aquí son realizadas de la mejor forma posible, con la mejor tecnología y casi siempre con un gran éxito de público. No creo que haya otro cineasta que se arriesgue con los tonos anaranjados de "Man on Fire" (2004), lo audaz y premonitoria de la trama de "Enemy of the State" (1998) o la francamente mareante, experimental y finalmente espléndida experiencia que es "Domino" (2005), y estas tres películas, en distinto grado, un éxito.
Pero no siempre todo lo que hace Tony Scott es bueno, tenemos el caso de "Deja Vu" (2006), que tiene algunos de los elementos del estilo del director, pero no todos y se ven en gran manera disminuidos, casi aletargados, tímidos, como si realmente no se quisieran mostrar. Eso le quita mucho interés a una película que quiere ser una nueva fábula de ciencia ficción, pero que termina cayendo en clichés de acción como la lucha en el estacionamiento entre los autos y actuaciones melodramáticas, acciones sin sentido y con poco interés visual. El giro hacia la ciencia ficción fue hecho demasiado tarde como para resultar creíble, y eso que me encantan este tipo de películas.
Entonces tenemos que cuando el estilo de Tony Scott se ve disminuido en pos de contar una historia más "interesante" o algo que tenga que reinvindicar el hecho de que su última película haya fallado, vemos que sus películas se tornan poco interesante, pues cae en el cliché y en los elementos comunes para llegar más fácil y rápidamente a su audiencia. Es entonces donde Tony Scott se vuelve alguien poco atractivo, alguien que realmente no vale la pena estudiar o ver, pues sacrifica su visión artística, una que le ha otorgado éxitos, pero que a veces se ha tornado excesivo (y es entonces cuando se vuelve más interesante, pero a la vez falla con el público, teniendo que bajar su nivel).
Lamento decir que "Unstoppable" corresponde a ese segundo grupo de películas menos interesantes de Tony Scott. La historia del tren que no puede detenerse y que puede descarrilarse en cualquier momento dejando la crema en los alrededores de una poblada ciudadela cae en demasiados clichés y no tienen nada de lo bueno de Scott en ella, salvo por Denzel Washington que realmente no tiene nada de destacable, menos Chris Pine, el único actor medianamente bueno es Lew Temple, que realiza un papel secundario que sobresale.
Han habido reacciones críticas curiosas y las que recibe este filme. Están los positivos y los negativos, y ambas perspectivas en general están equivocadas bajo sus propios cánones. Los psoitivos encuentran que hay 'honestidad' y es una de las mejores películas en un año bastante débil, y aunque concuerdo con eso último, puedo pensar en 10 películas mejores que esta y que son muuucho mejores.
Por el otro lado, los negativos indican que el estilo de Tony Scott se siente demasiado, que es un exceso, "otra película más dek ruidoso y sin sentido estilo de Scott", cuando mas bien se trata de todo lo contrario, una degradación de un estilo que me gusta mucho, aquí simplemente se decantó por los movimientos de cámara constantes que dan un cierto mareo, pero su repetición (algo en lo que no suele caer) llega al hartazgo.
La película, al final, no es buena, pero tampoco es un desastre, queda en la anédota, algo que no va a llegar a los libros, algo que no pasará a la historia... pero les aseguro que Tony Scott tendrá su venganza uno de estos días y no será de la mano de la que muchos consideran su obra maestra "Deja Vu".

6/10

Miércoles de Cuentos: Ensayo sobre "La Ricotta"

No un cuento, sino que este fue un ensayo que escribí para el ramo "Seminario de Cine", en una prueba, luego de mostrarnos el cortometraje "La Ricotta" de Pier Paolo Passolini, había que vincularlo con los nuevos cines, como La Nouvelle Vague o el Neorrealismo Italiano. Lo encontré hace poco y pensé que era lo suficientemente bueno como para ponerlo acá. Disfruten.
Lo que está escrito en Negrita son adiciones para entender mejor el conjunto.

"La Ricotta" (1963), cortometraje de Pier Paolo Pasolini, perteneciente a la película "RoGoPaG" (1963), rompe con varias normas de lo que se podría considerar una narrativa visual y argumental tradicional, cuyos elementos se pueden identificar en varios de los movimientos de "nuevo cine" que han sido inmediatamente anteriores a él, así como contemporáneos al mismo.
Si partimos por lo que se encuentra más contemporáneo a la realización de este cortometraje, nos encontramos con que muchas de las transgresiones principalmente argumentales se vinculan con la Nouvelle Vague francesa. Argumentalmente, el cortometraje hace constantes referencias al mismo medio, el cine, cuya figura principal resulta ser Orson Welles, un director o auteur, lo que indica una preocupación y conciencia de la "teoría del autor" que fue una de las bases de la nouvelle vague (o más bien, la teoría creada y apoyada por quienes serían los cineastas de este movimiento) y que consistía en que la obra cinematográfica era principalmente responsabilidad del director y que se podría ver su "estilo" en todas sus obras, logrando así recuperar a muchos autores del cine norteamericano, demonizados sólo por ser de este país. La aparición de un actor/director en un rol de director (Orson Welles) se parece a la inclusión del director Fritz Lang en "Le mèpris" (1963) de Jean-Luc Godard, película perteneciente a la Nouvelle Vague y que, como esta, ocupa el trasfondo de la realización de una película para contar otra historia, lo cual transgrede con una "norma" narrativa de linealidad.
"La Ricotta" funciona también como un documental, una especie de "making-off" de una película ficticia de Orson Welles sobre la Pasión de Cristo, elemento presente en la Nouvelle Vague (y también el Neorrealismo) por el predominio de los exteriores y el afán de documentar una situación que podría ser real, o es la imagen de un personaje popular (Stracci); Alain Resnais en su "Hiroshima mon amour" (1959), perteneciente (supuestamente) a la N. Vague, usa el dispositivo documental al inicio para darle un verismo al resto de la película, ayudado por el hecho de estar grabado en locación (tanto el documental como la ficción).
El uso de la música en "La Ricotta" es desarticulada con respecto a la imagen, y hay veces en que incluso las voces no se coordinan con quienes las dicen, como ocurre la vez en que alguien grita "la próxima escena" y se puede ver a un perro moviendo su hocico, dando a entender que es quien lo ha dicho, lo cual es imposible. Esta desarticulación-desestructuración de los elementos mismos del filme, dan cuenta de una libertad, una liberación, un uso de las estructuras instrumentales de manera no convencional, que a fin de cuentas hacen evidente a las mismas, tal como ocurre en algunas cintas de la N. Vague. Dentro de esta transgresión instrumental se puede ver, además del ejemplo ya dado del "doblaje" de un perro, está el uso de música de baile en momentos inadecuados (y alguien reclamando por ello), o la aparición y desaparición de la música en momentos al parecer aleatorios (la conversación del periodista con O. Welles, la música se silencia y vuelve a aparecer cuando recita un poema), el cambio a color entre las escenas filmadas de la película inexistente y la historia del hambriento Stracci. Era intención de la N. Vague, o más bien de J.L. Godard, el hacer evidentes estos elementos con los que se hace una película, como hizo con la edición en "Sin Aliento" (1960) y sus jump-cuts, o en "Vivra sa vie" (1962) con la aparición y desaparición aleatoria de música (como en "La Ricotta") en los créditos iniciales.
También existe en "La Ricotta" otra transgresión que está dada por la N. Vague y esta es la de la mezcla de géneros, como ocurre en "Tirez sur le pianiste" (1960) de Truffaut donde hay una escena musical (con karaoke) en una historia que parte como un drama y termina como película de gangsters; en este caso hay una mezcla entre un drama social (hambre), comedia, cine sobre el cine, crítica social (el final) y un melodrama (final moraleja). Todos esos géneros conviven en diversos momentos y pertenecen a una transgresión mas bien cercana a lo argumental, pues parecen escenas de varias películas y sin embargo, conviven.
Hay que nombrar brevemente el "cine poesía" de Pasolini, que se presenta y se hace evidente en su negación por parte de Orson Welles mientras dirige su película, pues los planos parecen mas bien cuadros inmóviles y que, cuando alguien se mueve, debe ser repetido hasta la quietud total. El cine poesía aboga por un lenguaje propio al cine, que estaría dado por el movimiento más que por lo que se dice, por lo que esa inmovilidad es una crítica estético/ideológica de el cine que no es poesía llevado al extremo.
El personaje principal es hambriento y todo lo que hace (vestirse de mujer, vender a un perro, crucificarse) lo hace movido por el hambre y la comida que podría recibir. Hay en esto una cierta transgresión argumental/ideológica a la hora de mostrar a un personaje así que pertenecen la sociedad contemporánea italiana de ese tiempo, una exposición ante el escrutinio de los propios italianos a comprender su situación y "cambiarla" (si es posible) y ante el mundo (representado por Orson Welles). Esto está claramente influenciado, al parecer, por el Nuevo Cine Latinoamericano, específicamente del manifiesto "Estética del hambre" de Glauber Rocha.
Pese a todo, la película no se parece en mucho a una película bajo la estética del hambre, pues a el personaje Stracci no se le ve llevado a la violencia a causa del hambre, pues es a fin de cuentas una persona buena, que no puede ensañarse contra un perro por haberse comido su almuerzo, aunque sí es capaz de venderlo aunque no sea suyo. Además el tono comédico, dado por la música y las aceleraciones, que se le da al personaje en búsqueda de saciar su hambre está lejos del tono serio y crítico que tienen la mayoría de las obras del Nuevo Cine Latinoamericano, comprometido y militante. En "La Ricotta" la crítica está presente y es una trangresión ideológica enorme de la que sucede hacia el final, pero durante mucho tiempo se ha ridiculizado al hambriento Stracci como para que se le vea como un cine eminentemente partidario a una causa.
Durante los primeros momentos de la película, parece ser un filme neorrealista por la aparición de personajes desposeídos y hambrientos, como lo es el actor y su familia, así como el constante deambular de Stracci, perteneciente a este movimiento. Lo mismo en su crítica social hacia el final, una transgresión ideológica contra el pensamiento de estado y, a lo largo del filme, ridiculizando la imagen e historia de Cristo. Stracci queda como un Jesús que muere frente a los políticos para dar a conocer su situación social y su muerte puede (o no) salvar a otros como él.

Nota: 7, el profe me felicitó.

Le voyage dans la lune (1902)

1001 y Más, por Jaime Grijalba.
A Trip to the Moon es reconocida como una de las primeras grandes películas de la historia del cine, dirigida por el francés Georges Mèlies, el primer mago y auteur de cine, nos presenta la historia basada en el libro de Julio Verne "Viaje a la Luna" y "Los Primeros Hombres en la Luna" de H.G. Wells, tomando distintos elementos de ambos libros para presentarnos una de las primeras narrativas de la historia del celuloide.
Curioso resulta que la primera narrativa propiamente tal... es decir, la más exitosa, es decir, que cuenta con una estructura de tres actos, con punto de máxima perturbación y todos los demás elementos que vienen con la estructura clásica, que podríamos decir que es la primera vez que se adapta al cine y funciona perfectamente... bueno, curioso resulta que sea de género, particularmente de Ciencia Ficción, uno de los géneros que le ha dado al cine lo mejor y lo peor de sus momentos.
El hecho que esta sea la primera Gran Película de la historia del cine habla del porqué fue creado a fin de cuentas, contamos con una historia ficticia, una historia que habita en los libros y las imaginaciones de los hombres de ese tiempo. Resulta difícil creer que aún faltarían 67 años para que alguien pudiera llegar (supuestamente) a pisar el suelo lunar y plantar una colonizadora bandera en su superficie.
Esta película la conocí hace mucho tiempo, inconcientemente, sé que la vi cuando tenía muy pocos años. Es curioso pensar que antes en el UCV Televisión, Canal 5, dieran el Conde Pátula, para luego dar cortometrajes clásicos mudos en blanco y negro. Recuerdo haber visto al Gordo y el Flaco, así como creo haber visto algo de Chaplin, pero hay una imagen que no se puede borrar y es la de la cara de la luna con un cohete incrustado en su ojo.
Años después, un 11 de Noviembre del 2005 para ser más exactos, con Sebastián Rebolledo fuimos a la inauguración de la Biblioteca de Santiago, nos inscribimos (aún tengo esa tarjeta impresa) y entramos a ver los libros, encontrándonos con el libro de las 1001 Películas Que Hay que Ver Antes de Morir, editada por Jay Schneider, cuya primera película era esta.
¿Puedo decir que mi entusiasmo por el cine se multiplicó por 1001 esa misma tarde? No puedo agradecerle más al señor Schneider y a Seba, por abrirme a un mundo que de verdad ha cambiado mi vida para siempre.
Con el tiempo llegué a ver esta película/corto de nuevo y volver a maravillarme por su simpleza y a la vez sorprenderme por lo elaborado de sus efectos especiales. Recomendado para todos los que quieren siquiera considerarse que les gusta el cine. Si no la ha visto, arriba dejé el video.

9/10

The Social Network (2010)

Esta es la crítica a una de las películas más esperadas del año según mis dos listas que hice casi a principios de año. Esta película en particular estuvo en ambas encarnaciones, sólo bajando un par de puestos.

Me Gusta, por Jaime Grijalba.

¿De qué se habla cuando se critica una película como "La Red Social"? ¿Se habla de su música, perpetrada por los músicos de NiN? ¿De sus actuaciones? ¿De su fotografía? ¿De su "simpleza" narrativa? ¿De lo "diferente" con respecto al resto de la obra de Fincher? ¿Cómo hablar de una película cuyo tema es una herramienta que ocupamos día a día y que muchas veces queremos y otras odiamos? Está tan cercano a nosotros que es difícil reaccionar de una manera específica. Creo que los únicos que pueden criticar bien esta película son las personas que no han usado Facebook en su vida o quienes lo empezaron a usar después de la película. Esto es porque su mente se encuentra 'liberada' de toda nuestra experiencia generacional relacionada con esta herramienta de comunicación.
Como asiduos usuarios (o ex usuarios) de Facebook podemos tener dos clases de reacciones a la película. O nos gusta o no nos gusta. A los que les gusta, será por las actuaciones, la fotografía y porque practicamente es fácil identificarse con las locuras que realizan los personajes, situaciones, que son bastante similares a las que hemos experimentado en nuestro mundo Facebook, o al menos hemos escuchado o visto ocurrir, es bastante universal y ocurren varios codazos de entendimiento si se ve entre un grupo de amigos. A los que no les gusta será porque se habrán dado cuenta de lo fútil del ejercicio que es estar y la existencia misma de esta red social, y seguramente terminarán en un corto período de tiempo, saliendo de Facebook para nunca más volver.
Finalmente, tenemos a la gente que no conoce Facebook, o sólo tiene vagas referencias acerca de lo que es. Son ellos quienes pueden dar críticas fehacientes acerca de este trabajo, basándose en las cualidades técnicas, actorales, de trama, etcétera, sin dejar paso (demasiado) a la opinión personal. En ese sentido, igualmente estamos perfecto, hay un consenso, la gran parte de las críticas han sido tremendamente positivas, como en el caso de Roger Ebert y Michael Phillips, entre blogueros en inglés, sitios de internet, que no necesariamente se encuentran entre los usuarios de Facebook.
Bien hecho David Fincher, has logrado crear una película que atrae a más gente de la que pensabas en un principio. Sobre mi opinión, poco se puede decir. Como dije cuando terminó la película:

"It's not the best movie ever, but I liked it".

9/10

Machete (2010)

Esta es una de las críticas a las películas que más espero del año de acuerdo a las dos listas que hice a principios de año. Esta película apareció en la segunda lista solamente.
MACHETE NO CRITICA, por Jaime Grijalba.
NO CRITICA.
NO CRITICA.

9/10

Los 75 de Woody Allen

En honor al cumpleaños número 75 del director, escritor y actor Woody Allen, realizaré un Top 10 de las mejores películas en las cuales ha tenido algún tipo de relación. No habrá una explicación, pues espero hacer algo más extenso en el futuro. Repetiré este Top 10 cada Primero de Diciembre para conmemorar su cumpleaños, pues sin duda cambiará cuando termine con él. A continuación los dejo con el top 10.

10. Zelig (1983) - actor, director, escritor.

9. Radio Days (1987) - narrador, director, escritor.

8. What's Up Tiger Lily? (1966) - actor de voz, director, escritor, productor asociado.

7. Manhattan (1979) - actor, director, escritor.

6. Another Woman (1988) - director, escritor.

5. Sleeper (1973) - actor, director, escritor, compositor.

4. Broadway Danny Rose (1984) - actor, director, escritor.

3. The Purple Rose of Cairo (1985) - director, escritor.

2. Love and Death (1975) - actor, director, escritor.

1. Interiors (1978) - director, escritor.

Leslie Nielsen (1926 - 2010)

Hay personas que pueden y otras que simplemente no pueden morir. Pensé que mis hijos alcanzarían a ver a este increíble hombre en una película lanzada cuando ellos estuvieran acá, esperé muchas cosas, pero los caminos del señor son misteriosos, debo decir que Leslie Nielsen ha muerto después de una neumonía que se complicó y estoy triste. Muchas veces se ha dicho que hay que despedir a los cómicos con una sonrisa en la cara y recordando los buenos momentos, pero no puedo, simplemente hay algo que me llena de tristeza, es de verdad una de las peores noticias que he recibido en largo tiempo relacionado con el mundo del cine. No puedo evitar sentirme casi frustrado, enojado, furioso... agh... FUCK. En serio, no hay otra reacción ante esta muerte, simplemente me encuentro desesperado, nunca lo esperé, pensaba que Leslie Nielsen era inmortal y que me acompañaría siempre, pero no siempre se puede tener lo que se quiere. Maldita, maldita sea.
Revisando su filmografía me he dado cuenta de la cantidad de series emblemáticas en las cuales hizo un papel ya sea como guest actor o como personaje recurrente. Lo mismo en series de antologías fantásticas y de género.
Luego vienen las sorpresas, sobre todo cuando me refiero a películas que no he visto, por ejemplo, saber que él es el capitán de el Poseidón, o que era uno de los miembros de la nave que va al "Planeta Prohibido", realmente son sorpresas enormes.
Pero dejando eso de lado, haré mi obituario de la manera que ustedes saben, mostrando las películas que he visto de él, ya lo extraño y quiero que vuelva. Me siento de verdad extraño con todo esto, hemos perdido algo irremplazable.

1980 - Airplane!
Obvio, un clásico, qué más podría ser, una de las mejores comedias de la historia de las comedias, y el primer (y mejor) ejemplo del género spoof, que se burla de las películas de moda en ese tiempo. El personaje de Nielsen, el Doctor Rumack, debe ser uno de los mejores personajes de la historia del cine, diciendo cosas graciosas cada 3 segundos y sin quererlo realmente. Su actuación es perfecta, quiero decir, cuándo no lo es, pero aquí es excepcional y podríamos decir que quedó fichado para este tipo de películas para siempre y se transformaron en su especialidad. Dos líneas, recordadas para siempre:

1982 - Creepshow
Uno de los mejores, si no el mejor de los segmentos de la genial Creepshow es "Something to Tide You Over", sobre el marido que mata a su esposa y amante, sólo para que ellos vuelvan a vengarse. El que ejecuta estos asesinatos es Richard Vickers, interpretado de manera increíble por Leslie Nielsen, y que me hizo descubrir su verdadera capacidad actoral más allá de la comedia, interpretando a uno de los mejores villanos de circunstancia del mundo del terror. Su actuación es de miedo, veanla.

1988 - The Naked Gun: From the Files of Police Squad!
Vaya, he aquí uno de los mejores spoof del género policíaco de la historia, Leslie Nielsen en su seriedad cómica en su punto más álgido, en una trilogía cómica que pocas pueden superar y que está llena de elementos como los siguientes.

1991 - The Naked Gun 2½: The Smell of Fear
Si bien no es tan buena como la primera, hay momentos realmente inolvidables y que aún perduran en mi cabeza, aparte del tremendo talento vocal de Leslie Nielsen al cantar "Bésame Mucho" como mariachi.

1994 - Naked Gun 33 1/3: The Final Insult
Aquí hay secuencias realmente hilarantes, como todo el asunto de la cárcel y cómo escapan de la misma, es demasiado divertida. Aunque la parte de la ceremonia de los premios no es lo mejor, sigue teniendo líneas memorables.

1995 - Dracula: Dead and Loving It
En quizás la que sea la película más infravalorada de todas las de Mel Brooks, tenemos una gran película, una gran comedia y una gran adaptación de Drácula (sí, es bastante leal a la original), con una actuación de Leslie Nielsen realmente memorable. Es un placer culpable, pero no puedo evitar ver esta película cada vez que la dan en la tele, sobre todo después de haber visto tantas películas de Drácula y ver que los elementos similares son muchos y que de verdad esta película merece mucho más respeto del que generalmente se le da.

1996 - Spy Hard
Ok, ok, esta película no es una obra maestra, para nada, es mas bien ridícula y bastante aburrida en las partes en las cuales Leslie Nielsen como el detective Dick Steele no está al mando, pero hay una escena por la cual vale la pena ver toda la película y es la cuando bailan como en "Pulp Fiction", el resto puede pasar. Y qué saben, también fue el productor de la película.
1997 - Mr. Magoo
No voy a negar que esta película es mala, porque lo es, pero cualquiera que diga que él no estuvo hecho para ese papel merece irse a vivir solo a una isla.
2003 - Scary Movie 3
Este es otro placer culpable y no es más que por Leslie Nielsen, quien hace del presidente en esta película y con eso se lleva mis más sinceras gratitudes, realmente es uno de sus puntos más brillantes, aparte de ser la mejor de esta serie de malas películas.
2006 - Scary Movie 4
No sale tanto en esta película, lo cual hace que sea bastante mala, pero cuando sale es lo mejor y casi la única fuente de risas.

Que descanse en paz y todos tenemos una lágrima dentro de nosotros para él. Lloremos y riamos por él. Adios.

The Last House on the Left (1972)

Esta es la primera crítica a las películas pertenecientes a la lista de Video Nasty de Inglaterra, es decir películas que fueron prohibidas en su tiempo por la cantidad de violencia que se encontraba en ellas. La lista consta de un poco más de 70 películas que voy a revisar y endiosarme. Bueno, espero que les guste.
Es sólo una película, por Jaime Grijalba.
A veces me pregunto cuáles son los parámetros que me llevan a que me guste o no me guste una película. Es una pregunta válida, después de todo le doy un número del 1 al 10 a todas las películas y cortometrajes que veo, así que tengo derecho a hacerme esa pregunta, ¿tengo un método para establecer si algo es mejor o peor que otra cosa? La mitad del tiempo no me acuerdo qué nota le puse a qué, a menos que haya sido un 10 (aún no pongo un 1, creo que se lo merece algo realmente legendario).
No creo tener una tabla de contenidos necesarios para que algo me guste, soy bastante abierto en ese sentido, puedo ver desde la más profunda expresión de los sentimientos humanos de cine arte europeo nórdico, hasta el ejemplo más bajo de la explotación de cine B de los años 80. Pero hay ciertas barreras que... no sé... es algo raro, no puedo explicarlo bien, pero voy a tratar de dar algunos ejemplos.
Me encanta el slasher, eso es algo que todos ya saben de alguna manera, un verano me vi todas las películas de Viernes 13 y puedo decir que se trata de una serie que puede resultar plana a primera vista, pero que logra ser mucho más profunda de lo que uno piensa. Mis películas favoritas de terror se encuentran en ese género, como lo son "Halloween", "Pesadilla" y "La Masacre de Texas", y de alguna manera esta última es la que más se relaciona con la película que nos toca revisar hoy, por su shock y nivel de crudeza casi documental.
Sin embargo, como saben, adoro "La Masacre de Texas" por los sentimientos de disgusto y finalmente por la capacidad que tuvo de causarme un miedo de potencialidad, la posibilidad de que esto ocurra en cualquier momento en el mundo. Pero no me gustó "The Last House on the Left" por las mismas razones.
Bueno, no es que quiera derribar este clásico del cine shock, pero puedo decir que no es una buena película, pero tampoco es horrible, menos mal hecha. Es una película que tiene un gran trabajo actoral y una gran decisión fotográfica que se condice con lo horrible de los eventos que se reproducen en este apartado lugar del Estados Unidos cuasi rural, una especie de suburbio para personas un tanto acomodadas, pero a tiro de piedra de una ciudad llena de perdición.
No voy a negar que se trata de una película importante y que a muchos críticos le gusta, entre ellos Roger Ebert (aún no entiendo por qué), pero siento que esta película no tiene un elemento que me atraiga particularmente. La desnudez de las protagonistas es forzada, algo que no es agradable de ver, y prácticamente todas las muertes son bastante poco imaginativas. Lo vi como una colección de eventos que no quieres ver, una prueba para la audiencia, como de alguna manera trata de ser "Funny Games" en sus dos versiones. Eso no es algo que aquí funcione, pues de verdad algunas escenas dan demasiado asco y uno termina sin nada que ver.
Es real, eso creo que es lo que me sucede, el miedo en las protagonistas es palpable y las actuaciones responden más que nada al hecho de estar genuinamente al borde de perder la vida. No quiero ponerme a lo Ebert, diciendo que odio "Blue Velvet" por la forma en que se debió sentirse la actriz, que no es más que una suposición al final del día y no creo que afecte a la calidad de la película, la hace real, y eso es algo que me perturba personalmente, pero que aplaudo de todas maneras.
Pero basta de suposiciones, voy directo a la trama, no quiero dejarles con manifestaciones teóricas o filosóficas o morales sin que tengan idea de qué estoy hablando. La trama es simple, dos jóvenes mujeres están en una casa de campo cerca de un bosque y una noche deciden ir a la ciudad, a un concierto. Cuando salen del mismo, se encuentran con un grupo de pervertidos criminales que las llevarán al bosque, a tiro de piedra de su casa, que le harán toda clase de cosas hasta el punto de la violencia y la sangre.
Creo que uno de los elementos que más dan miedo de toda la historia es que ellas viven cerca del bosque donde están siendo violadas y cortadas, la desesperación viene por la cercanía que tienen a la seguridad y a la que tratan de alcanzar en variadas oportunidades sin poder lograrlo. La cercanía del infierno al cielo. La proximidad del martirio al santuario.
Tampoco voy a negar que la pel{icula tiene un subtexto bastante inteligente tras toda esa cantidad de sangre y orina, es uno de los más claros y que más satisfacción dan cuando son descifrados de todas las películas de terror de este o cualquier otro tipo. Tenemos a nuestras dos protagonistas, dos jóvenes chicas que viven una vida acaudalada, al menos una de ellas, que vienen de un mundo seguro y que deciden, por un error que viene de sus propias mentes y su inocencia propia de la sobre-protección parental, de irse a la ciudad.
La ciudad es una clara metáfora del lugar malvado, donde se encuentran las perversiones y los peligros, y estas inocentes niñas se dirigen directamente a la boca del lobo, a experimentar todo de lo que son privadas en el lugar seguro. Es casi como una oda, un cuento de hadas, pero donde la ciudad representa lo malo y el volver a la naturaleza significa lo bueno.
Pero nuestras dos chicas vuelven de su concierto y van camino a casa, sin daño, indignadas, jurando nunca volver a la ciudad (metafóricamente) pues los eventos que han visto (y no vivido) son demasiado horribles para ser vistos. Sin embargo, se encuentran con un grupo de maleantes, en la misma ciudad, que con la astucia de un zorro y con la ayuda de la curiosidad y ganas de vivir algo de lo que vieron en la ciudad de las chicas, contamos con un evento claro: la ultrajación de la inocencia de ellas.
Lo bueno es que la película, que en un principio nos muestra a la naturaleza como santuario, como en las obras que añoraban volver a una época dorada, y esta película se puede clasificar como romanticista en sus primeros momentos. Pero luego gira y nos presenta la naturaleza como el lugar del dolor y el aislamiento, donde es imposible conseguir ayuda, debido a lo apartado que está del avance y la civilización, podríamos decir casi un engrandecimiento de la ciudad (mental), así como en el cambio de la velocidad de montaje, en las escenas de violencia, quen lo conecta directamente con el futurismo.
Finalmente, para los maleantes, la ciudad termina siendo un peligro, pues la policía los busca y terminan buscando la naturaleza. Podríamos decir que ocurre un cambio de mentalidad por parte de las inocentes mujeres y los maleantes, de una mentalidad romanticista a una futurista y viceversa en el otro caso.
Y eso que aún no me he metido en el asunto de la venganza de los padres, que debe estar entre los mejores momentos de la película por su crudeza y pura grotesticidad liberadora. La venganza como acto catártico, que por alguna especie de milagro, no tiene repercusiones para quienes la cometen (al menos después de ser consumada).
¿Vale la pena verla? Pues si hubiera sabido cómo la iba a criticar, diría que no, pero si le pareció interesante lo que dije, dele una pasada, asegúrese que no tenga censura y vea la violencia en su estado más crudo y el miedo en su posicionamiento más real.

6/10

Tromeo and Juliet (1996)

Esta es mi primera crítica a las películas producidas por Troma Entertainment y hechas dentro del estudio, es decir, no las que ellos lanzan en DVD o en su momento en VHS y en las cuales no metieron mano alguna. Espero que les guste el estilo Troma.

Demasiada Miel, por Jaime Grijalba.

Esta fue la tercera película Troma que vi en una maratón de tres días que tuve y esta fue la que hizo que me detuviera. Era demasiado, el estilo Troma es uno que encanta desde un principio o te causa asco, para mí fue un proceso interesante y tal vez no tan distinto al de cualquier otro que en el futuro tenga viendo la obra de Lloyd Kaufman o cualquiera de sus discípulos.
Mi reacción de estómago a mi primera pèlícula Troma fue de asco, un asco lleno de admiración, cómo era posible que una producción independiente (presupuesto bajo el millón de dólares) pudiera provocar en mi estómago esa sensación con tanta facilidad. Aplaudí el esfuerzo y luego me empezó a llegar toda su genialidad, escondida tras la sangre, pus y desnudez de las mujeres. Era una crítica social, hecha desde fuera del sistema, tanto en su propio medio como en lo que la película contaba.
Luego vino esa película, que sin duda debe ser la más suave de las que vi, y sentí que en esta ocasión se suavizaron, buscando mas bien hacer una película por la que fueran recordados más que una película que los fanáticos de Troma se volvieran locos. Aunque tiene elementos Troma, como el desmembramiento, el volcamiento de coches, el sexo, la desnudez, incluso cierto maquillaje bastante profesional, sigue siendo la única película que he visto y que es considerada por los "críticos profesionales" como algo digno de poner en el canon.
Pero también sentí que tanto Troma muy seguido podía ser perjudicial para mi visión total sobre cómo era la película realmente, me estaba llendo por lo visual, dejando de lado el posible mensaje oculto que trataban de hacer pasar. Ahora he tenido tiempo de reflexionar y puedo empezar como se debe una crítica a la película "Tromeo y Julieta".
La película parte con una introducción a cargo de Lemmy de la casa de Mötorhead, quien también se encargará de narrar toda la trágica historia que viene a continuación, en un estilo cuasi victoriano, desinteresado y bastante humorístico a causa del tono de su voz. Lo primero que hay que tener en cuenta en las películas de Troma es que el humor forma parte principal de la construcción de cada uno de sus mundos y tramas.
Bueno, tenemos a Lemmy que nos cuenta la historia de dos familias que se odian a muerte en el Nueva York de los años 90, lleno de crimen, drogas, alcohol y carreras de auto, al igual que fiestas desenfrenadas donde dos pequeños jovenzuelos se pueden conocer y enamorar. Obviamente hablo de Tromeo y Julieta, que pertenecen a las dos familias rivales.
Lo que sigue es una serie de luchas, conversaciones, gags y sangre que con el tiempo puede volverse un tanto... ¿mild? en comparación con las otras obras Troma. A veces repetitivo en sus eventos, aún así el guión es sencillamente perfecto, tanto en sus diálogos (algunos de los cuales están adaptados directamente de la obra original) como en los giros que logra dar para que la historia no sea igual a otras versiones de la obra clásica.
Es Troma, esperen que el final cambie, que las situaciones cambien, que el amor y la forma en que se representa cambie, que las circunstancias cambien, los personajes cambien, que TODO cambie. Aún así, el espíritu de Shakespeare está presente y es una película perfecta para todo aquel que siempre ha gustado de la obra y quiere ver algo fresco o quiere iniciarse con Troma y ver algo suave.

7/10

Maravillas en la Oscuridad

Sólo un pequeño aviso, que hoy publiqué mi primera crítica al libro "Los Jefes y Los Cachorros" del nuevo nóbel de literatura Mario Vargas Llosa, en inglés y en el sitio "Wonders in the Dark". Quiero darle las gracias a Sam Juliano por la oportunidad de empezar esta serie de críticas a la obra del escritor peruano.

Lean acá.

Dracula (1931)

"I am Dracula."

"I bid you welcome."

"Listen to them. Children of the night. What music they make."

"The spider spinning his web for the unwary fly. The blood is the life, Mr. Renfield."

"I never drink wine."

"To die, to be really dead, that must be glorious!"

"For one who has not lived even a single lifetime, you're a wise man, Van Helsing."

9/10